パロディ

　先日、知り合いの中学生（以下、Yくん）に漫画を勧める機会があった。十代の頃に読んでいたものを紹介してほしい、と。
　漫画雑誌を買っては、クラスメイトと回し読みしていた学生時代を振り返りつつ、幾つか浮かんだタイトルをYくんに送る。

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　数日後、紹介した中の一つを、十数巻分読んだというメッセージが届く。タイトルは、空知英秋『銀魂』。お勧めしたものの中でも、特に難なく楽しめるだろうという確信があったので、早速感想を訊ねてみる。
　予想に反し、「全体としては面白かったけど、高度すぎてついていけないシーンもあった」という感想が届く。「高度すぎて」というのは、どういうことだろう。『銀魂』の中に高度な笑いが無いとは思わないが、どこにそう感じたのかが気になって、質問する。
　Yくんが高度さを感じたのは、『銀魂』の中でしばしば展開される「パロディ」の要素。例として挙げられたのは、「森田一義アワー 笑っていいとも！」のパロディ。私の世代にとっては、誰もが一度は見たことのある人気番組だが、中学生の子にとってはそうではない。番組が終了したのは2014年であるから、番組のことを知らない子どもがいるのも納得ではある。

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　かつては難なく笑えていたネタが、ある世代以降の人たちには「高度」にうつる、という現象は興味深い。そういう要素を色濃く持つ「パロディ」という表現形式にも関心が向く。

「アナーキズムの跋扈した六〇年代美術において、パロディは、まず権威の所在を指摘し、権威の懐に潜ってそれを翻弄する方法論として、また自らが取り込まれているアナーキズムそのものから一歩踏み出して相対視する方法として、実践された。表現を反復して再帰させ、表現で表現を語るパロディの自己言及性は、やがて七〇年代に入ってより内面化と純化を進め、広く現れてくることになる。」
（成相肇『芸術のわるさ』かたばみ書房、P114）

　美術評論家の成相肇によると、視覚文化において「パロディ」という形式が目立ち始めたのは1960年代。ジョージ秋山や永井豪といった漫画家が、その先鞭をつける。
　大衆化が進んだのは1970年代に入ってからで、その牽引役を務めたのが、雑誌『ビックリハウス』だった。

「パロディは、情報に対する逆襲であると同時に、自らがひとときでも情報の操作主体に、あるいは権威に成り変わる快楽も含んでいたことが、一層ブームを加速させた。投稿欄としてパロディの枠とその対象までもがあらかじめ用意された『ビックリハウス』で、そしてブームに乗ったあらゆるメディアで、パロディのためのパロディが量産された。標的との批評的な距離は見失われ、標的はむしろ大切な資源と化し、標的であったはずのオリジナリティの聖性や不可侵性はかえって高まっていった。」
（成相肇『芸術のわるさ』かたばみ書房、P119）

　古本まつりの雑誌コーナーを漁っていると、ときどき1970年代の雑誌を見かけることがある。中身が気になって捲ってみると、頭から尻まで、パロディ三昧。読者投稿欄もパロディネタで盛り上がっている。
　おそらく当時は、お茶の間レベルで知られていたコンテンツが「パロディ」されているのだろうが、数十年を経ると、ほとんど知っているものがない。
　雰囲気で笑えはするけれど、元ネタのどこをどう弄っているから面白いのか、詳しい文脈が摑めない。まさに、Yくんが『銀魂』を読んだときと、同じ状況に立っている。

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　現在の「パロディ」の主戦場は、紙ではなく動画となっている。そこでは、「再生数」や「コメント数」といった形で、パロディのクオリティをはかる指標が可視化されている。
　今後も「パロディ」は、カルチャーを盛り上げる表現形式の一つとして、重要な役割を果たしていくことだろう。

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