LA PRESENCIA DEL AGUA EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO JAPONÉS: LA OBRA DEL ARTISTA IKEYA TOMOHIDE Alejandra Rodríguez Cunchillos Universidad de Zaragoza

日本の現代美術の中で 作家・池谷友秀の作品

アレハンドラ・ロドリゲス・クンチーニョス
サラゴサ大学

日本と水
ダヴィド・アルマザン・トマス コーディネーター
フェデリコ・トラルバ・コレクション
東アジア研究

現代日本美術における
現代日本美術における 池谷友秀の作品
池谷友秀
アレハンドラ・ロドリゲス・クンチージョス
サラゴサ大学

春の海
一日中満ちたり沈んだり
昇っては沈む
自然への称賛と芸術におけるその表現は、日本では昔も今も不変のものである。

日本では、これまでも、そしてこれからも不変のものである。歴史を通して、多くの日本の芸術家たちが、この問題、特に水のさまざまなふるまいを扱ってきた。水のさまざまなふるまいを、人間との共存、水と人間との共存、水と人間との共存、水と人間との共存、水と人間との共存、水と人間との共存、水と人間との共存、水と人間との共存人間とこの化合物との共存。1この意味で、水は谷口蕪村（摂津、1715～1715）のような優れた詩人にインスピレーションを与えてきた。(谷口蕪村（摂津、1715-京都、1783）は、本稿に先立って水の態度を俳句に反映させている。を参照されたい。同様に、他の芸術分野においても、このテーマを反映した日本の作家を数多く見つけることができる。文化に深く根ざしているこのテーマを反映している日本人作家は数多い。例えば有名な葛飾北斎（1760年東京生まれ-1849年東京生まれ）の場合である。冨嶽三十六景」の中の「神奈川沖浪裏」という版画を制作した。冨嶽三十六景の中の一枚である。おそらく日本美術史上最も有名な作品のひとつであろう。日本美術史。船乗りたちの上に砕け散ろうとしている波の頂は、自然の力を示している。sailorsは自然の力、その暴力性、人間の制御の不可能性を示している。人間のコントロール。私たちは、日本が環太平洋火山帯の一部であることを念頭に置かなければならない。環太平洋火山帯の一部であり、地震活動が活発な地域に位置している。

地震と火山活動が活発な地域であるため、地震が頻繁に発生し、その結果として津波が発生する、その結果、津波が発生する。このためである、このエングレーヴィングは、この国の地質を表現するものであると同時に、この国のトレードマークでもある。国のトレードマークにもなっている。現代日本社会は、自然を身近に感じ、その美的価値に特別な感性を示し続けている。その美的価値に対して。この関係は現代美術においても、水はインスピレーションを与える要素であり、その手段であり続けている。インスピレーションを与える要素、芸術作品を実現するための媒体、あるいはその主人公である。この問いに注目すると、次のことがわかる、1945年以降の美術において3、多くの芸術家が、作品制作の過程で頻繁に水を使用している。作品制作の過程で、あるいは主要なテーマとして、水。主なテーマとして。その一例が、元永定正（三重県、1922年）である。三重県、1922年～神戸市、2011年）は、1956年に「作品水」で具体グループに参加した。1956年、具体グループの野外美術展に出品した「水」、1956年に芦屋の公園で開催された具体グループの野外美術展に参加した（Munroe, 1994: 83）。これは、水で満たされた一連のビニールシートからなるインスタレーションであった。染めた水で満たされたビニールシート。それらはもともとハンモックとして公園の木々の間に吊るされていた。重力によってビニールフィルムはを曲げ、水を水の中に集めることができた。
下の部分に水が溜まる。同時に、太陽光が合成樹脂を照らす、一日中変化し、ぶら下がるジュエリーをシミュレートしている。もう一人、現在のシーンで非常によく知られ、水が作品の主人公であるアーティストがいる。杉本博司（東京都・1948年）は、海洋風景を主なテーマとしており、水が作品の主役である。杉本博司（東京、1948年）である。1980年代から海と空を撮り続けている、彼の最も有名なシリーズのひとつが「Seascapes」である4。杉本は、地球上のさまざまな場所からこれらの原初的な風景を撮影し、禅の静寂と精神性を伝えている。静寂と禅の精神性を伝える。これらの写真は非常にコンセプチュアルなもので、自然の本質を捉えようとしている。一方、1998年、アーティストの宮島達男（東京、1957年）はは、直島の古民家（かどや）にインスタレーションを制作した。時の海'98。彼は主室の床を水で満たした。の水を敷き詰め、その中に1から9までカウントするLED装置を設置した。1から9までカウントするLED装置。彼は125人の地元住民にこのプロジェクトに参加するよう呼びかけた。このプロジェクトでは、各カウンターの速度を好きなように調整しなければならなかった。各カウンターの速度を思いのままに調整した。この作品が伝えようとしているメッセージは明確だ。時間は私たちみんなをつないでいる。そして水もそうなのだ。同様に、アーティストのグエン・ハツシバ・ジュン（東京、1968年）は、いくつかのビデオ・インスタレーションを制作している。水中でのいくつかのビデオ・インスタレーション。Aその一例が、2003年のMemorial project Minamata: neither either neither nor neither-a love story』（2003年）である（Ga plan, 2008: 135）。この作品では、水俣病を象徴的に参照している。この作品では、日本の水俣の町の汚染に象徴的に言及することで、水俣の町の汚染にスポットを当てている。この作品では、水俣の汚染に象徴的に言及し、水俣の民俗学の重要性を強調する一方で、進歩がもたらす結果についても言及している。一方では、進歩の結果である。同時に、この場合、他の場合と同様にこの場合、他の場合と同様、水は両者の間に地理的な関係を築く役割を果たす。

異なる国や文化の間。作家自身
池田学（佐賀県、1973年）は、前述した最初の作品『神奈川の高波』を想起させる。
同様に、前述の最初の作品『Wave on the High Seas of Kanagawa, Ikeda Manabu』（佐賀県、1973年）を想起させる。
神奈川の海、池田学（佐賀県、1973年）は2008年に『Foretoken』（池田学）を制作した。
2008年の『Foretoken』（池田学、2008：30）。彼は、時折日本を襲う

時折日本を襲う大波にインスパイアされた。2011年の東日本大震災を予感させる作品である。
2011年の東北地方太平洋沖地震。
水がその行く手を阻む。改めて、日本における水とその重要性が
国であることが作品に表れている。
波の場所である神奈川に関連して、私たちはこの作品を位置づけなければならない。
この研究の対象である日本人アーティスト、池谷友秀。
1974年、関東平野の南西端に位置するこの比較的小さな県に生まれた。
(東京と富士山の間）に位置し、海に囲まれている。
作家が海や、そこで起こるさまざまな環境現象に近接していることは、珍しいことではない。
そこで起こるさまざまな環境現象。
現代圏の多くのアーティストとは異なる、
池谷は通常の方法で芸術家としての訓練を受けたわけではないが、水やさまざまな環境現象に興味を持っていた。
しかし、子供の頃から漫画、アニメ、日本映画に興味を持っていた。
10代の頃からマンガ、アニメ、日本映画に興味を持ち、趣味が高じていった。1990年代
ホテルやケータリング業界、特に日本のイタリアンレストランで働いた。
その後、日本でのキャリアをスタートさせた。2001年、写真家として修業することを決意。
東京綜合写真専門学校で写真を学び始める。
東京綜合写真専門学校 "を卒業。'°

日本の現代写真が世界的に高く評価されていることを忘れてはならない。
20世紀と21世紀の偉大な写真家たち、例えば、テー マツ・ショーメイ、細江英公、森山大道らが一堂に会している。
テマツ・シェメイ、細江英公、森山大道、荒木経惟など、20世紀から21世紀にかけて活躍した写真家たち
や荒木経惟などである。このため
多くの日本人がこの画材に興味を抱くのも当然だろう。アーティスト
アーヴィング・プローストや荒木経惟といった西洋の作家たちとも知り合うようになった。

アーヴィング・ペン、リチャード・アヴェドン、ニック・ナイト、ピーター・リンドバーグなどである、
ニック・ナイトとピーター・リンドバーグは彼が敬愛する人物であり、彼らが彼の作品に残した足跡を意識している。
彼らが彼の作品に残した足跡について」。
2001年、池谷は前職を辞め、写真スタジオCARATSに社員として入社した。
写真スタジオ「CARATS」にて、写真家・高崎勝治とともに。
師匠の高崎（1947年東京生まれ）は、1976年に写真スタジオを設立し、1990年10月に独立した。
1990年10月、社名をCARATSに変更。
高崎は世界的に知られている。
高崎は、日本の都市、特に京都の美しさを撮影する能力で世界的に知られている。
日本の都市、主に京都と奈良。また、商業写真家としても
また、日本やアメリカでの商業写真プロジェクトで最も需要の高い作家の一人でもある。
日本やアメリカでは、国際的なハリウッド・アーティストの仕事も依頼されている。
国際的なハリウッド・アーティストとの仕事もある。
池谷は彼と一緒にカメラと照明の技術を完成させた、
主に技術的な面で。しかし、その1年後、ある出来事が起こった。
池谷はある出来事をきっかけに、プロとしてのキャリアを考え直すことになる。
作家がスキューバダイビングをしていたとき、水中でカメラを構え、水中の写真を撮っている写真家を目撃したのだ。
水中で海底の写真を撮っていた。池谷は感じた。
池谷は、自分も同じようなことをしたいと思った。
彼が興味を持ったのは、水中のイメージを捉え、そこから言説を生み出すことだった。
そこから言説を生み出すことだ。インタビューの中で、彼は次のように語っている。
ひょんなことからスキューバダイビングに誘われた。
そして、その水中世界を見たとき、すぐに私の心をとらえた。様々な水中だけに存在する現象や生命体、そして水と光の美しい戯れ。
水と光の相互作用は、私に強い幸福感と興奮を与えてくれた」（池谷、2013年）。
この疑問を反省し、フリーランスの写真家として活動を始める。
フリーランスの写真家として活動を始める。それ以来
池谷の作品は、この研究にとって実に興味深い。
このように、池谷の作品では、彼の文化に深く根差したこのテーマが取り上げられている。

水と人間という、彼の文化に深く根ざしたテーマを取り上げ、現代的なメディアや手法を通して私たちに提示する。
それが彼の作品の主軸なのである。
彼の作品の主軸である。彼の写真では、両方の要素が完璧な共生の中で交差している。
WAVE、MOON、BREATHとして知られる3つのシリーズの主人公である。
「波」「月」「呼吸」。池谷はこれらのシリーズすべてにおいて
コントロール」という概念とその喪失について、水と人間について、水と人間のさまざまな反応について、池谷は問いかけている。
水と人間のさまざまな反応を探っている。水なし
しかし、どの作品においても、池谷は、彼の作品の特徴である優雅な美学と詩的センスを放棄していない。
彼の作品を特徴づける詩的センス。
創作のプロセスについては、作家は次のように作品に取り組んでいる。
次のように。まず、綿密な作品構想を練る。
スケッチや他のメディアを通して、展開する作品のプランニングを行う。
スケッチやその他のサポートは、空間に起こりうる変化に対してオープンである。
空間。作品のいくつかは、水中で行われることを忘れてはならない。
作品のいくつかは、深い水槽に沈められた状態で制作される。
ある状況に対するモデルの反応や自発性は、大きく異なることがある。
状況は大きく異なることがある。これらの結果は、しばしば
最も興味深いものであることが多い。したがって、池谷は常にアイデア、ビジョン、テーマから出発する。
アイデア、ビジョン、テーマ、そして偶然性、
常に存在するものなのだ。これらの写真を撮るために
作家はできるだけ少ない道具で水の中に入る。
モデルと同じ高さになるためだ、
できるだけ長く水中にとどまり、写真を撮ることができるようにするためである。
写真を撮る。これが彼の芸術的アプローチであり、作品の制作方法であろう。
彼の作品。コンセプトとしては、彼は水と人間のつながりを強調しようとしている。
水と人間のつながり。彼の芸術的
アーティスティック・ステートメントで池谷はこう述べている：

私は自分の作品に「コントロール」という概念を持っている写真家である。
水というのは、人間には決してできない「コントロールできないもの」のひとつである。
趣味でスキューバダイビングを数カ国でしていたこともあり、「水」について考える機会が多かった。
水」について考える機会が多かった。
水中から眺める太陽の光の美しさ、水中での日常生活、そして人間である私。
その世界を少しだけ見ることができた。
私たちは、たくさんの器材を揃え、水中のリスクに気を配れば、人間は水をコントロールできると思っていた。

しかし、人間は決して水の中で生きることはできない。そしてまた
水なしには生きられない。
水は生命を与えるだけでなく、生命を奪う。その一方で、水は
ただ「水」としてそこにある。
水は「ただの水」であっても、とても哲学的な存在なのだ。私は
私はますます水に魅了され、水を表現することに熱意を持つようになった。
写真家になった理由のひとつでもある。
水と関わりのある作品を作ってきました。
の姿を通して「生きる熱意」を写真で表現している。
水と人間
これまで述べてきたように、作家は主に3つのシリーズを発表してきた。
シリーズである。その第一弾が「Wave」である。
年国際写真賞広告部門第1位、2007年パリ写真賞広告部門第1位、2007年パリ写真賞広告部門第1位、2007年パリ写真賞広告部門第1位を受賞した。
2008年にはパリ写真賞を受賞している。* このセットの写真では
このセットに属する写真では、人間と水の間のこの闘争が登場する。この場合
人間は、海がその航路をたどるのを妨げる障害物であると同時に、自然の一部でありたいと思っている。
同時に、彼は自然の一部であることを望んでいる。
このシリーズは次のように解釈できる。
人間は、日々の生活の中で生じる問題に対処しようとしている。
そして場合によっては、それらに圧倒される。
のメタファーであるとも言える。

社会における個人の暴力 その他にも
このような "波 "や障害に直面しても、抵抗したり立ち止まったりすることを可能にする要因は他にもある。
また、こうした "波 "や障害に直面したときに、抵抗したり立ち止まったりすることを可能にする要因もある（図1、2、3）。
1、2、3）。
その結果、力強く緊張感のある映像が生まれる。さらに
アクリル絵の具、ニス、ワニスなどを使ってイメージをテクスチャー化する。
アクリル絵の具、ワニス、その他の素材によって画像に質感を与える作業をさらに進めることで、作品にさらなるドラマと力強さを与えることができる。
作品にドラマ性と力強さを与えることができる。
一方、池谷は生と死への頌歌である「月」シリーズを制作している。
生と死。この作品には水も存在し、それは作品の創造的で詩的なプロセスの一部となっている。
作品の創造的で詩的なプロセス。月の満ち欠けは潮の満ち引きに影響を与える。
月の満ち欠けは潮の満ち引きに影響を与え、地球上の生命の発展をも刺激する。このシリーズには以下の文章が添えられている。
暗い月夜には生と死が混在している。
a mixture of life and death / 新しい生命を受け取る肉体の可能性。
これまでのシリーズとは異なり、これらの写真は、巨大な静寂を伝え、見る者の中に巨大な静寂を生み出す。
巨大な静寂が、見る者に不穏な感覚をもたらす(Fig. n.° 4).

このシリーズでは、髪の毛が基本的な役割を果たしている。
髪の毛は、その人が死んだ後も、長い間その人に残っている。
髪の毛は、その人が命を落とした後も、ずっとその人に残っている。このように、髪は死後の生命の連続性を象徴している（図n.）
図n. "5）。
その一方で、日本人の想像力において髪の毛が持つ重要性を無視することはできない。
日本人の想像力、そしてモデルが髪と結びついていること（図no.）
(図6）。池谷は、自分の作品が神道の影響を強く受けていることを認識している。
神道では、よく知られているように、縄は「縄」とみなされるものを区切るために使われる。
神道では、よく知られているように、縄は神聖なものを区切るために使われる。日本には、縄を結ぶ伝統的な技術もある。
日本には、「縛り」と呼ばれる伝統芸能もある。この慣習は
日本の有名な写真家、荒木経惟（東京、1940年）の作品に見られる、
荒木経惟（東京、1940年）の作品にも見られる。
日本の伝統的な結び方である。彼が池谷の作品に与えた影響はさらに大きい。
池谷の作品はさらに進んでおり、荒木の作品と同じように、両者の間には対話がある、
荒木の作品と同様に、池谷の作品にも両者の対話がある。
生と死。にもかかわらず、そのイメージは決して優雅さと繊細さを失わない（Fig.no.6）。
図6）。このシリーズは
International Photography Awards 2012（人物部門第2位）を受賞した。
People部門第2位）。
彼のシリーズの第3作目であり、最新作は『Breath』である。このシリーズのおかげで
2008年パリ写真賞、2009年国際写真賞（人物部門第1位）、2009年国際写真賞（人物部門第1位）を受賞。
2009年国際写真賞（人物部門第1位、特別部門第2位）。
人物部門第1位、特別部門第2位）、2010年Xtoイメージアワード
(自然体部門第1位）、2010年PX3 Prix de la Photographie Paris
(ヌード部門第2位）、2014年モスクワ国際写真賞受賞17。
これらの作品は、人間の生命活動であり、自分自身によってコントロールされる呼吸に焦点を当てている。
図7）。池谷は呼吸を可視化しようとし
池谷は呼吸を可視化することを追求し、水中という環境でそれを実現している。インタビューの中で
呼吸は私たちにとってなくてはならないものです。
呼吸は私たちにとって不可欠なものであり、それは私たちが生きている間、絶え間なく繰り返される。
呼吸が止まる時点を死と考えるのです」。呼吸が止まる。通常、呼吸は目に見えないものであり、意識することはないと思う。18
無限の気泡によって、私たちは呼吸を完全に明瞭に見ることができる（Fig.図7と図8）。
同じように、水中では、人間の一生を通じての態度は、その水中での態度と同じである。
ある者は生きる意志を持ち、そのために戦い、ある者は生きる意志を持ち、ある者は生きる意志を持ち、ある者は生きる意志を持ち、ある者は生きる意志を持ち、ある者は生きる意志を持ち、ある者は生きる意志を持つ。
ある者は生きる意志を持ち、そのために戦う、ある者は生きる意志を持ち、ある者は戦う意志を持ち、ある者は生きる意志を持ち、ある者は戦う意志を持つ。
諦めてしまう人もいる（Mur, 2017）。インタビューに答えて
インタビューに答えて、作家は次のように語った。
人生に。たとえ誰かが、自分の手で何かをすることを妨げている障壁を打ち破ったとしても、それはその人の人生を変えるものではない。
自分の手で何かをすることを阻む壁を誰かが壊してくれたとしても、それは私たち自身の限界という根本的な本質を変えるものではありません。
限界。
こうした制限もまた、『生きる』ことの一部なのだ」19。
このような結果を得るために、作家は日本の舞台芸術、特に安藤忠雄の「安藤忠雄」を参考にしている。
日本の舞台芸術、特に暗黒舞踏20のダンサーをモデルにしている。
極端な状況を表現しようとするこのコンテンポラリーダンスのダンサーたちである（Beville, 2010）。
のダンサーである（Beville, 2010）。
そのため、写真には非常に顕著な短縮が見られる、
ジェスチャーや非常に内臓的な反応を見せる。モデルは
人間の最も深い恐怖を浮き彫りにしようとしている。被写体はこのような状況を限界まで生きる
被写体はこの状況を限界まで生きている。
というのも、水中に沈められると、恐怖がより強く表面に出てくるからである。しかし、人々のさまざまな反応にもかかわらず、彼の作品
しかし、人々のさまざまな反応にもかかわらず、彼の作品には、官能性と美しさが際立っている。
形と構図の両面における官能性と美（図No.）
(図9）。
同時に、展示されているこれら3つのシリーズ以外にも、池谷は写真作品を制作していることにも注目したい、
池谷は、ファッションの世界に関連した写真作品も制作している。
また、池谷は「ファッション」でも、国際写真賞「広告」カタログのヌード・ジュエリー賞を受賞している。
また、2009年には国際写真賞の広告・カタログ部門でヌード・ジュエリー賞を受賞している。
また、Trus-Trickなど日本の音楽グループのビデオクリップも制作している。
池谷友秀は現在、東京のコグレ・ギャラリーとミュンヘンのミケコ・ギャラリーに所属している。
日本の現代アーティスト（その90％以上）。さらに後者、
は、21世紀の日本美術とヨーロッパのコレクターの架け橋になることを前提としている。
世紀の日本美術とヨーロッパのコレクターとの架け橋となる。その目的は
海外の美術愛好家の認識、視覚習慣を変え、日本美術の認知度を高めること、
日出ずる国の現代美術に対する認識を高めることである。
以上のことから、近年、日本人アーティスト
日本人アーティスト池谷友秀は、近年、国際的なコンテンポラリー・アート・シーンにおいて、その作品を通じてニッチを切り開いてきた。
国際的なコンテンポラリー・アート・シーンの中で、池谷友秀はその作品を通してニッチを切り開いてきた写真作品。。
このことは、彼がこの10年間に受賞した数々の賞や、彼の10年間にわたる
日本、ベルリン、パリ、ニューヨークで開催される展覧会やアートフェアへの参加などである、
ベルリン、パリ、ニューヨークで開催された展覧会やアートフェアに参加した。
また、新進気鋭のアーティストであるにもかかわらず、彼の写真がその特異性で際立っていることも明らかである。
彼の写真は、その特異性と驚くべき質の高さで際立っている。この研究で
日本人アーティスト、池谷友秀の壮大かつ不穏な作品に浸るつもりである。
日本人アーティスト、池谷友秀の作品に浸り、この日本人写真家の作品を国内芸術シーンに近づける。
日本のアートシーンに近づけることである。