LA PRESENCIA DEL AGUA EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO JAPONÉS: LA OBRA DEL ARTISTA IKEYA TOMOHIDE Alejandra Rodríguez Cunchillos Universidad de Zaragoza

日本の現代美術の中で 作家・池谷友秀の作品

アレハンドラ・ロドリゲス・クンチーニョス
サラゴサ大学

春の海は一日中上がったり下がったり
ブソン

日本では、自然の尊重と芸術における自然の表現が不変のものとなっています。歴史の中で、多くの日本の芸術家たちは、この問題、特に水と人間との共存を示す場面を通して、水の異なる行動に取り組んできました。
その意味で水は、この記事に先立って俳句に水の姿勢を反映させた谷口武尊（摂津、1715年～京都、1783年）のような優れた歌人たちを鼓舞した。同様に、その他の芸術においても、このテーマを取り上げ、文化に根ざした日本の作家が数多く存在します。そのような場合は、シリーズ三十六景富士山の神奈川の公海に版画「波」を作った認識葛飾北斎（東京、176Gt東京、1849年）の場合です。日本美術史上最も有名な作品の一つかもしれません。船員たちの上を破ろうとしている波の波紋は、自然の力、その暴力、そして人間の制御の不可能性を示しています。日本は環太平洋火山帯の一部であり、地震活動が活発な地域に位置していることを念頭に置かなければなりません。

地震が非常に多く、その結果、津波が形成されます。そのため、この彫刻はその国の地質を表現するものであり、またその印にもなっています。
現代の日本社会は、自然に寄り添い、その美的価値に特別な感性を発揮し続けています。このような関係は、水が芸術作品やその主人公を創造するための媒体であり、インスピレーションを与える要素であり続けている現代美術に現れています。この問いに注目してみると、1945年以降の美術では、多くの作家が作品制作の過程で、あるいはメインテーマとして水を使うことが多いことがわかります。その一例として、1956年に芦屋の公園で開催された具体美術グループの野外美術展3に「ワーク・ウォーター」という作品で参加した元永定正（三重県、1922年～神戸、2011年）が挙げられる（Munroe, 1994: 83）。染めた水を入れたビニールシートを連続させたインスタレーションである。元々は公園の木の間にハンモックとして吊るされていました。重力はビニルスがカーブすることを引き起こし、水がプールに溜まることを可能にします。
下の部分。その際、日光が化合物に影響を与え、一日中変化し、ペンダントジュエリーをシミュレートしました。
海景をテーマにした作品であるため、水を主役にした作品を発表している現代美術家としては、杉本博司（東京、1948年）が有名です。1980年代から海と空を撮影しており、代表的なシリーズの一つが「Seascapes4」です。 杉本は、地球上のさまざまな地点から原始の風景を捉え、静寂と禅の精神を伝えています。自然の本質を捉えようとする、非常にコンセプチュアルな写真です。一方、1998年には、作家の宮島タスオ（東京、1957年）が直島の古い民家（門屋）を利用したインスタレーション「時の海'98」を制作した。正室の床を水で満たし、中にLED装置を配置し、1から9まで数えていた。125人の地元住民に参加を呼びかけ、それぞれのカウンターの速度を思い通りに調整してもらったという。この作品が伝えようとしているメッセージは明確であり、時間は私たちのすべてとそこからつながっています。
水の流れがそうさせる。
同様に、アーティストのグエン・ハツシバ・ジュン（1968年、東京生まれ）は、水の中にいくつかのビデオインスタレーションを設置している。その一例として、メモリアルプロジェクト水俣：NOR THORNORがあります。
-2003年のラブストーリー（Galán, 2008: 135）。この作品では、日本の水俣の村の汚染を象徴的にとらえ、地元の民俗学の重要性を強調し、一方では進歩の結果を強調しています。この場合も他のケースと同様に、水は水俣の人々と地理的な関係を築く役割を果たしています。

国や文化の違いを切り離さないことが大切です。同じアーティストが、海を越えて自らのルーツである日本とベトナムを繋ぐ。
同様に、最初に引用した『神奈川の高海の波』を思い出しながら、池田学（佐賀県、1973年）は2008年に『フォレトークン』（lkeda, 2008: 30）を制作している。時折日本を襲うあの大波に触発された。この作品は、水がすべてを流失させた2011年の東北地方太平洋沖地震の前触れである。改めて、日本における水の重要性とその重要性が芸術に表れています。
波の場所である神奈川とリンクして、このスタジオに日本人アーティストの池谷友秀を配置しなければなりません。関東平野の南西端、本州島（東京と富士山の間）に位置し、海に囲まれた比較的小さな県に1974年に生まれた作家は、水やそこで起こる様々な環境現象に親しみを持っていると考えてもおかしくありません。
現代の多くのアーティストとは異なり、池谷は正式な美術教育を受けていませんでしたが、幼少期から漫画やアニメ、日本映画などに興味を持ち、思春期を迎えた頃から趣味が増えていきました。2001年、彼は写真家としての訓練を受けることを決めた。
東京綜合写真専門学校（東京）でこの学問を学び始める。
現代日本の写真は、戸松照明、細江栄子、森山大道、荒木経惟など、20世紀とxxⅠの偉大な写真家を集めて世界的に知られていることを忘れてはならない。そのため、多くの日本人がこの媒体に興味を持つのは当然のことである。作家はこの分野に深く入り込み、少しずつアーヴィング・ペン、リチャード・アヴェドン、ニック・ナイト、ピーター・リンドバーグなど、彼が尊敬する他の西洋の作家たちと知り合い、彼らが彼の作品に残した痕跡を意識している。
2001年、池谷は前職を退職し、写真家のTaka sakiKatsujiとともに写真館CARATSに社員として入社。高崎師匠（1947年東京都生まれ）は1976年に自身の写真館を設立し、1990年10月に社名を「CARATS」に変更した。高崎は、京都や奈良を中心とした日本の都市の美しさを捉えた写真家として世界的に知られています。また、日米の商業写真プロジェクトでは、ハリウッドの国際的なアーティストからの依頼も多く、最も求められている作家の一人でもある。12 池谷は彼とともに、技術的な部分を中心としたカメラや照明の扱いを完璧にした。しかし、その1年後、具体的な事実が池谷のプロとしてのキャリアを考え直させた。作家がスキューバダイビングをしているとき、水中でカメラを持った写真家が海底を撮影しているのを見た。ドキュメンタリー的な意味ではなく、同じことをしたいと思っていた池谷さんが興味を持ったのは、水の中の映像を捉え、そこから言説を生み出していくことだった。インタビューでは、「たまたまダイビングに誘われて、その海中の世界を見て、すぐに虜になってしまった」と、その体験をどのように生きてきたのかを語ってくれました。

様々な水の中にしか存在しない現象や生命の姿、水と光の美しい遊びに、強い陶酔感と興奮を覚えた」（池谷、2013年）。この問題を反省し、フリーランスの写真家として活動を始めた。それ以来、このスタジオでは池谷さんの仕事が本当に面白くなってきました。このように作家は、水と人間という彼の文化に根ざしたテーマを作品の中に取り入れ、現代的なサポートやテクニックを通して私たちに提示しています。彼の写真の中では、この二つの要素が完全な共生の中で交錯し、「波」「月」「呼吸」という3つのシリーズの主人公となっています。池谷はそのすべてにおいて、「コントロール」という概念とそれを失うこと、水を持つ人間について自問自答し、人間のさまざまな反応を探っている。しかし、いずれも作品を特徴づける優雅な美学と詩情を放棄しているわけではない。
創作のプロセスとしては、作家は次のようなアプローチをしています。まず第一に、彼は空間の中で生まれる可能性のある変化を受け入れながらも、スケッチやその他のサポートを通して、展開される作品の綿密な計画を立てている。これらの結果が最も重要視される傾向にあります。だから、池谷は常にアイデアやビジョン、テーマからスタートし、常に存在するであろう偶然とのバランスを取ろうとしている。 これらの写真を撮影するために、アーティストはモデルと同じ高さにいて、できるだけ長く水の中にいて、写真を撮ることができるように、できるだけ少ない道具で水の中に入ります。それが彼の芸術的なアプローチであり、作品の制作方法であろう。コンセプトとしては、水と人間のつながりを強調しようとしている。芸風では池谷が暴露している。
私は自分の作品に対して「コントロール」という概念を持っている写真家です。
水は人間には絶対にできない「制御できないもの」の一つです。
趣味で数カ国でスキューバダイビングをしながら、「水」について考える機会が多くありました。
水の中から見た太陽の美しさ、水生生物の日常、そして人間である私は、一瞬だけ彼らの世界を見ることができた......。
沢山の設備があって、水の中のリスクに気をつければ、人間は水をコントロールできると思っていましたが、人間は水の中では生きていけません。そして、私たちはまた、水なしでは生きていけない。
水は命を与えるだけでなく、命をも奪う。一方、水は創造の母でも破壊のマスターでもなく、ただ「水」として存在しているだけなのです。
水は哲学的な存在である。私はますます水に魅了され、それを表現することに熱中していました。
写真家になったきっかけの一つでもあるので、水と関係のある作品を制作しています。
水と人間の姿を通して、写真で「生きることへの熱意」を表現しています。

私たちが指摘しているように、アーティストは信仰茶まで3つの主要なシリーズを行ってきました。その第一弾は、2007年のインターナショナル・フォトグラフィー・アワードで広告部門で1位、2008年のパリ・フォトグラフィー・グランプリで1位を獲得した「WAVE」。14 このシリーズの写真には、人間と水との葛藤が現れている。この場合、人間は封鎖された存在であり、海の進路を妨げる障害物であると同時に、自然の一部でありたいと願っている：抵抗と統合である。このシリーズは次のように解釈することができます：人間は、彼の人生の中で彼に提示された問題に日々向き合おうとし、場合によっては、彼はそれに打ち勝っています。の比喩であると言えます。
社会の中で個人が被る暴力。15 他にも、これらの「波」や障害に直面して抵抗したり、あきらめたりする要因として、各人の強さや弱さ、精神状態、性別、年齢などがある（図１、図２、図３）。
その結果、衝撃的でストレスを感じる映像になっています。漆喰やアクリル絵の具、ニスなどでイメージをテクスチャー化した後の写真作品を通して、作品に大きなドラマと力強さをもたらすことができるのです。一方、池谷は生と死の讃歌「月」シリーズを実施。この作品では水も存在しており、それは劇の創造的で詩的なプロセスの一部である。月の満ち欠けは潮の満ち引きに影響を与え、地球上の生命の発達をも刺激します。このシリーズには「暗い月夜は生と死が入り混じっている／新しい蔓を受け取る身体の可能性」というテキストが添えられている
このシリーズでは、髪の毛が基本的な役割を果たしており、人が命を落とした後も髪の毛は長く残っています。このように、髪の毛は死後の生命の連続性を象徴するものであろう（図５）。
一方で、髪の毛が日本人の想像力の中で重要であることはもちろん、髪の毛を持ったモデルに糸を引くことも無視できない（図No.6）。池谷は、彼の仕事が、知られているように、神聖なものとされるものを糸で区切る神道の影響を強く受けていることを認識しています。同じように、日本には縛り（縛り）と呼ばれる伝統的な結び方があります。これは日本の有名な写真家、荒木経惟（東京、1940年）の作品にも見られます。
バインディング。池谷の作品に与えた影響はそれだけではない。
生と死 にもかかわらず、画像は決して優雅さと繊細さを失うことはない（図6）。

このシリーズは、2012年国際写真賞（人物部門第2位）を受賞しました。
シリーズ最新作の第3弾は「ブレス」。これにより、2008年パリ写真賞、2009年国際写真賞（人物部門第1位、特別部門第2位）、2010年Xto image award（Body in Nature部門第1位）、2010年PX3 Prix de la Photographie Paris（ヌード部門第2位）、2014年モスクワ国際写真賞などを受賞している17。池谷は、この作品の重要性について、「呼吸は私たちの生活に欠かせないものであり、生涯にわたって繰り返し行われているものである。
死とは、呼吸が止まってくれ 通常、呼吸は目に見えないもので、意識することはないと思います。
彼の人生の中で：ある者は生きていく意志を持ち、そのために戦う。
遭遇する様々な状況に夢中になってしまう人もいれば、単に自分を見捨ててしまう人もいる（Mur, 2017）。インタビューでは、「人は生きている間に様々な問題に遭遇します。誰かが自分の手で何かをすることを阻む壁を壊したとしても、それは自分の限界の根本的な本質を変えるものではありません。これらの制限もまた、「生きること」の一部である」。
そのために、日本の舞台芸術、特に暗黒舞踏を利用している 。このように、いくつかのモデルは、状況を極端に表現しようとするコンテンポラリーダンスのダンサーである（Beville, 2010）。このため、写真の中には、非常にシャープな縮尺、引き裂かれたジェスチャー、または非常に内臓的な反応が見られます。模型は人間の深い恐怖心を引き出そうとしている。被験者はこれらの状況を限界まで生きているのだが、それは水没すると恐怖心がより強く出てくるからだ。しかし、男性に生じる反応が異なるにもかかわらず、彼の作品は、その形態、構成ともに巨大な官能性と美しさが際立っている（図9番）。
池谷はこの3つのシリーズ以外にも写真作品を制作しています。