不測の画材、墨。 画面は自然現象を喚起する場となる。
自然の作用と寄り添う
墨と水が出会うと魔物に変わる。にじみやたまりは変幻自在で決して思い通りにはいかない。だからこそ飽きない。我を出し過ぎてはいけない。自分の仕事は半分まで、後の半分は素材がもつ自然の力にゆだねる。筆を置いた瞬間が完成の時ではない。素材に宿る自然の力を借りて作品を仕上げていく。
筆を置くと、墨は私の手を離れて紙の上をゆっくりと滲みはじめ、やがて乾いてぼかしを残します。これは不測の現象です。でも、だからといって抑え込むようなことはしません。技術は自然を制御します。しかし私はむしろ自然の作用と寄り添いながら、あえて偶然の美を作品の中に受け入れていきたいと思っています。
墨という不測の画材
環境に応じて変化する不測の画材、墨。対して常に安定した不動の画材、油絵具。「諸行無常」と「永遠不滅」、まるで東と西の価値観を象徴するようです。
海外に出て異なる価値観の中に身を置くと普段気づかない発見をします。例えば、毎日何気なく使っている墨のこと。すられた墨は常に変化し、昨日と今日では違う顔を見せます。墨のにじみは変幻自在で思い通りにはいきません。自分の力は半分まで、あとは素材の力に委ねながら毎日制作を続けます。そして最後に、書きためた数百枚の山の中から一枚を選び、残りを捨て去って作品の完成とします。
一方、油絵具の発色や延びはその日によって変わることはなありません。特に油絵の場合、その日の気温や湿度で絵具の発色や伸びが変わってしまったら画材として不可ということになってしまいます。画家はこの不動の画材を使って一枚のキャンバスと長い時間をかけて向き合い、少しずつ前進しながら完成に至ります。
一方書家は書きためた数百枚の山の中から一枚を選び、残りを捨て去って作品の完成とします。
そもそも西洋の考え方では「人」と「自然」は対峙しており、「自然」は「人」によって制御される対象となります。片や東洋の「自然」という言葉は「人」を含めた万物全体を示します。人も自然の一部。自然を敬い、自然を畏れながら、自然とともに生きていくという考え方です。私は海外でたくさんのアーティスト達と知り合い、自分というものを知ることが出来ました。私は彼らの製作現場を見ることでこのことに気づき、自分の立つべき位置を知りました。
画面は自然現象を喚起する場
第二次世界大戦後に平面上に何かを描く行為自体を問い直す動きが起こり、現代美術の時代が始まります。それまで多くの画家たちは平面に三次元のイリュージョンを描いていましたが、新しい画家たちはこの伝統を疑問視して絵画の本質を再定義しました。1950年代には抽象表現主義が隆盛し、アクションペインティングというスタイルが生まれます。画家にとってキャンバスはもはや絵を描くための画面ではなく、アクションのための舞台となりました。さらに1960年代には平面でしか出来ない表現へと純化したり（ポップアート、コンセプチュアルアート、カラーフィールドペインティング、ネオダダ）、ついには表現そのものを放棄する（ミニマルアート）動きにまで至ります。
それでは私にとって紙面とは何か。そこは何かを書くための画面というより、むしろ自然現象を喚起する場であると言えます。
When they come into contact, ink and water metamorphose into something mysterious. The ink pools and spreads as it wishes, acting like a strange illusion, never behaving as one expects. This is precisely why I never get tired of it. I should not put my own self into a work to an excessive degree. My work is half, while the other half involves relying on the natural power of the material. The moment I lay down my brush is not the time of completion. I complete a work through 'borrowing' the natural power residing in that material.
When I lay down my brush at the end of a performance, the ink takes on a life of its own, and slowly begins to spread on the paper. Finally, it dries, and leaves gradations of a blur. This is an unexpected phenomenon. But even so, I do not try to constrict it. Technology controls nature. Instead, I wish to intentionally accept the beauty of the unplanned, while working hand in hand with nature.
Basically, Chinese ink varies, changing in response to the environment it's in, whereas oil paints are always uniform and stable. "The impermanence of all things" vs. "eternalness" - in a way, this seemingly symbolizes the value systems of the East and West.
When a person lives in an environment with different values and viewpoints, they discover things they normally wouldn't notice. One example is the Chinese ink which I use every day without really thinking about it. Chinese ink is constantly changing, showing a different aspect today than yesterday. The ink spreads in an ever-changing, fickle manner, not reacting as one would expect. My strength/skill goes halfway, while the rest depends on the natural power residing in the material. With this mindset, I continue to create pieces one after another. Finally, from among the hundreds of pieces I've stacked in a pile, I choose just one, and throw away the rest. In this way, I conclude the creation of a single piece.
When considering the materials used, we can note that the color and quality of oil paints doesn't vary depending on the day. Particularly in the case of oil painting, depending on that day's temperature and humidity, if factors such as the coloring or elasticity of the paint change, the paint may become inappropriate for use. Therefore, a painter may work on one piece of canvas for a long time, advancing little by little until (s)he completes the piece.
Generally speaking, at the root of Western thought, humans are in conflict with the natural world, with "Nature" deemed to be an object to be controlled by "Man". In contrast, in the Orient, the word "Nature" indicates the whole of creation, including human beings. Humans are part of nature - living our lives while respecting and fearing it.
While abroad, I got to know many artists, and could learn more about myself and my work. I realized this after viewing Western artists' production sites, and came to understand the position I myself should take.
After World War II, the era of contemporary art began. Up until then, painters had been creating illusions of 3D on a flat surface, but they now began questioning historical tradition and redefining the original concept of painting. During the 1950’s a movement called Abstract Expressionism flourished. Within this movement, there was a style known as Action painting, where the canvas was used not just as a surface to draw on, but became an ‘arena in which to act’. In the 1960’s many styles of art emerged one after another. Some artists purified expression into what can only be done on the plane (Pop art, Color field painting, Neo-dada). Then finally Minimalism abandoned expression altogether.
For me, paper is not something to draw upon, but rather a ‘field for a natural phenomena to arise’.
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