音楽家に15の質問・フロム・ロンドン 1/2
4年ぶりのアルバムの発売にともない、イングランドはロンドンの人気音楽誌"15 Questions"によるインタビューが公開された。
「私たちは、アーティストのプライベートな生活や最新のリリースには興味がありません。その代わりに、制作の専門家、演奏家、ジャーナリスト、科学者、作曲家を巻き込んで、音楽の意味、作り方、限界はどこにあるのか、なぜ音楽は私たちに違った影響を与えながらも普遍的であり続けるのかを議論しています。」
この言葉通り、芸術家としての在り方を問われる深い質問の連続だった。
ここに、その記事の和訳を載せておこうと思う。DeepLによる翻訳に少しだけ手を入れた。
もしあなたが音楽家なら、あなたならどう答えるかを考えてみても良いかもしれない。
そして、私の作品に興味を持っていただければ幸いです。
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(掲載元：https://15questions.net/interview/fifteen-questions-interview-haioka/page-1/)
はじめに：オススメのアートピースを2つ紹介してください。
うーん......難しいですね。だって、おすすめの作品がたくさんあるんだもの。2つ選ぶとしたら、1つはアントワーヌ・ド・サン＝テグジュペリの「人間の土地」という本です。星の王子様の作者として知られていますが、飛行機のパイロットとしての経験をもとに書かれたこの作品は、現代のアーティストが何をすべきか、何を考えるべきかの参考になるのではないでしょうか。いろいろと考えさせられました。
そしてもうひとつは、日本のアニメーション映画『音楽』です。2020年に公開された70分のアニメーションで、完成までに7年の歳月を費やし、すべて手書きで書かれています。若い頃の衝動が豊かに表現されています。
Q1. 作曲やプロデュースを始めたのはいつですか？また、初期に熱中したものや影響を受けたものは何ですか？また、音楽や音のどこに惹かれたのでしょうか？
-- 2000年頃、エレクトロニック・ミュージック、特にテクノ・ミュージックにとても熱中しました。自由な感覚、実験的な感覚、ボーダーレスな感覚、そして言語を超えた喜びを与えてくれるのを感じたのです。Underworld、WESTBAM、Chemical Brothers、Daft Punk、そして日本のDJである石野卓球やKAGAMIがそれを教えてくれました。
しかし、私は人見知りで、少し保守的な家庭で育ちました。また、当時の日本では、テクノはとてもアンダーグラウンドな音楽でした。そのため、しばらくの間、自分の情熱をもってクリエイティブなことをすることができませんでした。
2003年、日本ではまだテクノミュージックはアンダーグラウンドでした。しかし、日本のテクノポップ・バンドOVERROCKETに刺激を受けました。私は、友人や他の人々にテクノを紹介するために、女性ボーカルのシンプルなテクノ音楽を作り始めました。当時の日本では、インストゥルメンタルの音楽はまだあまり理解されていませんでした。そのため、ヴォーカルが重要な鍵となりました。
でも実は、自分で作ったレコードを、どんどん出てくる新譜のコレクションに加えたいと思ったのが大きな理由です。音楽の歴史の一部になりたいと思ったのです。
Q2. 多くのアーティストにとって、独創性の前には学びの段階があり、多くの場合、他の人を模倣することになります。あなたの場合はどうでしたか？ご自身のアーティストとしての成長と、自分の声への移行をどのように表現しますか？
-- テクノ・ミュージックは、"four to the floor "というパターンで定義されています。ですから、学び、模倣する段階では、シンプルなリズムマシンやシンセサイザーを使っていました。(もちろん、勉強すればするほど、単純に4つの拍子を作ればいいというものではないことがわかってきました。)
しかし、問題は自分の中のロックへの憧れでした。楽器は弾けませんでしたが、テクノのほかにロックをよく聴いていました。当時一緒に音楽を作っていた親友や、日本のDJは本当に音楽に詳しくて、まさに伝道師でした。smashing pumpkins、U2、MONO、Depeche Mode、The Stone Roses、Sigur Rós、Boom Boom Satellitesなどですね。
数え切れないほど多くのロックバンドに憧れていました。シャウト、ラウドまたはデリケートなギター、そして、激しく、美しく、センチメンタルな雰囲気に。そこで私は、これらの衝動や感情を電子楽器でどう表現するかに注目しました。
Jonny GreenwoodやJames Ihaのギターをシンセサイザーで、Charlie WattsやQuestloveのドラムをドラムマシンで表現しました。それが自分のオリジナリティを生み出すのに役立つと信じていました。今でもそう思っています。
Q3.自分のアイデンティティーが創造性にどのような影響を与えると感じていますか？
-- 私は東京に住んでいる日本人です。先ほど申し上げたように、私は日本の典型的な、やや保守的な家庭で育ちました。一般的には社交的でしたが、実は少しシャイでした。ファンタジーやSF、アニメや漫画が好きな夢想家で、少し怠け者でもある私のことを、人はどう思っているのだろうと心配になることもありました。それは私の創造性に100％影響を与えました。
日本はほぼ単一民族で構成されているため、多くの人が世間の評価に神経質になり、人を何かに分類したがる傾向があります。閉鎖的に見えます。英語教育が不十分なため、言語の違いが残っており、インターネットではどうにもならない。
つまり、私たちは自分の国ではスーパーマジョリティですが、一歩外に出れば、世界では言葉も文化も違うスーパーマイノリティになるのです。ですから、今のように外の広い世界に接すると 世界は広がっているのに、故郷は閉ざされているような、自分の居場所がないような、宇宙に漂うデブリのような感覚に陥ることがあります。
私の創造性は、無重力に浮かぶデブリの夢のようなものです。
Q4. 最初の頃の創作上の課題と、それがどのように変化してきたかを教えてください。
-- 最初の頃は、日本の四季折々の習慣を大切にしていた祖母の慎ましい生活から創作のインスピレーションを得ていました。そのような人々の日常生活を音楽で表現しようとしました。日本の伝統的な絵画である浮世絵のように、鮮やかに、少しフラットに、そして空間を意識して。
また、浮世絵に影響を受けた西洋絵画も私にインスピレーションを与えてくれました。特に印象派ですね。ですから、私の音楽では、エドゥアール・マネの「草上の昼食」（ジョルジョーネの「田園の奏楽」をマネが古典と現代を融合させ再構築しようとしたものと言われています）のように、現代と古典を混ぜてみました。現代の電子音と日本の伝統的な音をミックスしたものでした。
しかし、世界的なウイルス危機と長い間家にいなければならなかったことで、私の興味はよりミクロなものになりました。私の国、私の地域、私の人生 ....。自分の住んでいる場所から半径5km以内の人々の生活に注目しました。(私のInstagramには、アイデアの源となったフィールドレコーディングの音が集められています) そのうちに、クロード・モネのように、人々の生活のありふれた様子や窓から差し込む光の変化などの印象を、自分の内なる感情というフィルターを通して、見たり聞いたりしたものを音で表現することに注力するようになりました。まるで、世界を定点観測しているような感覚でした。
そして、このようなインスピレーションから、技術的には、筆触分割の概念を自分の音楽に取り入れようとしました。特に、芸術家が自分の感情や精神を筆のタッチでどのように翻訳したかを読んで、私は共感しやすかったのです。その感覚は、日本の伝統的な書道に似ているからです。
そこで私は、リスナーが音のタッチを感じられるように、音の質感、強さ、配置などにこだわりました。
Q5. クリエイティブな目標や技術的な能力が変化すると、楽器、ソフトウェアツール、レコーディング機器など、さまざまな表現ツールが必要になります。最初のスタジオ、最初の楽器から始まったあなたのこの道のりを説明していただけますか？また、長年にわたって楽器やツール、機材を選択してきた理由は何ですか？
-- 話せば長いですね。それは、私個人と私の国、日本全体に関わることです。
確かに、高いお金を払って購入する楽器には魅力を感じます。しかし、私はそのお金を得るための努力をしませんでした。友達が要らない楽器を安く売ってくれたり。あるいは、閉鎖するスタジオから機材を安く買ったり。あるいは、ネットオークションで中古品を買ったり。また、フリーソフトもたくさん試しました。
私の一つの信念のようなものです。なぜそう思うのか？それは、私の国、日本の人々へのメッセージの意味があります。日本人は昔からテクノロジーや技術的な装置が大好きです。戦争に負けて他国に追いつこうとしたことが、それを加速させました。多くの子どもたちは、「教えられたことをきちんとできること」が大切だと考えて育ちます。そのため、自分を表現する技術があることを知りません。だから、今の日本では革命的で斬新なものは作れないのでしょう。私は警鐘を鳴らしたい。
そして、もう一つの理由があります。私は若い頃、ただひたすら音楽を聴いて楽しんでいました。だから、音楽の作り方をまったく知らない状態でスタートした。コードも音符も知りませんでした。不協和音というものがあることも知りませんでした。しかし、私は友人に恵まれていました。音楽の作り方を親切に教えてくれました。そして、自分でもたくさん勉強しました。未熟な音楽をたくさん作って、友達に聴かせました。そして、たくさんのアドバイスを受けて、何度も何度も音楽を作りました。つまり、機材の良し悪しは問題ではないのです。大切なのは、勉強してセンスを磨くこと。
同時に、創造性への道は誰にでも開かれていることを伝えたいと思います。たとえ今は無名で、高価な機材を持っていなくても、努力すればクリエイティブになれることを証明したいのです。同じ楽器を使い続けて、その楽器の特徴を理解し、深く知り、自分の一部のように感じるほどの関係を築くことが大切です。恋人との関係のようなものですね。
そんなわけで、私はいまだにPCをアップデートしておらず、ウィンドウズXPのままです。怠け者なだけなのかもしれませんが。
Q6. あなたの音楽の作り方を大きく変えた、あるいは疑問に思った技術や楽器はありますか？
-- 祖母からもらった琴です。これは日本の伝統的な楽器で、ユニークな弦楽器です。和音の構成も日本独特のものです。それに加えて、日本の楽器は、その日の歌手の体調に合わせて調律されます。
楽器を使っていると、日本に古くから伝わるさまざまな感性を感じることができます。日本人の美意識、そして私の中に流れる先祖の血。ご先祖様と現代の音楽について語り合う機会もあるんですよ。とてもスピリチュアルなことだと思います。
(後半へ続く)
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