Pierre Huyghe: Sculptor of the Intangible - Interview Magazine 読書メモ
2017年のNasher賞の受賞について、アート・ジャーナリストの Taylor Dafoe 氏によるインタビュー。
There is virtually no art world convention that Pierre Huyghe has not sought to redefine. From customs of exhibition display, materiality, and medium, to the very ways in which we define contemporary art, Huyghe has broken the rules with his signature macabre flair. Given the scope of his vision, it might not be surprising that he is also one of the most decorated artists of his generation, having been honored with several of the industry’s most prestigious international awards, including the Kurt Schwitters Prize, the Contemporary Artist Award, and the Hugo Boss Prize.
ピエール・ユイグは、アート・ワールドのそれまでの慣習を疑い破ってきた。ルールから逸脱するだけではなく、独自の世界から紡ぎだされる作品は高く評価されている。フランスではトップ・アーティストと認識されているし、国際的な賞をいくつも取得している。
Nasher 賞は、テキサス州ダラスのナッシャー彫刻センターが主催する。10万ドルの現金とレンゾ・ピアノがデザインした賞が授与される。
It’s given annually to a living artist who “elevates the understanding of sculpture and its possibilities.” And while Huyghe’s work certainly fits the bill in that it challenges us to reconsider the very look and function of contemporary art in this age of late-capitalism, its status as sculpture is dubious at best.
ピエール・ユイグの作品は、後期資本主義における現代アートの姿と機能を再考させるものである。しかしながら、彫刻としては疑わしい。
既に彫刻としての賞という在り方が問われているのかもしれない。だからこそ、ピエール・ユイグに賞を授与するという見方もできる。
ヒト・シュタイエルとピエール・ユイグが2017年の Power 100 の1位と2位だった。この年に、アート・ワールドの変革の機運が高まったものと思う。二人とも、ミュンスター彫刻プロジェクトに作品を提示している。
ビデオ・アートは時間ベースの彫刻である。こうした考え方は1990sで定着したようだが、それはまた別のnoteで取り上げたいと思う。
“I’m very grateful to be honored in this way, but I have personally never asked myself about what category my work fits into,” says Huyghe. “I never felt beholden to sculpture, or film, or any medium, even when I work within different disciplines. To be honest, it has never been on my radar.”
「このような栄誉に感謝していますが、個人的には自分の作品がどのカテゴリーに当てはまるのかを自問自答したことはありません。彫刻や映画など、異なる分野で仕事をしていても、どのような媒体にも縛られていると感じたことは一度もありません。正直言って、私のレーダーの中には入っていませんでした。」
Huyghe’s studio doesn’t look like the classic artist’s workspace. Everything is neat and orderly; traditional art supplies are few and far between. But that’s not a shock: like any conceptualist, his creations are largely intangible. The physical objects employed are not autonomous works unto themselves, but surrogates for abstract ideas behind them. For Huyghe in particular, they function as structural vessels for larger ecosystems—whole worlds in which individual parts aren’t as important as the dynamic network they add up to. Take for example Untilled (2011–12), a reclining nude figure carved from stone featuring a living bee colony in the place of its head; or Zoodram 4 (after Sleeping Muse by Constantin Brancusi) (2011) a marine ecosystem, with a hermit crab living in a shell modeled off of Brancusi’s sculpture, Sleeping Muse. “An interaction in which I push a button and something responds is not one I’m interested in,” says Huyghe. “I’m not so much considering the individual—one species or one object with a fixed radiation. To me, it has to be a mesh of interdependent things, biotic and abiotic.”
ユイグのスタジオは、古典的なアーティストのワークスペースのようには見えない。すべてが整然としていて、伝統的な美術用品はほぼない。彼の作品は、他のコンセプチュアルな作家と同様に、ほとんどが無形のものである。特にユイグにとっては、それらはより大きな生態系の構造的な容器として機能している。例えば、リクライニングした裸体の彫像である《Untilled》（2011-12）では、頭の代わりに生きた蜂のコロニーが構築されており、《Zoodram 4》（2011）では、Brancusi の彫刻《Sleeping Muse》をモデルにした容器（貝殻？）の中に住むヤドカリがおり、海洋生態系を表現している。
「ボタンを押して何かが反応するようなインタラクションには興味がありません。私は個々の種や固定された輻射を持つ物体をあまり考えていません。私にとっては、生物学的なものと非生物学的なものの相互依存の絡み合いでなければなりません。」
ビオトープとして構成された水槽、その中に人の顔の彫刻を背負ったヤドカリが動いている。この水槽の中で構成された生態系。顔がヤドカリに担がれて、水槽の中を行き来する。
いや、ただの顔としてはいけない。《Sleeping Muse》（1910）に住んでいる。（下記のリンクから作品画像を確認できる。）
ナッシャー彫刻センターのディレクター、 Jeremy Strick は、ピエール・ユイグの実践が、彫刻の範囲が拡張され、広い範囲が彫刻として考えられるようになったためと指摘している。つまり、ピエール・ユイグの作品が、彫刻の範疇として考えることができるようになったということ。
彫刻家とは、空間、体積、質量の３つの次元で考えるのが一般的である。しかし、彫刻には時間という次元が加わっている。ピエール・ユイグの作品は、全てが時間と関わっている。様々なメディウムによって表現される彼の作品は、時間という根本的な考え方があるという。
ピエール・ユイグの作品の核心は意味の捉えどころのないもの。時間を取り扱うということは、変化を取り扱うということ。境界に興味がある。生きているものと死んでいるものの間、生物とその環境の間、言語と知覚の間。
最近、ピエール・ユイグは、パラメータを広げたという。
2017年の記事だから、3年前の話、この後にサーペンタインギャラリーの展示、岡山芸術交流のアーティスティック・ディレクターを経験している。
「植物、動物、人間、コンピュータ、ロボット、機械......もちろん、それらはすべて変化する可能性があります。しかし今では、例えば石にも変化の可能性が見えてきました。人間の視線の中で石を測定していても、石の変化を見ることはできないかもしれませんが、異なる条件の下で、より長い時間をかけて石の状態を考えてみたらどうでしょうか？人間だから変化が見えないのかもしれない。自分がコウモリだったら？」
The artist’s newest ventures embody this commitment to ecocentrism, eschewing anthropocentric ideologies in favor of considering the existence of objects outside of human perception. Huyghe has been making frequent trips to the south of Japan, where he’s installing a couple of new projects. The first, a collaborative piece with architect Francois Roche in the city of Okayama, is a house that builds itself. For the project, which is set to be completed in two years, a five-axis robot collects seismic information from the ground below, and algorithmically translates it into sets of datum that it uses to pour concrete with mycelium fungi. Like the majority of Huyghe’s works, it becomes a kind of living organism. And not only does it not require human assistance to operate, it actively fosters human life—people will stay in the house while it’s being built.
エコセントリズム
ユイグは頻繁に南日本を訪れ、いくつかの新しいプロジェクトを発表しています。一つ目は、岡山市にある建築家 Francois Roche とのコラボレーション作品で、「自分で建てる家」です。2年後に完成予定のこのプロジェクトでは、5軸ロボットが地下の地震情報を収集し、それをアルゴリズム化して基準値に変換し、菌糸体を使ってコンクリートを打設する。
ユイグの作品の多くがそうであるように、それはある種の生命体となる。また、人の手を借りずに動作するだけでなく、家を建てている間も人が住み続ける。
2年後ということは2019年だけど、この家のことはよく分からない。
The second is a new garden work, in an as-of-yet undisclosed location, similar to the one Huyghe created for Documenta 13. The Documenta piece, like the majority of the Huyghe’s installations since, brought together—in his words—a “network of interdependent heterogenous elements to create a larger installation.” Of those were several of the artist’s own works, including Untilled, Zoodram 4, and a live dog named Human, who has one leg dyed bright pink, and runs around the garden.
2つ目は、未発表の場所にある新しい庭園作品で、ドクメンタ13のためにユイグが制作したものに似ています。
ドクメンタの作品は，それ以降のユイグのインスタレーションの大半と同様に，彼の言葉を借りれば，「相互に依存した異質な要素のネットワークが、より大きなインスタレーションを生み出すために集まった」ものである。その中には、《Untilled》や《Zoodram 4》、片足を鮮やかなピンク色に染めて庭を走り回る生きた犬《Human》など、作家自身の作品も含まれていた。
この庭園のプロジェクトは、《ソトタマシイ》のことだと思われる。一年のうちに、限定的な期間しか公開されていない。
For the Japan iteration of the project, he’s taking it one step further, creating a smartphone application that will transmit organic information into visual data, allowing viewers to witness the biodynamic interactions between different elements. “Everyone has these devices now,” says Huyghe. “They’re like a new species on our own body, like a co-host. With this project, you’ll be able to use these devices to envision different new elements within that network. It’s not the phone I’m interested in. It’s just a device that everyone has. It’s just like the eyes, another tool of access to things that we all deal with.”
今回の日本でのプロジェクトでは、さらに一歩踏み込んで、スマートフォンのアプリケーションで有機的な情報を視覚的なデータに変換し、さまざまな要素のバイオダイナミックな相互作用を目の当たりにすることができるようにした。
「今や誰もがこれらのデバイスを持っています」とユイグは言います。
「私が興味を持っているのは電話ではありません。誰もが持っているデバイスにすぎません。目のようなものです。誰もが扱うものに アクセスするためのもう一つのツールです。」
スマホが目のようなものであるなら、その目を使ってデジタル世界を見るということか。
Huyghe has no specific plans for the $100,000 that comes with the Nasher Prize.
ユイグは、Nasher賞に付属している10万ドルのための具体的な計画を持っていません。
いただきましたサポートは美術館訪問や、研究のための書籍購入にあてます。