翻訳　デューク・エリントンについて

Duke Ellington

エドワード・ケネディ・デューク・エリントン（Edward Kennedy "Duke" Ellington, 1899年4月29日 - 1974年5月24日）は、アメリカの作曲家、ピアニスト、そしてジャズオーケストラのリーダーであり、1923年から亡くなるまで60年以上のキャリアを持ちました。

ワシントンD.C.で生まれたエリントンは、1920年代半ば以降、ニューヨークを拠点に活動し、ハーレムのコットンクラブに彼のオーケストラが出演することで全米に知られるようになりました。
1930年代にはヨーロッパでも公演を行った。ジャズの歴史の中で重要な人物とされているが、エリントンは「beyond category」という言葉を自由に使い、自分の音楽を「American Music」という一般的なカテゴリーの一部として捉えていた。

エリントンのオーケストラには、サックス奏者のジョニー・ホッジスをはじめとする、ジャズ界でも屈指の演奏家が参加していた。エリントンは、彼らをジャズ史上最も有名なオーケストラ・ユニットに融合させたのである。中には数十年も在籍したメンバーもいました。
78回転の3分間の録音フォーマットに合わせてミニチュアを書くことに長けていたエリントンは、1,000曲以上の曲を書いた。彼の作品は個人のジャズの遺産としては最大の記録であり、多くの曲がスタンダードになっている。また、フアン・ティゾルの「Caravan」や「Perdido」など、バンドマンが作曲した曲も録音しており、ビッグバンドジャズにスペイン風の色合いをもたらした。
1940年代初頭、エリントンは作曲家・編曲家・ピアニストであるビリー・ストレイホーンと30年近いコラボレーションを開始し、彼は作・編曲の伴侶と呼んでいた。

ストレイホーンとの共演では、組曲と呼ばれる長編曲を多く作曲し、さらに小品も作曲した。1956年7月に開催されたニューポート・ジャズ・フェスティバルに出演した後、エリントンと彼のオーケストラは大きな復活を遂げ、世界ツアーを開始した。エリントンは、当時のアメリカのほとんどのレコード会社で録音を行い、いくつかの映画に出演して音楽を担当し、いくつかの舞台ミュージカルを作曲した。

エリントンは、オーケストラ（ビッグバンド）を独創的に使い、雄弁でカリスマ性のある人物として知られていた。彼の評価は死後も高まり、1999年にはピューリッツァー賞音楽部門特別賞を受賞した。

Early life and education

エリントンは1899年4月29日、ワシントンD.C.のジェームズ・エドワード・エリントンとデイジー（ケネディ）・エリントンの間に生まれた。両親はともにピアニストだった。デイジーは主にパーラー・ソングを弾き、ジェームスはオペラのアリアを好んだ。彼らはデイジーの両親と一緒に、ワシントンD.C.のウエストエンド地区にある2129 Ida Place（現Ward Place）, NWに住んでいた。
デュークの父は、1879年4月15日にノースカロライナ州リンカントンで生まれ、1886年に両親とともにワシントンD.C.に移住しました。
デイジー・ケネディは、1879年1月4日、アメリカの元奴隷2人の娘として、ワシントンD.C.に生まれました。
ジェームズ・エリントンは、アメリカ海軍の設計図を作っていました。

デュークが子供の頃、彼の家族は他の多くの家族と同様に、人種的なプライドとサポートを家の中で示していた。D.C.のアフリカ系アメリカ人は、当時のジム・クロウ法から子供たちを守るために活動していました。

7歳になったエリントンは、マリエッタ・クリンクスケールからピアノのレッスンを受け始めた。デイジーは、息子を威厳のある女性に囲ませて、礼儀作法を強化し、優雅さを教えた。エリントンの子供時代の友人たちは、彼のさりげない物腰と堂々とした服装が若き貴族のようだと気づき、彼を「デューク」と呼ぶようになった。この愛称は、友人のエドガー・マッキントッシュがつけたものだという。
エリントンは、友人のエドガー・マッキントレーの言葉を借りて、「私が彼といつも一緒にいられるようにするためには、肩書きが必要だと思ったのでしょう。だから彼は僕をデュークと呼んだんだ」

エリントンはピアノを習っていたが、それよりも野球に興味を持っていた。
「ルーズベルト大統領（セオドア）が時々馬でやってきて、私たちの演奏を立ち止まって見ていました」と彼は振り返る。
ワシントンD.C.のアームストロング・テクニカル・ハイスクールに進学したエリントンは、ワシントン・セネタースの野球観戦でピーナッツを売るのが最初の仕事だった。

エリントンがフランク・ホリデイのプールルームに忍び込むようになったのは、14歳のときだった。プールルームのピアニストたちの音楽を聞いているうちに、エリントンの楽器に対する愛情に火がつき、真剣にピアノの勉強をするようになった。ドク・ペリー、レスター・ディッシュマン、ルイス・ブラウン、ターナー・レイトン、ガーティ・ウェルズ、クラレンス・バウザー、スティッキー・マック、ブラインド・ジョニー、クリフ・ジャクソン、クロード・ホプキンス、フィル・ウルド、キャロライン・ソーントン、ラッキー・ロバーツ、ユービー・ブレイク、ジョー・ロチェスター、ハービー・ブルックスなど、多くのピアノ奏者の演奏を聴いていた。

1914年の夏、プードル・ドッグ・カフェでソーダ・ジャーク(ドラッグストア内のソーダ・ファウンテンにおいてソーダ水やクリームソーダを客に振る舞う従業員)として働いていたエリントンは、最初の作曲である『Soda Fountain Rag』（通称「プードル・ドッグ・ラグ」）を書いた。
彼はまだ楽譜の読み書きを習っていなかったので、耳で聞いて作ったのである。『Soda Fountain Rag』をワンステップ、ツーステップ、ワルツ、タンゴ、フォックス・トロットと演奏していたとエリントンは振り返る。
"聴いている人は、それが同じ曲だとはわからない。私は自分のレパートリーを持っているということを確立したのだ。"
エリントンは、自伝『Music is my Mistress』（1973年）の中で、「ピアノは自分の才能ではない」と感じていたため、レッスンに参加するよりも欠席することが多かったと書いている。

エリントンは、ワシントンD.C.だけでなく、夏に母親と休暇を過ごしたフィラデルフィアやアトランティック・シティでも、ラグタイムのピアニストたちの演奏を聴き、見て、真似をし続けた。また、楽譜をあまり買えない人たちが、楽譜を上下逆にして演奏するなど、不思議な音楽を耳にすることもあったという。
ダンバー高校の音楽教師であるヘンリー・リー・グラントは、彼にハーモニーの個人レッスンを施した。また、ワシントンのピアニストでバンドリーダーのオリバー・ペリー（Oliver "Doc" Perry）の指導も受け、エリントンは楽譜の読み方、プロとしてのスタイル、テクニックを身につけていった。
また、ストライド・ピアニストのジェームス・P・ジョンソンやラッキー・ロバーツとの出会いもエリントンを刺激した。
その後、ニューヨークでは、ウィル・マリオン・クック、ファッツ・ウォーラー、シドニー・ベシェからアドバイスを受けた。
音楽への思い入れが強かった彼は、1916年にブルックリンのプラット・インスティテュートへの美術奨学金を辞退した。
卒業の3カ月前には、商業美術を学んでいたアームストロング・マニュアル・トレーニング・スクールを中退している。

Early career

1917年からフリーランスのサインペンター(看板職人)として活動していたエリントンは、ダンスのためのグループを集めて演奏するようになった。
1919年、エリントンはニュージャージー州のドラマー、ソニー・グリアと出会い、プロのミュージシャンになることを勧められた。
エリントンは、本業を生かして音楽ビジネスを展開していった。お客さんからダンスやパーティーの看板を頼まれると、音楽の余興があるかどうかを聞いて、なければ演奏を依頼するというものだ。
また、アメリカの海軍や国務省とのメッセンジャーの仕事もしており、幅広い人脈を持っていた。

エリントンは、ピアニストとして成功すると、両親の家を出て自分の家を買った。最初は他のアンサンブルで演奏していたが、1917年末に最初のグループ「デュークス・セレネーダーズ」（電話帳の広告には「カラード・シンコペーターズ」と書かれていた）を結成した。

彼はグループのブッキングエージェントでもありました。彼の最初のプレイは、The True Reformer's Hallで、75セントを持ち帰った。

エリントンは、ワシントンD.C.周辺やバージニア州で、社交界の舞踏会や大使館のパーティーなどで演奏していた。バンドのメンバーは、幼なじみのオットー・ハードウィック、トランペットのアーサー・ウィツォル、バンジョーのエルマー・スノウデン、ドラムのソニー・グリアである。バンドは、当時の社会では珍しく、アフリカ系アメリカ人と白人の両方の聴衆を相手に演奏し、成功を収めた。

ドラムのソニー・グリアがニューヨークのウィルバー・スウェットマン・オーケストラに招かれると、エリントンはワシントンDCでの成功を捨ててハーレムに移り住み、結果的にハーレム・ルネッサンスの一翼を担うことになった。
ハーレムではチャールストンなどの新しいダンスの流行が生まれ、ユービー・ブレイクの『シャッフル・アロング』などのアフリカ系アメリカ人の音楽劇も生まれた。スウェットマン・オーケストラを脱退して独立した若いミュージシャンたちは、新興のジャズ・シーンでは競争が激しく、道を切り開くのは困難だった。
彼らは、日中はプールで仕事をし、見つけたライブには何でも参加した。そんな中、ストライド・ピアニストのウィリー・ザ・ライオン・スミスに出会い、シーンを紹介してもらい、お金をもらうことができた。
彼らは、賃貸住宅のパーティで演奏して収入を得ていた。数ヵ月後、彼らは落胆しながらワシントンDCに戻ってきた。
1923年6月には、ニュージャージー州のアトランティック・シティでライブを行い、さらにハーレムの名門クラブ「エクスクルーシブ・クラブ」でもライブを行った。その後、1923年9月にはハリウッド・クラブ（ブロードウェイ49丁目）に移り、4年間の活動を行い、エリントンは確固たる芸術的基盤を得ることができた。彼は毎回、公演の最後にラッパを吹くことで知られている。
グループは当初、エルマー・スノーデンと彼のブラックソックス・オーケストラと呼ばれ、トランペット奏者のジェームス・"ババー"・マイリーを含む7人のメンバーで構成されていた。
その後、「ワシントニアンズ」と改名して活動した。1924年の初めにスノーデンが脱退し、エリントンがバンドリーダーになった。火事の後、クラブ・ケンタッキー（しばしばケンタッキー・クラブと呼ばれる）として再オープンした。

その後、1924年には8枚のレコードを出し、「Choo Choo」を含む3枚のレコードで作曲を担当した。
1925年、エリントンはロッティ・ジーとアデレード・ホールが出演した「Chocolate Kiddies（チョコレート・キディーズ）」に4曲を提供した。このレヴューは、ヨーロッパの観客にアフリカ系アメリカ人のスタイルとパフォーマーを紹介するものだった。
デューク・エリントンと彼のケンタッキー・クラブ・オーケストラは、10人の演奏者からなるグループに成長し、エリントンの編曲による非伝統的な表現、ハーレムのストリート・リズム、エキゾチックな響きのトロンボーンのうなり声やワウワウ、高い音のトランペット、バンド・メンバーのサックスのブルース・リックなどを披露して、独自のサウンドを生み出した。

しばらくの間、ソプラノ・サックスとクラリネット奏者のシドニー・ベシェが一緒に演奏していたが、ソニー・グリーアはベシェを「手袋のようにバンドにフィットしていた」と評し、グループ内で圧倒的な個性を発揮したと伝えている。しかし、ベシェの存在は、マイリーやトロンボーン奏者のチャーリー・アービスとの間に、ベシェのニューオリンズの影響を受けた演奏とは異なるスタイルの摩擦をもたらした。また、ベシェは3日連続で欠席するなど不安定なところがあり、エリントンとの付き合いは短命に終わってしまった。

Cotton Club engagement

1926年10月、エリントンはエージェント兼出版社のアーヴィング・ミルズと契約を結び、ミルズはエリントンの将来に対する45％の権利を得た。
ミルズは、ホーギー・カーマイケル、ドロシー・フィールズ、ハロルド・アーレンなどの作品を早くから出版するなど、新しい才能に目をつけていた。
1924年から26年にかけてアコースティック・タイトルを数曲録音した後、エリントンはミルズと契約したことで、同じ曲の異なるバージョンを録音することもありながら、多量の録音を行うことができた。
ミルズはしばしば共同作曲者としてクレジットされた。ミルズは契約当初から、ブランズウィック、ビクター、コロンビア、OKeh、パテ（およびそのパーフェクト・レーベル）、ARC/プラザ・グループ（オリオール、ドミノ、ジュエル、バナー）とそのダイムストア・レーベル（カメオ、リンカーン、ロメオ）、ヒット・オブ・ザ・ウィーク、コロンビアのチープ・レーベル（ハーモニー、ディーバ、ベルベット・トーン、クラリオン）など、ほぼすべてのレーベルでレコーディング・セッションをアレンジし、エリントンの人気を高めた。
OKehでは、彼のレコードは通常「The Harlem Footwarmers」として発行され、一方、ブランズウィックでは通常「The Jungle Band」として発行された。また、Whoopee MakersやTen Black Berriesなどもペンネームであった。

1927年9月、キング・オリバーは、ハーレムのコットン・クラブのハウス・バンドとしてのレギュラー・ブッキングを断った。ジミー・マクヒューがエリントンを推薦し、ミルズがオーディションを手配したことで、このオファーはエリントンに渡った。
エリントンは、コットン・クラブの経営陣が求めるオーディションの条件を満たすために、6人編成から11人編成に増やし、12月4日にようやく活動を開始したのである。
毎週ラジオで放送されるコットンクラブには、白人の富裕層だけの客が毎晩のように押し寄せていた。コットンクラブでは、コメディ、ダンスナンバー、ボードビル、バーレスク、音楽、違法なアルコールなどを織り交ぜたレヴューの音楽を、エリントンのグループがすべて演奏していた。
作曲はジミー・マクヒュー、作詞はドロシー・フィールズ（後にハロルド・アーレンとテッド・コーラー）で、エリントンのオリジナルもいくつか混じっていた。このとき、エリントンはダンサーである2番目の妻ミルドレッド・ディクソンと同棲していた。
このクラブから毎週ラジオ放送が行われ、エリントンは全米に知られるようになった。また、エリントンはフィールズとマクヒュー、ファッツ・ウォーラーとアンディ・ラザフの曲を録音した。

トランペット奏者のババー・マイリーは、オーケストラに参加した期間は短かったが、エリントンのサウンドに大きな影響を与えた人物である。
マイリーはグロウ・トランペットの先駆者として、それまでの甘いダンス・バンド・サウンドを、同時代の人々が「ジャングル・スタイル」と呼ぶような熱いサウンドに変えていった。
1927年10月、エリントンと彼のオーケストラは、アデレード・ホールといくつかの曲を録音した。その中の1曲「Creole Love Call」は世界中で大評判となり、エリントンとホールの2人にとって初のヒットレコードとなった。
マイリーは「Creole Love Call」と「Black and Tan Fantasy」のほとんどを作曲していた。アルコール依存症だったマイリーは、バンドが広く知られるようになる前に脱退しなければならなかった。
1932年に29歳で亡くなったが、後任のクーティ・ウィリアムスに大きな影響を与えた。

1929年、コットンクラブ・オーケストラは、フローレンツ・ジーグフェルドの『Show Girl』の舞台に数ヶ月間登場した。ボードビルのスター、ジミー・デュランテ、エディ・フォイ・ジュニア、ルビー・キーラーとともに、ジョージ・ガーシュウィンとガス・カーンが音楽と歌詞を担当した。
ジーグフェルドのミュージカル・スーパーバイザーであるウィル・ヴォデリは、このショーにエリントンを推薦したが、ジョン・ハッセの『Beyond Category: The Life and Genius of Duke Ellington』によれば、「おそらく『Show Girl』の上演中に、エリントンは後にウィル・ヴォデリーから『オーケストレーションの貴重なレッスン』を受けたのだろう」という。1946年に出版されたデューク・エリントンの伝記の中で、バリー・ウラノフはこう書いている。

”彼（エリントン）自身が言うように、ヴォデリーから半音階的な信念を引き出し、通常はダイアトニックスケールに含まれない音を使用し、その結果、彼の音楽の和声的な特徴を変え、その幅を広げ、彼の資源を深めた。デュークに古典的な影響を与えたのは、デリウス、ドビュッシー、ラヴェルといった人たちの音楽に直接触れたからだと考えるのが通例になっている。しかし、デュークがこれらの作曲家やその他の現代の作曲家を本格的に評価するようになったのは、ヴォデリとの出会いの後である。”

エリントンの映画活動は、1929年に公開された19分間のアフリカ系アメリカ人だけのRKO短編映画『Black and Tan』で始まり、その中で彼は主人公の「デューク」を演じた。また、1930年に公開されたAmos 'n' Andyの映画『Check and Double Check』にも出演している。
この年、エリントンと彼のオーケストラは、モーリス・シュヴァリエとのコンサートでまったく別の聴衆とつながり、「アメリカで最も優れたボールルーム」であるローズランド・ボールルームでも演奏した。オーストラリア生まれの作曲家パーシー・グレインジャーは、早くからエリントンを敬愛し、支援していた。
彼は、「史上最高の作曲家は、バッハ、デリウス、デューク・エリントンの3人だ。残念ながらバッハは死んでしまったし、デリウスも重い病気にかかっているが、今日はデュークを迎えることができて幸せだ」

 エリントンのコットンクラブでの第一期の活動は1931年に終了した。

The early 1930s

エリントンは、キーボードからピアノの合図と視覚的なジェスチャーを使って指揮をし、ごくまれに指揮棒を使って指揮をすることもあった。
1932年の時点で、彼のオーケストラは6つの金管楽器と4つのリード、そして4人のリズム・セクションで構成されていた。
リーダーであるエリントンは、厳しい規律を守るのではなく、魅力、ユーモア、お世辞、そして鋭い心理学を駆使してオーケストラをコントロールしていた。複雑な性格の彼は、親しい人にしか自分の気持ちを明かさず、自分から注意をそらすために公的な人格を効果的に利用していました。

エリントンは1932年にブランズウィックと専属契約を結び、1936年末まで在籍した（ただし、1933年から34年にかけて、アーヴィング・ミルズが一時的にブランズウィックからビクターに移籍したため、短期間ではあるが）。

大恐慌の深刻化に伴い、レコード業界は危機的状況に陥り、1933年には90％以上のアーティストが脱落してしまった。
アイビー・アンダーソンは、1931年にエリントン・オーケストラのフィーチャード・ボーカリストとして採用された。
彼女は『It Don't Mean a Thing (If It Ain't Got That Swing)』(1932年)などの録音でヴォーカリストを務めている。

ソニー・グリアは、それまでも時々ヴォーカルを担当していたが、アンダーソンとのクロストーク・フィーチャーでも引き続き担当した。オーケストラがツアーに出るようになってからも、ラジオに出演することでエリントンの知名度は維持された。
この時代の他の作品は以下の通り。
「Mood Indigo」（1930年）、「Sophisticated Lady」（1933年）、「Solitude」（1934年）、「In a Sentimental Mood"」（1935年）。

この時期、エリントンのアメリカでの観客はアフリカ系アメリカ人が中心であったが、オーケストラは海外でも大きな支持を得ていた。
1933年にはイギリス、スコットランド、フランス（パリのプレイエル劇場で3回公演）、オランダを経て、ニューヨークに戻ってきた。
1933年6月12日、デューク・エリントン・オーケストラはロンドン・パラディアムで英国デビューを果たし、エリントンがステージに登場すると大喝采を浴びた。
彼らは13組のうちの1組で、8曲のショートナンバーに限定されていたが、この予約は6月24日まで続いた。
このイギリス公演で、エリントンは作曲家のコンスタント・ランバートをはじめとする本格的な音楽関係者から賞賛され、それをきっかけにエリントンは長編作品の作曲に興味を持つようになった。

彼の長い作品はすでに登場し始めていた。エリントンは、1931年には早くも「Creole Rhapsody」を作曲・録音しており（ビクターでは12インチレコードの両面、ブランズウィックでは10インチレコードの両面で発売）、母親へのトリビュート曲「Reminiscing in Tempo」は、同年に母親が亡くなった後、1935年に78rpmの10インチレコード4面を使って録音した。

短編映画『シンフォニー・イン・ブラック』（同じく1935年）では、彼の延長線上にある曲「A Rhapsody of Negro Life」が取り上げられている。
ビリー・ホリデイを紹介したこの作品は、アカデミー賞で最優秀ミュージカル短編主題賞を受賞している。 エリントンと彼のオーケストラは、長編映画『Murder at the Vanities』と『Belle of the Nineties』（ともに1934年）にも出演している。

ミルズ社にとっては、エリントンが国際的に知られるようになったことで、注目を浴びることは宣伝効果があった。1934年に行われた南部のツアーでは、アフリカ系アメリカ人の移動の困難さを回避するために、専用の鉄道車両でツアーを行った。
隔離された施設での屈辱を避けながら、宿泊、食事、機材の保管などを容易に行うことができた。

しかし、ベニー・グッドマンのようなスイングバンドが注目され始め、競争は激化していった。スイングダンスは、白人の大学生を中心とした若者の間で流行し、そのダンス性からレコードの売り上げや予約が殺到した。
ジュークボックスが全国に普及し、スイングの福音が広まっていったのである。エリントンのバンドは確かにスウィングできるが、彼らの強みはムードやニュアンス、構成の豊かさであり、「ジャズは音楽、スウィングはビジネス」と言ったのもそのためである。

The later 1930s

1936年以降、エリントンは当時15人編成だったオーケストラの中から、六重奏、八重奏、ノネットなどの小編成で録音を行うようになり、ジョニー・ホッジスの「Jeep's Blues」、ローレンス・ブラウンの「Yearning for Love」、レックス・スチュワートの「Trumpet in Spades」、クーティ・ウィリアムスの「Echoes of Harlem」、バーニー・ビガードの「Clarinet Lament」など、特定の楽器奏者をフィーチャーした曲を作曲している。1937年、エリントンはミッドタウンのシアター・ディストリクトに移転したコットン・クラブに戻ってきた。その年の夏には父親が亡くなり、多くの出費が重なってエリントンの財政は逼迫していたが、翌年には状況が改善された。

代理人のアーヴィング・ミルズと別れた後、ウィリアム・モリス・エージェンシーと契約した。しかし、ミルズはエリントンの録音を続けていた。しかし、わずか1年後の1937年末には、彼のレーベルである「マスター」と「バラエティ」（小編成のグループは後者で録音していた）が崩壊し、ミルズはエリントンをブランズウィックに戻し、小編成のグループは1940年までボーカリオンで録音した。
1937年には「Caravan」、翌年には「I Let a Song Go Out of My Heart」と、有名な曲が続々と録音された。

作詞家として採用されたビリー・ストレイホーンは、1939年からエリントンとの付き合いが始まった。
ストレイホーンは、その温厚な人柄から「スウィー・ピー」と呼ばれ、エリントンの組織に欠かせない存在となっていった。
エリントンはストレイホーンのことを非常に気に入っており、「私の右腕、左腕、頭の後ろにあるすべての目、私の脳波は彼の頭の中にあり、彼の脳波は私の中にある」と、ストレイホーンと彼らの共同作業の関係を絶賛していた。
クラシック音楽の訓練を受けたストレイホーンは、オリジナルの歌詞と音楽を提供するだけでなく、エリントンの作品の多くを編曲し、磨き上げ、第2のエリントン、すなわち「デュークのドッペルゲンガー」となった。
ストレイホーンは、バンドの指揮やリハーサル、ピアノ演奏、ステージ、レコーディングスタジオなどで、デュークの代役を務めることも珍しくなかった。
この10年間は、第二次世界大戦がヨーロッパに迫ってきた1939年に行われたヨーロッパ・ツアーの大成功で幕を閉じた。

Ellington in the early to mid-1940s

この時、エリントンに参加したミュージシャンの中には、それぞれにセンセーションを巻き起こした人たちがいた。
短命に終わったジミー・ブラントンは、ジャズにおけるコントラバスの使い方を一変させ、リズム楽器だけではなく、ソロ・メロディックな楽器としても機能するようにした。
末期の病気のため、わずか約2年で1941年末には退団せざるを得なかった。

1939年から1943年までエリントンの下で活躍した、オーケストラ初のレギュラーテナーサックス奏者、ベン・ウェブスターは、サックスセクションの第一人者として、ジョニー・ホッジスとのライバル関係が始まった。

また、ベニー・グッドマンに移籍したクーティ・ウィリアムスに代わって、トランペット奏者のレイ・ナンスが加入した。ナンスはバイオリンを加えて、エリントンの楽器の色を変えていった。
ナンスの最初のコンサートは、1940年11月7日、ノースダコタ州ファーゴで行われたが、その録音が残っている。ジャック・タワーズとディック・バリスが個人的に録音したもので、1978年に「Duke Ellington at Fargo, 1940 Live」として正規に発売されたもので、現存する無数のライブの中でも最も古いものである。
ナンスはヴォーカリストとしても活躍したが、この時代（1943年まで）はハーブ・ジェフリーズがメインの男性ヴォーカリストで、アル・ヒブラー（1943年にジェフリーズの後任）は1951年まで続けていた。
アイビー・アンダーソンは1942年に健康上の理由で11年ぶりに脱退したが、これはエリントンのボーカリストの中では最も長い期間であった。

1940年からはビクターに録音を依頼し、小編成のグループはブルーバード・レーベルからリリースされた。エリントン、ビリー・ストレイホーン、エリントンの息子マーサー・エリントン、そしてオーケストラのメンバーから、78回転のレコード面に3分間の名曲が次々と生まれた。
「Cotton Tail」、「Main Stem」、「Harlem Air Shaft」、「Jack the Bear」など、何十曲もの作品がこの時期に作られた。

1941年にヒットしたストレイホーンの「Take the "A" Train」は、「East St.Louis Toodle-Oo」に代わってバンドのテーマとなった。

エリントンとその仲間たちは、個性的な声の持ち主であるオーケストラのために、非常に高い創造性を発揮して作曲を行った。
メアリー・ルー・ウィリアムスは、スタッフ・アレンジャーとして、数年後にエリントンのもとに一時的に加わることになる。

しかし、エリントンが長期的に目指していたのは、自分が得意としていた3分という制限のあるジャズの形態を拡張することだった。
それまでにも延伸した曲を作曲して録音したことはあったが、このような作品はエリントンの作品の中では恒常的なものとなっていた。
この点では、エリントンよりもクラシック音楽に関連した形式を徹底的に学んだストレイホーンの助けを借りた。
その最初の作品である『Black, Brown and Beige』（1943年）は、アフリカ系アメリカ人の歴史の中で、奴隷制と教会がどのような位置を占めているかを語ることを目的としている。

1943年1月23日にカーネギーホールで初演され、その後4年間、カーネギーホールでエリントンのコンサートが毎年開催されることになった。
カーネギーホールで演奏したことのあるジャズミュージシャンはいたが、エリントンの作品のように凝ったものはなかった。
しかし、恒例となったエリントンの長編作品は、残念ながら一般的にはあまり評価されなかった。

一部の例外は、アフリカ系アメリカ人のアイデンティティをテーマにした長編ミュージカル「Jump for Joy」で、1941年7月10日にロサンゼルスのマヤシアターでデビューした。
ハリウッド俳優のジョン・ガーフィールドとミッキー・ルーニーが出資し、チャーリー・チャップリンとオーソン・ウェルズが監督を申し出た。
しかし、ある公演でガーフィールドは、肌の白いハーブ・ジェフリーズに化粧をするように主張した。
エリントンは幕間に異議を唱え、ジェフリーズをアル・ジョルスンと比較した。
この変更は元に戻されたが、後に歌手は「ショーの後半では、観客は彼がまったく別のキャラクターだと思ったに違いない」とコメントしている。

1941年9月29日まで122回の公演が行われただけで、同年11月に短いリバイバル公演が行われただけだった。この作品はブロードウェイでは通用しない題材であり、エリントンはこの作品をブロードウェイで上演する計画を立てていたが、実現しなかった。
しかし、1946年12月23日、エリントンの唯一のミュージカル作品である『Beggar's Holiday』が、ニコラス・レイの指揮でブロードウェイで上演された。

1942年から44年にかけての第1次録音禁止令の決着により、音楽家に支払われる印税が増加したことは、エリントン楽団をはじめとするビッグバンドの経済的な存続に深刻な影響を与えた。
ソングライターとしての彼の収入が、結果的にそれを補助していたのだ。彼はいつも贅沢をしていたし、オーケストラの運営からもそれなりの収入を得ていたが、バンドの収入では経費を賄うのが精一杯という状況だった。

Early post-war years

ミュージシャンの入隊や旅行制限により、ビッグバンドのツアーは困難になり、ダンスには新たな税が課せられるようになった。この税は何年も続き、クラブオーナーの選択に影響を与えた。
第二次世界大戦が終わった頃には、ポピュラー音楽の中心は、フランク・シナトラやジョー・スタッフォードなどの歌謡曲に移っていた。
ビッグバンドを雇うコストが増えたため、クラブオーナーは小規模なジャズグループのほうがコスト的に有利だと考えたのだ。ケイ・デイビスと共演した言葉を使わないボーカル曲「Transblucency」（1946年）など、エリントンの新作は、新たに登場したスターたちと同じような広がりを見せることはなかった。

このような地殻変動の中でも、エリントンは独自の道を歩み続けた。カウント・ベイシーが一時期、アンサンブル全体を解散してオクテットでの活動を余儀なくされたのに対し、エリントンは1950年4月6日から6月30日の間に西ヨーロッパの大半をツアーし、オーケストラは77日間で74日程を演奏することができた。
ソニー・グリアによれば、このツアーでは新しい作品は演奏されなかったが、エリントンの大作『Harlem』（1950年）はこの時に完成していた。

後にエリントンは、音楽好きのハリー・トルーマン大統領にその楽譜を贈っている。また、エリントンはヨーロッパ滞在中に、オーソン・ウェルズの舞台作品の音楽を担当することになる。
パリでは"Time Runs"、フランクフルトでは"An Evening With Orson Welles"と題されたこのバラエティ番組には、新たに発掘されたアーサ・キットが出演し、エリントンのオリジナル曲「Hungry Little Trouble」をトロイのヘレン役で披露した。

1951年、エリントンは大きな人材不足に陥った。ソニー・グリア、ローレンス・ブラウン、そして何よりもジョニー・ホッジスが他の事業を求めて脱退したのである。
グリアーの代わりにドラマーのルイ・ベルソンが入り、彼の「Skin Deep」がエリントンのヒット曲となった。

テナー奏者のポール・ゴンザルベスは、カウント・ベイシーやディジー・ガレスピーとの共演を経て1950年12月に加入し、その後もずっと在籍していたが、クラーク・テリーは1951年11月に加入した。

1950年代初頭、エリントンのキャリアは低迷し、そのスタイルは時代遅れと一般的にみなされていたが、彼の評判は他のアーティストほど悪くはなかった。
アンドレ・プレヴィンは1952年にこう言っている。

"スタン・ケントンが1,000本のバイオリンと1,000個の金管楽器の前に立って劇的なジェスチャーをすると、スタジオのアレンジャーはみんな、ああ、なるほど、こういう風にやるんだとうなずく。でもデュークはただ指を上げて3本のホーンが音を出すだけ。それなのに、それが何なのか、何がおこっているのか誰にもわからないのさ！”

しかし、1955年、キャピトルに3年間録音した後、エリントンは定期的に録音する相手がいなくなってしまった。

Career revival

1956年7月7日、ニューポート・ジャズ・フェスティバルに出演したエリントンは、再び注目を集め、新しい世代のファンにも紹介された。
「Diminuendo and Crescendo in Blue」は、1937年以来、バンドの曲集に収録されていたものの、ほとんど忘れ去られていた2つの曲である。
ゴンサルベスの27コーラスのマラソン・ソロが観客を熱狂させ、フェスティバルの主催者であるジョージ・ワインが緊急にプログラムの終了を要請したにもかかわらず、マエストロは時間をはるかに超えて演奏を続けた。

また、ジョージ・アヴァキアンのプロデュースによるアルバムは、エリントンのキャリアの中で最も売れたLPとなりました。
LPに収録されている音楽の多くは事実上のシミュレーションであり、実際にコンサートで演奏されたものは約40％にすぎない。
アヴァキアンによると、エリントンは演奏に不満があり、ミュージシャンのリハーサルが不足していると感じていたという。
翌日、バンドは集まって、いくつかの曲に観客の声を加えて録音し直したが、このことはアルバムの購入者には公表されなかった。
1999年になって初めて、このコンサート・レコーディングが正式に発売された。
ジョニー・ホッジスは前年に復帰していたし、エリントンとストレイホーンの共演も同じ時期に、より若い彼に好意的な条件で更新されていたからだ。

このアルバムは、コロンビア・レコードとの新しいレコーディング契約の最初の作品であり、主にプロデューサーのアーヴィン・タウンゼントがエリントンから商業的、芸術的な作品を引き出すことで、数年間にわたって安定したレコーディングを実現した。

1957年、コロンビア・レコードの親会社であるCBSは、寓話的な組曲である『A Drum Is a Woman』のテレビ・ライブを放送し、賛否両論の評価を得た。
テレビが彼のタイプのジャズに新しい重要な出口を提供してくれるだろうという彼の期待は、果たされなかった。好みも流行も、彼のいないところで進んでいたのだ。

しかし、新たに始まったモントレー・ジャズ・フェスティバルをはじめとするフェスティバルへの出演は、ライブでの露出の場となり、1958年のヨーロッパ・ツアーも好評を博した。シェイクスピアの戯曲や登場人物を題材にした『Such Sweet Thunder』（1957年）、『The Queen's Suite』（1958年）などがある。

英国のエリザベス2世に捧げた「The Queen's Suite」（1958年）などは、ニューポートに出演したことで新たな刺激を受けた作品であるが、後者は当時、商業的には発行されなかった。1950年代後半には、エラ・フィッツジェラルドがエリントンと彼のオーケストラと共演した『デューク・エリントン・ソングブック』（Verve）を録音している。これは、エリントンの曲が「グレート・アメリカン・ソングブック」と呼ばれる文化的規範の一部になったことを示すものです。

この頃、エリントンとストレイホーンは、映画のサウンドトラックの作曲に取り組み始めた。最初の作品は、オットー・プレミンジャー監督、ジェームズ・スチュワート主演の法廷劇『Anatomy of a Murder』（1959年）で、エリントンはロードハウス・コンボの前座として出演した。
続いて、ポール・ニューマンとシドニー・ポワチエがジャズ・ミュージシャンとして出演した『Paris Blues』（1961年）が公開された。
2009年、デトロイト・フリー・プレスの音楽評論家であるマーク・ストライカーは、エリントンとストレイホーンの『Anatomy of a Murder』について、
「欠かせない作品だ。"Such Sweet Thunder "や "The Far East Suite "のようなエリントン・ストレイホーンの傑作組曲の中では、大雑把すぎて上位には入らないが、最もインスピレーションを受けた瞬間は彼らに匹敵する」と書いています。

映画史家たちは、このサウンドトラックを
「画期的なものとして認識している。つまり、アフリカ系アメリカ人による初の重要なハリウッド映画音楽で、ノン・ダイジェティック・ミュージック、つまり、スクリーン上のバンドのように、その源が映画の中のアクションによって見えない、あるいは暗示されていない音楽で構成されているのだ。このスコアは、それまでのジャズスコアの特徴であった文化的なステレオタイプを避け、60年代のニューウェーブ映画を先取りするような形で、映像への厳格なこだわりを否定しています」

エリントンとストレイホーンは、常に新しい音楽の領域を求めて、ジョン・スタインベックの小説『甘い木曜日』、チャイコフスキーの『くるみ割り人形』組曲、エドヴァルド・グリーグの『ペール・ギュント』の組曲を制作した。

1960年代初頭、エリントンは、過去に切磋琢磨してきたアーティストや、後進のスタイルを重視する若手ミュージシャンとのレコーディングを積極的に行った。
エリントンとカウント・ベイシーのオーケストラが共演したアルバム『First Time! The Count Meets the Duke』（1961年）というアルバムがある。
エリントンがレコーディング契約を結んでいなかった時期には、ルイ・アームストロング（ルーレット）、コールマン・ホーキンス、ジョン・コルトレーン（いずれもインパルス）とレコードを作り、チャールズ・ミンガスとマックス・ローチとのセッションに参加してアルバム『Money Jungle』（ユナイテッド・アーティスツ）を制作したこともある。
フランク・シナトラの新レーベル「リプライズ」と契約したが、このレーベルとの付き合いは短命に終わった。

エリントンと一緒に仕事をしたことのあるミュージシャンたちが、メンバーとしてオーケストラに戻ってきた。1960年にはローレンス・ブラウン、1962年にはクーティ・ウィリアムスがメンバーとして戻ってきた。

“音楽を作るのも演奏するのも、意図があってのことです.... 壁に絵筆を投げつけて、何が起こってもアートと呼ぶことはできません。私の音楽は、演奏者の音色の個性にフィットします。偶然の音楽に感動するには、演奏者に合わせて自分の音楽を変化させることを強く意識しすぎる。落書きを真剣に考えてはいけない。”

その結果、スウェーデンのヴォーカリスト、アリス・バブス、南アフリカのミュージシャン、ダラー・ブランド、サティマ・ボー・ベンジャミンなど、世界各国のアーティストと新たな関係を築いていった。その結果、スウェーデンのヴォーカリスト、アリス・バブスや、南アフリカのミュージシャン、ダラー・ブランド、サティマ・ボー・ベンジャミンなど、世界中のアーティストと新たな関係を築くことができた（『A Morning in Paris』、1963/1997年）。

エリントンは、カナダ・オンタリオ州のストラットフォード・フェスティバルで、マイケル・ランガム監督が1963年7月29日に開幕したシェイクスピアの『アテネのティモン』の演出のためにオリジナル・スコアを書きました。
ランガムはこの作品をその後のいくつかの作品に使用しており、その中には後にスタンリー・シルバーマンが制作した、エリントンの代表的な作品を追加した作品も含まれています。

Last years

エリントンは1965年にピューリッツァー賞の候補になったが、この年は最終的に受賞できなかった。
66歳になった彼は、こう言っていた。"運命は私に優しくしてくれている。運命は私が若くして有名になることを望んでいない"と冗談を言った。
1999年には「生誕100年を記念して、ジャズという媒体を通して民主主義の原理を美学的に喚起し、芸術と文化に忘れがたい貢献をした彼の音楽的天才を称えて」特別ピューリッツァー賞が死後授与された。

1965年9月、彼は「 Sacred Concerts (聖なるコンサート)」の第1作を初演しました。
彼はジャズのキリスト教典礼を創作しました。賛否両論ある作品だが、エリントンはこの作品を誇りに思い、何十回も演奏した。
このコンサートに続いて、1968年と1973年にも同じタイプのコンサートが行われ、「第2聖なるコンサート」と「第3聖なるコンサート」と呼ばれた。これらの作品は、当時のアメリカではすでに激動の時代にあって、賛否両論を巻き起こした。
聖なる音楽の組曲は、組織的な宗教への商業的支援を強化しようとするものだと多くの人が考えたが、エリントンは単に「私がやった中で最も重要なこと」だと言った。
「Sacred Concerts」が作曲されたスタインウェイ・ピアノは、スミソニアン国立アメリカ歴史博物館のコレクションに含まれている。
ハイドンやモーツァルトのように、エリントンはピアノからオーケストラを指揮していたが、「Sacred Concerts」が演奏されるときは、必ず鍵盤パートを弾いていた。

1964年の春に65歳を迎えたデュークは、衰えを知らず、『The Far East Suite』（1966年）、『New Orleans Suite』（1970年）、『Latin American Suite』（1972年）、『The Afro-Eurasian Eclipse』（1971年）など、世界各地を巡ってインスピレーションを得た重要かつ革新的なレコーディングを続けていた。フランク・シナトラとの唯一のアルバム『Francis A. & Edward K.』（1967年）を録音したのもこの時期である。

エリントンと彼のオーケストラが最後に行った公演は、1973年3月21日にパデュー大学のホール・オブ・ミュージックで行った1回、1973年3月22日にミシガン州スタージス・ヤング・オーディトリアムで行った2回、1973年12月1日に行ったイーストボーン公演で、後にLP化されている。
エリントンは、1974年3月20日に北イリノイ大学のボールルームで最後のフルコンサートとされる演奏を行った。

Personal life

エリントンは、1918年7月2日、19歳の時に高校時代の恋人エドナ・トンプソン（1967年没）と結婚した。
翌1919年3月11日の春、エドナは一人息子のマーサー・ケネディ・エリントンを出産した。

エリントンは20年代後半、ニューヨークで妻子と合流したが、すぐに別居してしまった。
ジェット誌に掲載された記事によると、ホームシックにかかって戻ってきたという。

1929年、エリントンはミルドレッド・ディクソンの伴侶となり、彼女と一緒に旅をし、テンポ・ミュージックを経営し、彼のキャリアのピーク時には「Sophisticated Lady」などの曲に影響を与え、息子を育てた。

1938年、彼は家族（息子は19歳）を捨て、コットンクラブの従業員であるベアトリス・"イヴィー"・エリスと同棲した。
二人の関係は波乱万丈だったが、エリントンが1960年代初頭にフェルナンダ・デ・カストロ・モンテと出会い、関係を結んだ後も続いた。
エリントンは、生涯にわたって2人の女性を支え続けた。

エリントンの妹ルース（1915-2004）は、後に彼の音楽出版社「テンポ・ミュージック」を経営した。
ルースの2番目の夫は、バス・バリトン歌手のマクヘンリー・ボートライトで、彼は彼女の兄の葬儀で歌ったことがきっかけで知り合った。
息子のマーサー・エリントン（1996年没）は、大人になってからトランペットとピアノを演奏し、自分のバンドを率いて、父のビジネス・マネージャーとして活躍した。

エリントンはAlpha Phi Alphaのメンバーであり、Prince Hall Freemasonryに関連するフリーメイソンであった。

Death

エリントンは、75歳の誕生日から数週間後の1974年5月24日に、肺がんと肺炎の合併症で亡くなった。聖ヨハネ大聖堂で行われた1万2千人以上の参列者を集めた彼の葬儀で、エラ・フィッツジェラルドはこの時のことをこう語っている。"とても悲しい日だ。天才が亡くなったのだから。"

ニューヨーク市ブロンクス区のウッドローン墓地に埋葬された。

Legacy

Memorials
デューク・エリントンのために、ニューヨーク、ワシントンD.C.、ロサンゼルスなど、数多くの記念碑が建てられています。

エリントンの生誕地であるワシントンD.C.にある"デューク・エリントン・スクール・オブ・ジ・アーツ"では、芸術分野でのキャリアを考えている優秀な学生を対象に、集中的な芸術教育と強力なアカデミック・プログラムを提供し、中等教育後のキャリアに向けた準備を行っています。
1935年に建設されたカルバート・ストリート・ブリッジは、1974年に"デューク・エリントン・ブリッジ"と改名されました。もうひとつの学校は、ニューヨークの"P.S. 004 Duke Ellington"です。

1989年、新たに命名された"デューク・エリントン・ビルディング（2121 Ward Place, NW）"にブロンズのプレートが取り付けられた。

2012年、ビルの新しい所有者の依頼により、「デューク・エリントン」の文字の上にアニエカン・ウドフィアによる壁画が描かれた。
2010年、デューク・エリントンの生誕地の向かい側、ニュー・ハンプシャー・ストリートとM・ストリートの交差点にある三角形の公園が「デューク・エリントン・パーク」と名付けられた。

1919年から1922年の間、シャーマン・アベニュー2728番地にあったエリントンの住居には、ブロンズのプレートが設置されています。

2009年2月24日、米国造幣局はデューク・エリントンが描かれたコインを発行しました。これにより、アフリカ系アメリカ人として初めて、エリントンが単独で米国の流通貨幣に登場しました。
エリントンは、コロンビア特別区のクォーターの裏面に描かれています。
このコインは、米国造幣局がコロンビア特別区と米国準州を称えるプログラムの一環で、エリントンの生誕地がコロンビア特別区であることを記念して作られたものです。
エリントンがピアノの前に座り、楽譜を手にしている姿と、コロンビア特別区の標語である "Justice for All "の文字が描かれています。

1986年にはエリントンの肖像を使ったアメリカ合衆国の記念切手が発行された。

エリントンは晩年、マンハッタンのWest 106th Street近くのリバーサイド・ドライブ333番地のタウンハウスで過ごした。出版社を経営していた姉のルースもそこに住み、息子のマーサーも隣に住んでいた。エリントンの死後、West 106th Streetは"Duke Ellington Boulevard"と正式に命名された。

1997年、ニューヨークのセントラルパークの5番街と110丁目の交差点に、彫刻家ロバート・グラハムが制作したエリントンの大きな記念碑が設置され、デューク・エリントン・サークルと名付けられた。

UCLAのシェーンバーグ・ホールの入り口には、ピアノを弾くエリントンの像が設置されている。UCLAマガジンによると

1937年、カルバーシティのクラブでデューク・エリントンの挑発的な曲に魅了されたUCLAの学生たちは、デュークにロイス・ホールでの無料コンサートを依頼した。
”誰かに頼まれるのを待っていたんだ！”エリントンはそう言った。しかしコンサート当日、エリントンは会場を間違えて、車でUSCに向かってしまった。
結局、UCLAのキャンパスに到着したエリントンは、遅刻のお詫びとして、満員の観客の前で4時間以上も演奏したのである。こうして、"Sir Duke "と彼のグループは、コンサート会場で初めてのジャズ演奏を行ったのである。

The Essentially Ellington High School Jazz Band Competition and Festivalは、名門高校のバンドが毎年参加する全米でも有名なコンテストです。
1996年にJazz at Lincoln Centerで始まったこのフェスティバルは、エリントンの作品に大きく焦点を当てていることから、エリントンの名を冠しています。

Tributes

デュークが亡くなった後は、息子のマーサーが引き継いで、1996年に亡くなるまでオーケストラを率いた。カウント・ベイシー・オーケストラと同様、この "ゴースト・バンド "も長年にわたってアルバムをリリースし続けた。
デューク・エリントン・オーケストラ名義の『Digital Duke』は、1988年のグラミー賞で最優秀ラージ・ジャズ・アンサンブル・アルバムを受賞している。
マーサー・エリントンは、数十年前から父のビジネスのすべての管理面を担当していた。マーサーの子供たちは、祖父の仕事とのつながりを続けている。

ガンター・シュラーは1989年にこう書いている。

“エリントンは、人生の最後の日までひたすら作曲していた。音楽はまさに彼の愛人であり、彼の人生のすべてであり、彼の音楽への献身は比類のないものであり、変わることはありませんでした。ジャズでは、彼は巨人中の巨人であった。そして20世紀の音楽においてさえ彼はいつの日か、現代の偉大な巨匠の一人として認められるかもしれない。”

マーティン・ウィリアムズはこう言いました。

"デューク・エリントンは、我々の最高の作曲家の中に自分が名を連ねるのを聞くほど長生きした。そして、1974年に彼が亡くなってからは、カテゴリーを問わず、チャールズ・アイヴスと並んで、我々が生み出した最も偉大な作曲家として彼の名前を目にすることが珍しくなくなりました”

1999年のボストン・グローブ紙のボブ・ブルメンタール氏の意見によると 

"生誕から100年を経て、アメリカ人であろうとなかろうと、エドワード・ケネディ・エリントンほど偉大な作曲家はいない"

2002年、学者のモレフィ・ケテ・アサンテ氏は、デューク・エリントンを「最も偉大なアフリカ系アメリカ人100人」のリストに挙げました。

彼の作品は、世界中のアーティストやミュージシャンが、インスピレーションの源として、また自身の演奏活動の基盤として再訪しています。

デイブ・ブルーベックがエリントンに捧げた「The Duke」（1954年）は、他の人々にもカバーされるスタンダードとなった。
マイルス・デイビスの『Miles Ahead』（1957年）でもカバーされています。
アルバム『The Real Ambassadors』には、デイブ・ブルーベックの妻であるイオラ・ブルーベックが作詞したこの曲のヴォーカル・ヴァージョン「You Swing Baby (The Duke)」が収録されている。
この曲は、ルイ・アームストロングとカーメン・マクレーのデュエットとして演奏されています。また、デューク・エリントン本人にも捧げられている。

マイルス・デイビスは、エリントンの死の1ヵ月後に、彼へのトリビュートとして30分の悲歌「He Loved Him Madly」（『Get Up with It』収録）を制作した。

数十年前にエリントンに解雇されたチャールズ・ミンガスは、エリントンの死から数ヵ月後の1974年に、エレジー「Duke Ellington's Sound Of Love」を作曲した。

スティービー・ワンダーは、エリントンへのトリビュートとして「Sir Duke」という曲を書き、1976年に発売されたアルバム「Songs in the Key of Life」に収録した。

デューク・エリントンとビリー・ストレイホーンの音楽に捧げられたアルバムは、有名無名を問わず何百枚もあります。1981年に上演され、数々の賞を受賞したミュージカル・レヴュー「Sophisticated Ladies」には、エリントンのレパートリーから多くの曲が取り入れられている。
1997年にはエリントンの曲を使ったブロードウェイ・ミュージカル「Play On!」が発表された。

Loss of material

2019年6月25日、『ニューヨーク・タイムズ』誌は、2008年のユニバーサル社の火災で資料が焼失したとされる数百人のアーティストの中に、デューク・エリントンを挙げています。

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海外版Wikipediaより翻訳・引用