The 70 Best Albums of 2022 上半期
身体に馴染む音楽、踊る音楽、コンセプトが面白い音楽。
Alabaster DePlume
/ GOLD (4/1)
広く称賛された2020年のリリース『To Cy & Lee: Instrumentals Vol.1』に続くアラバスター・デプルームの光り輝く作品の避雷針は、個人的なものだった。「誰かがあることを経験していた」とマンキュニアの詩人パフォーマーは語る。「愛の勇気をもって前に進めと言ったんだ。そして、これは私が聞くべきことでもあると思ったんだ」
『Gold』は、音楽を作るという共同行為と、標準的なやり方をあえて避けることで探求できる人間関係を称える、音にあふれた2枚組アルバムである。
この作品には、別世界と鋭利な地面の間で揺れ動く映画的な作品が収録されており、レコーディングプロセスを通じて最大限に人間味を引き出している。トラックの途中で笑いが起こったり、スタジオでの会話が聞こえてくる。ドアの枠や廊下から聴いていた一握りの人たちによって生み出された叫びや拍手の音楽がある。複雑なヴォーカル・ハーモニーが小鳥のように曲を囲み、ミュージシャンが個人の脆弱性と集団政治に関わるために必要な、冷厳なタフネスが底流にあるのだ。
2020年の晩夏、アラバスター・デプルーム（本名ガス・フェアベアン）はロンドンの影響力のあるトータル・リフレッシュメント・センターで2週間のセッションを予約し、クリスチャン・クレイグ・ロビンソン（通称キャピタルK）とテープに録音していた。彼は毎日異なるミュージシャンを招き、同じ曲を同じスピードで録音し、レコードをプロデュースしたデプルームが後で食材のように切りそろえることができるようにした。「彼らは、この素材や技術の陰に隠れることができるような十分な準備はしていなかった」と彼は語る。「彼らは顔を上げて、お互いに反応しなければならなかった。そして、それが私たちが記録したものだ」
その際、欠かせないルールが2つあった。ミュージシャンに十分なリハーサル時間を与えないこと、録音した音楽を聴き返さないことだ。「メソッドもミッションのひとつ。学校とは違うんだ。騒々しかった。楽しかったんだ。それがストーリーであり、プロセスである。そして、そういう生き方をしたい」と彼は言う。
シンガー兼パーカッショニストのファレ・ニオケ（Falle Nioke）のソロによる「Again」は、このアルバムの一風変わった解放的なレコーディング過程の一例である。この曲はインストゥルメンタルとして企画されたが、ファレが自発的に歌い出し、その魅力的な貢献で会場を静寂に包んだ。「彼は聖歌隊の一人に過ぎないのに、突然、感じたままにリードを歌った」とデプルームは言う。「これは、私たちが記録することができた一つの例です。自分たちの声が歓迎されたんだ。これこそが、このアルバムの特徴であり、私たちの社会における最良のものの特徴だ。私たちは、人々を歓迎するか、歓迎されない、目に見えない存在にするか、どちらかにすることができる」
というのも、17時間以上ものレコーディングの後、率直に言って地図が必要だったからだ。地図は、各セッションのどの部分をレコードの軌道に乗せるかを決めるもので、線が引かれた長い巻物の紙に描かれ、それぞれの線はアナログテープ1本を表している。三角形、点、そして赤は炎、ピンクは美、青は息吹を表す色で、出現するものを形作った。この地図はその後、ギャラリーでの展示に徴用され、『Gold』のアートワークには写真も掲載されている。
その音楽は、「Fucking Let Them」や「Visitors XT8B - Oak」のまばらで控えめなバンガーから、「To Cy & Lee」をパンデミックの万能薬と感じた多くの人々（このアルバムのトップトラック「Visit Croatia」をサンプリングしたボン・イヴェールを含む）にとって馴染みやすい、巧みに癒されるインストロメンタルに及ぶものであった。
『Gold』はポルトガル語のタイトルが付けられた「A Gente Acaba」で始まり、それ自体も豊かで人間的な声のハミングで始まる。優しく打ち鳴らされる弦楽器。サックスは空中に振動の軌跡を残す。「The Sound of My Feet On This Earth Is A Song To Your Spirit」は、美しさと息づかい、そして歌詞の説明を必要としない深い温もりとつながりを生み出している。
循環がある。一つの音楽が何度も届いては消え、フレーズが繰り返される。
私は存在の栄光のために必要なものをすべて持っている。私はあなたを認識し、祝福する。私は図々しく、赤ん坊のように、愚かな太陽のように、私の愛の勇気をもって前進する。
「I'm Good At Not Crying」は、彼の得意とすること（あまり食べない、悪者にならない）を列挙した自己非難的な子守歌で、低音の歌声の周りに、平明でハーモニー豊かなシンガーがこぼれて螺旋を描いている。
「People What's The Difference」では、穏やかなパンクファンクの枠組みの中で、難民危機を取り巻く選択的聴覚障害を解き明かし、終盤には、鋭利な鐘のように出入りする弦とハーモニーで、壊れた地球への嘆きが描かれている。このマンキュニアンの詩人兼パフォーマーの手にかかれば、柔らかさは武器になるのだ。
「『To Cy & Lee』を作った理由は、人々が平和を得られるようにするためだった。『Gold』を作る理由は、自分を勇気と愛情を与えなければならない状況に置くことで、人々に勇気と愛情を与えることだ。そうやって作ったのがこの作品なんだ。それが次に必要なことだ」
これは、完全な透明性と最大限の関係性を追求するアーティストの音である。それはまた、望んでいたサウンドを実現したアーティストのサウンドでもある。これこそがソフトパワーの音だ。黄金の音だ（It’s golden）。
文：Emma Warren
Animal Collective /
Time Skiffs (2/3)
Artifacts & Uranium
/ Pancosmology (1/21)
『Pancosmology』は、2021年の夏から秋にかけて録音され、Mike Vest（Bong、Blown Out、11 Paranoias）とFred Laird（Earthling Society、Taras Bulba、Empty House）による2度目のコラボレーション作品となった。A&Uの1st LPの『kosmische vibes』よりも曲の構成が多く、『Pancosmology』は、音の攻撃と孤独な砂漠の咆哮のバイキングである。Vestのステレオ・ディレイ・ギター・アタック、Lairdの夢のようなシンセ・テクスチャーとエコーしたキーに触発されたダブとEno風のサウンドスケープには、Ron Ashtonと水谷孝の幽霊が浮かび上がっている。
The Stooges、裸のラリーズ、CAN、Chrome、Barn Owlのサウンドを求める者たち、そしてノイズを愛する“拒否する者たち（refuseniks）”は、この音のグルーヴに多くを見出すことができるだろう。
Athenaïs /
Codes Lumière (2/10)
Beach House /
Once Twice Melody (2/18)
Beirut / Artifacts (1/28)
米バージニア州出身のSSWであるザック・コンドンによるプロジェクト、Beirut（ベイルート）。〈4AD〉〈Pompeii Records〉
今までのEP、初期作、未収録曲を集めたもの。
◯14歳のザック〜現在
◯2005年、A Hawk and A Hacksawとの出会い〜
2011年頃までの道程
M25「Le Phare Du Cap」のThe Smiths感。
Ben McElroy /
How I Learnt To Disengage
From The Pack (1/12)
2021年冬／春に執筆・収録
Benからのレコーディングのメモと感想
場所
2016年から2021年夏まで住んでいたプレミアロードで録音した最後のアルバムです。もしかしたら、その関係の終わりを音楽のどこかで聴くことができるかもしれませんね？
全体像
政府、企業...彼らは私たちが死んでいなくなるまで、嘘をつき続けるだろう。何重にも重なったグリーンウォッシングを信じるな-彼らの言うことはすべて事実確認せよ。彼らは、自分たちが作り出したイデオロギーに魅了され、支配されている。そのイデオロギーは、独自の生命を持ち、今や彼らを支配している。
楽器
このアルバムのレコーディング中、長年使ってきたオーディオ・インターフェイス「Apogee Duet」がついに死んでしまった。このアルバムでは、プリアンプの崩壊を聴くことができる。フィドル、チェロ、アコースティックギター、アコーディオン、オルガン、口笛、ヴォーカル...それ自体が様々な形で崩壊している（特にアコーディオンは厄介で、最近ではトラックを録音できるほど長く一緒にいられない...それでもEbayから30ポンドでよくやったよ！）。
Jamesからのコメント
この録音が真冬の民族音楽であることに疑いはない。東から吹いてくる風、青葉のざわめきの代わりに揺れる枝、夏の生きる喜びは冬のストイックさに取って代わられる。しかし、真冬でも雲は消えて青空が広がり、戸外に出る幸運な人は皆、日当たりの良い場所で立ち止まり、その白い肌に伝わる暖かさを楽しむ。一瞬、暖かい日が来ると思うかもしれない。そして、また雲がやってくる。
このアルバムもそんな一枚です。ある種の世界の倦怠感とメランコリーが録音に吹き込まれているのは間違いない。人生の苦難は、艶やかに風化するものではない。パンデミック下での悩みは、否定されるのではなく、むしろ認められる。しかし、美しさ、優しい感触、暖かい抱擁、そしてより優雅な時間はそれほど遠くはない。
そんな人生です。
Big Thief /
Dragon New Warm Mountain I Believe In You (2/11)
billy woods / Aethiopes (4/8)
ニューヨークの多作なラッパー、ビリー・ウッズの最新作『Aethiopes』は、文化的な物語の擦り切れたタペストリーである。ウッズはその頂点にあるマスターストーリーテラーで、このアルバムを鮮やかなキャラクターと呪われたスペースで満たしている。プロデューサーであるPreservationとのコラボレーションから生まれた『Aethiopes』は、過ぎ去ったサンプルのレガシーを発掘し、植民地の歴史、個人の歴史、そしてその2つの不可分性（Preservationの作品『Eastern Medicine, Western Illness』と同様）を考察している。この作品は、決して同じことを繰り返さず、常に新しい創造的な領域へと進むアーティスト、ウッズの野心作である。
ウッズのリリックは濃密で、カミュの小説からアール・スウェットシャツ（Earl Sweatshirt）のセリフまで、さまざまな引用を詰め込んでいる。彼のメーターは予測不可能であり、焦点は流動的である。アルバムを通して、ウッズは空間と視点の間を行き来し、時間的な飛躍を遂げている。彼は大陸を渡り、子供の目から大人の目へと移り変わる。『Aethiopes』は断片的な物語を中心に構成されており、個人的、集団的な歴史の暗号のような小話が収録されている。スティーヴン・キング／ジョン・カーペンターの作品に登場する自動車にちなんだトラック「Christine」では、死んだ男の車（走り回る棺桶）とその周囲のコミュニティの物語を紡ぎ出している。『Aethiopes』のヴィネットは、人々と彼らが住む不安定な空間の肖像を描き、より大きな物語の小宇宙を表現している。
『Aethiopes』では、ウッズは彼の典型的な皮肉を抑え、シニシズムと誠実さを融合させた。このアルバムでは、彼の最もエモーショナルなヴォーカル・パフォーマンスをいくつかフィーチャーしている。これは、このアルバムが面白くないという意味ではなく、面白いという意味だ（「難破したヨーロッパ人は、神の精液のように発射されたウイルスと一緒に泳いでいる」と彼は「Wharves」でラップしている）。しかし、ウッズのトレードマークである殺伐とした雰囲気の下には、『Aethiopes』の内省的な瞬間に最もよく見られる、寂しげな切実さが眠っている。腹の底から痛むような「No Hard Feelings」は、連想させるイメージの連打で幕を開ける。そして、途中から、ホテルでの待ち合わせに立ち会った男の寂しげな物語に移行する。一人でタバコを吸いながら、チャンネルサーフィンをしている。このアルバムの登場人物とその歴史は曖昧なままだが、メランコリアは否定できないものである。
ウッズの他のプロジェクト、Hiding Places（Kenny Segalプロデュース）やHaram（The Alchemistがプロデュース）と同様、『Aethiopes』はシングル・プロデューサーによるコラボレーション作品である。その結果、テーマ的にもテクスチャー的にもまとまりのあるプロジェクトとなり、シームレスなトランジションで繋がれている。ジャンルの境界を溶かし、その中間のスペースで活躍する、紛れもない野心作といえるだろう。ウッズが共同プロデュースした「Harlaam」は、ループしたビッグバンドのサンプルで始まり、泣き叫ぶようなブラスがそれを後押ししている。そして曲の途中から、音符が重なり合い、不調和なピアノのカオスのような狂乱の曲へと変貌を遂げる。この曲は不整脈だが、ウッズと彼のフィーチャリングであるFatboi Sharifがラップするのを止めることはない。Preservationのサンプリングは異例で、一見すると現代のヒップホップの範疇を逸脱しているように思える音を取り出している。彼のサンプルは人工物であり、古い音（ジャズ、セリフの断片、野球の実況中継など）がビニールの静電気でパチパチと音を立てている。プリザベーションは、失われた音を発掘し、その音に新しい生命を吹き込む考古学者なのだ。しかし、彼のプロダクションは、単なる再利用に留まらない。古風な音をヒップホップの慣習に組み込むことで、レコードを時間の外側に位置付ける。過去に深く根ざしながらも、単なるノスタルジーを超えた、呪われたプロジェクトなのだ。
しかし、これらの破壊や既成概念にとらわれないサンプルは、Preservationのハードヒットなビートを作る能力を妨げるものではない。むしろその逆だ。Preservationはサンプルの中に新たな可能性を見出しているのだ。「Heavy Water」は短いピアノサンプルのループで、ループの制約された繰り返しの中で必死のエネルギーに火を付けている。繰り返されるフルートのサンプルは、低音とノイズの多いミックスに繊細な感情を吹き込んでいる。「NYNEX」でのハーモニカの炸裂は、激しいドラムループをより曖昧な領域へと広げ、ハイエナジーなリズムを厚い雰囲気に浸す。「No Hard Feelings」と「Remorseless」は最もエモーショナルな曲で、ドラムのない曲の上でウッドがスピットしているのが印象的だ。このような瞬間、プリザベーションは抑制の勝利といえるだろう。
本作には、大物から小物までさまざまなアーティストが参加しているが、どのアーティストもしっかりとしたリリックを残している。しかし、プリザベーションのビートは、ウッズのスタッカートなフローと謎めいたリリックの声とともに最も自然に聞こえる。『Aethiopes』は繊細に作られているように感じられる。言葉と音は複雑な労力を要するが、決して堅苦しくはなっていない。この作品は、時間や人々の間を漂う、流動的な作品なのだ。ここ数年、ウッズは最も才能があり、独創的な現役ラッパーの一人であることを証明し続けている。『Aethiopes』は、彼の最も大胆で叙情的な歴史とのタンゴであり、彼の最高傑作となるかもしれない。4.5/5
Armand Hammerの片割れとしても知られるNY地下シーンの傑物がブラックミュージックの粋を煮詰めてつくりあげるヒップホップを超えるヒップホップ。盟友Moor Motherにも通じる黒い音響ポエトリーの最前線。最高すぎる。#blkswnjukebox
— 黒鳥社 / blkswn (@blkswn_tokyo) April 9, 2022
【#1079】billy woods - Aethiopeshttps://t.co/pRuuCccqVY pic.twitter.com/0h3oOFrzmv
◯Billy WoodsとPreservationのディスカッション記事
Black Country, New Road
/ Ants From Up There (2/4)
アートワークはSimon Monkによるもの。『So Young Magazine』で特集されていた。
Bliss Quintet /
Dramaqueen (3/25)
Brad Mehldau /
Jacob’s Ladder (3/18)
ジャズ・ピアニストのブラッド・メルドー（Brad Mehldau）が青年期に愛したプログレッシブ・ロック。
Carmen Villain /
Only Love From Now On (2/25)
ダブ、第4世界のジャズ、アンビエント、コスミッシェのモードが混ざり合った、自信に満ちた目立ちたがり屋のCarmen Villainの4作目のアルバムは、キャリア最高の作品となった。この作品は、Jon HassellとRhythm and Soundの中間に位置するもので、幅広いテーマを持ちながら、完全に首尾一貫した音楽である。
ノルウェー出身のトランペット奏者でボーカリストのアルヴェ・ヘンリクセンが、このアルバムの寒々としたイントロの曲「Gestures」に参加しているのは、ふさわしいことだ。この曲は、オルトフォーク、シューゲイザー、ベースミュージック、アンビエントエレクトロニックなど、様々なジャンルの音楽を試してきたカルメン・ヒレスタが、ようやく自分のグルーヴを見いだしたように感じさせる、アルバムの理想的なシーンを演出している。彼女の音楽は常に魅力的だが、ここでは完全に意図的なサウンドになっている。彼女の野性的な想像力と幅広い影響力を吸収することができ、彼女の心の庭を照らすランタンの道を提供する重要な要素を保持しながら、統一された思考になっているのだ。
ヘンリクセンのミュートトランペットは、ヒレスタッドのガムラン風のリズムと抑制された電子音パレットの上で天使の歌声のように舞い上がり、彼が消えてもムードはそのままです。シンセとサブ・アクアティック・リズムを用いた「Future Memory」はSupersilentを思わせ、「Only Love From Now On」ではJoanna Scheie Orellanaのフルートがサブ・アクトとグラニュラー・パッドの上に高く上がり、Henriksenのキャリア最高の「Opening Image」と同様に、雲の上のムードに仕上げた作品です。しかし、Hillestadは、ケタミンを使った短い「Liminal Space」やリズム＆サウンドの影響を受けた「Subtle Bodies」のような明晰なダブワイズのインタールードを提供し、定期的にムードを壊すよう心掛けている。
このような選択は、明瞭さを失うことなく動きを加え、注意深く観察する人に文脈を提供する。彼女のダブソニックへのこだわりは初期の作品から明らかであり、ヒレスタッドのコズミック・ジャズへの進化は、まるで同じ傾向から生まれたかのようなサウンドである。ダブの鈍いリズムの軽快さと第4世界のアンビエントミュージックのシロシビン・バレエとの間にスイートスポットを見つけた彼女は、非常にリプレイしやすい音を作り出している。
「Only Love From Now On」は、彼女が丹念に育てた電子的な牧歌的風景に、息の長いジャズの色合いがある。（The Wire）
「Gestures」は、ベルとハンドドラムによる定常的なパーカッションパターンの組み立てで始まる。それにトランペット奏者のアルヴェ・ヘンリケンが加わり、彼のハーモニーと電子的に歪んだトランペットのループとウォッシュに支えられたソロを即興で演奏している。（ニューヨーク・タイムズ紙）
「Gestures」では...。[カルメン・ヴィランは『Sketch for Winter』のようなアンビエントな周波数に戻る。残響のあるパーカッションに対して、彼女は催眠術のようなグルーヴを敷き、その上に水のような音色を注ぎ込む。張りのある装飾的な図形は北アフリカの葦を連想させ、ちらつく電子音はUFOの存在を暗示させる。（Pitchfork）
米国生まれでノルウェー系メキシコ人のアーティスト／プロデューサー、カルメン・ヴィラン（Carmen Villain）の4thアルバム『Only Love From Now On』が、2022年2月25日に〈Smalltown Supersound〉からリリースされる。2019年の『Both Lines Will Be Blue』で明らかになったサウンドの転換から始まった積み重ねの集大成である『Only Love From Now On』は、Villainの美学が予想外のものへと開花し、その落ち着きは慈悲深く、その官能性はまったくもって贅沢なものであることを示している。
彼女のテーマが幅広く、哲学的で、時に抽象的であるとしても、ヒレスタッドの音楽の感情の基調は明確で、目的を持っている。ダブ、アンビエント、コズミック・ジャズなど、静謐な驚きをもたらす柔軟な音楽が彼女の主要なタッチストーンであることも納得がいく。
『Only Love From Now On』を聴いていると、心地よさと同時に不思議な魅力に包まれる。ゲストのArve Henriksen（トランペット、エレクトロニクス）とJohanna Scheie Orellana（フルート）が貢献していることも理由のひとつだろう。クラリネットなどの楽器、フィールドレコーディング、スタジオ、ジャム、そして入念な作曲の間を流動的に行き来していることもその一例です。彼女はこのプロセスを、音楽制作のためにグラニュラー・シンセシスなどの新しい手法を意図的に試みる中で起こる音との対話と呼んでいる。
『Only Love From Now On』は、大きなものを前にして小さく感じるスケール感、私たちが与えることのできる最大の影響は身近な人々にあるという思索、その影響がポジティブなものであることを確認する試み、そして恐怖ではなく愛に焦点を当てようとする選択によって推進されています。ヒレスタッドはこれを、"未知の何かの頂点に立ちながら、未来に対して注意深く楽観的な感覚を維持したいと願うこと "と表現しています。
caroline / caroline (2/25)
UKの8人組、carolineの同名デビューアルバムは、しばしば雪崩のように勢いよく流れ、崩壊寸前でスコールとゴロゴロとした音が鳴り響く。シンプルなベースラインやスネアの音だけが、暗い沈黙の海の中で鳴り響くのだ。これらの曲は、合唱、中西部のエモ、オマリー（O’Malley）とルウェリン（Llewellyn）のルーツであるアパラチアのフォークをミックスした、広がりのあるエモーショナルな作品である。
ルウェリンは、「何もない空間の方が、よりよく聞こえることがある」と言う。「曲の中にたくさんのものを詰め込みすぎて、ある要素だけで十分だということを忘れてしまうことがあるんだ」。フランスの納屋、メンバーのベッドルームやリビングルーム、「Dark blue」や「Skydiving onto the library roof」の素晴らしいライブセッションを撮影した雰囲気のあるプールなど、さまざまな場所で録音したローファイ録音の断片を、「Total Refreshment Centre」やペッカムのスタジオでの伝統的なグループセッションと組み合わせ、バンドはこのアルバムでコラージュ的手法を取り入れている。
何年も前にパブの上でギターバンドとして始まった成長は、今もなお続いている。
狂おしく回転する世界の中で、carolineはあなたにスローダウンを強いる音楽を作る。ロンドンを拠点とするこの8人組は、今週金曜日（2月25日）に〈Rough Trade Records〉からセルフタイトル・デビューアルバムをリリースする。
トータス（Tortoise）やスリント（Slint）の音楽にも通じる、贅沢な時間をかけて上昇し下降する重厚なギター、うねりながら擦れる弦楽器、繊細な質感と劇的な演出を見せる木管・金管。この時代のために作られたようなサウンドは、ユニークで親しみやすく、妥協のないレフトフィールドからの一撃だ。
ヴォーカルとマルチ奏者のジャスパー・ルウェリン（Jasper Llewellyn）によると、このバンドのサウンドは彼ら自身がコントロールできるものではなく、ただそのように転がり出てくるものだという。「僕たちは特別な音楽を作ろうと思って始めたわけじゃないんだ」と彼はNMEに語っている。「僕らはただ一緒に演奏して即興で作っただけで、スローミュージックやミニマリスト的な音楽を作ろうと思ったことはないんだ」
Black Country, New Roadやblack midiといったバンドの成功や、ポストロックバンドMogwaiの再登場により、不協和音で実験的な英国ギター音楽が珍しく半主流派に受け入れられている時に、carolineのアルバムは到着した。国内での苦難や政治的な暴動が頻発している今、不安な緊張をカタルシスで解放してくれるバンドが求められているのは、当然のことかもしれない。
マンチェスターの大学で一緒に勉強していた時に仲良くなったルウェリンとギタリストのキャスパー・ヒューズ（Casper Hughes）が、2017年にロンドンに引っ越してきて結成されたバンドである。共通の友人であるマイク・オマリー（Mike O’Malley）をギターに迎え入れた彼らは、数時間のうちに音楽的な絆を結び、実を結んでいることに気づいた。最初のセッションが終わる頃には、アルバムのオープニング・トラックとして収録されている「Dark Blue」を書き上げていた。「この曲は、私たちがユニットとして活動する最初の段階でのスナップショットだ」とオマレーは言う。「たまたま、僕らが最初にやったのがこの曲だったんだ」
ヒューズとルウェリンはマンチェスターで一緒にバンド活動をしていたが、前者がリード・シンガー、後者がドラムという全く異なるタイプのバンドであった。ヒューズは「当時はもっと話したり叫んだりしていたんだ」と言う。「もう少しポストパンクのようなスタイルだったと思う。彼らはOughtというバンドへの愛で結ばれていたが、今となっては、それは単なる段階でしかなかった」と振り返っている。「マイクが加入したことで、ありがたいことに、すべてが変わり、少し前進したんだ」とヒューズは語る。
この3人がバンドのソングライティングの核となる一方で、熟練したミュージシャンが加わり、それぞれがバンドのアウトプットに大きく貢献している。その結果、DIY的な粗削り感を残しつつも、綿密にコントロールされた美学が生まれ、その全体的な効果は偶然のものではないことがわかる。
ヒューズはこう語る。「スクラッチのような激しい瞬間があるが、それは、ゆるやかで即興的な方法で一緒に演奏することによって生まれる。しかし、それらのセクションが曲の中でどのように配置されるかは、自由自在に決められるものではありません。すべて自分たちが納得のいくようにまとめているんだ」
彼らの音楽が簡単に分類できないとしても、バンドは自分たちをここまで導いてくれた影響について自覚している。ルウェリンとオマリーにとっては、伝統的なアパラチアの民族音楽が常にインスピレーションの源であり、ヒューズはAmerican FootballやCursiveといった中西部のエモバンドがcarolineのサウンドに影響を与えたと指摘する。
「3人で演奏し始めたとき、自分たちがやっていることに最も関連するジャンルはポストロックかスローコアだった」と彼は言う。「かなり早い時期から、みんなでThe Dirty Threeも聴くようになった。あのルーズで即興的な感じと、カントリー調でうっとりするようなヴァイオリンのスタイルはとても刺激になったよ。あとトランスの要素、ロレンツォ・センニ（Lorenzo Senni）も。『え？』と思われるかもしれないけど、トランスのバンガーを作っているわけではないけど、インプットはされていると思う」
carolineは2020年の後半にデビューアルバムの大部分を録音し、自分たちでプロデュースすることを選んだ。オマリーは、2017年にGirl Rayのデビューアルバム『Earl Grey』で指揮を執り、大きな制作経験を持つ唯一のメンバーだが、バンドはレコーディング・プロセスに何を求めるか分かっていた。
「どこでどのように録音されるかを完全にコントロールできることは、僕らにとって本当に重要なことなんだ」とオマレーは言う。「僕らはレコーディングの時にいろんなテクニックや雰囲気を使うのが好きだから、そういうコントロールができるのは素晴らしいことだったんだ」
そんな彼らが実践したテクニックの一例が、「IWR」という曲での「極端な近さ」というアイデアである。ギターパートは、弦の数ミリ以内にマイクを置き、ゲインを最大に上げ、可能な限り静かに録音された。その結果、曲は胸を締め付けられるような人間的な親密さを持ち、あらゆる些細な欠陥が増幅されて聞こえることから生まれるドラマ性が生まれた。また、自由度が高いかたどこで録音してもいい。レコーディング・スペースは、プロのスタジオから地元のパブの2階の部屋、プールの中まで多岐にわたり、そのすべてがアルバムの奇妙で予測不可能な雰囲気に深みを出している。
「Good Morning (Red)」で、“Can I be happy in this world / We’ll have to change it, it doesn’t suit us（この世界で幸せになれるだろうか／変えなければならない、自分たちには合わない）”と叫ぶ声など、リリックには心理的な暗さや自責の念が漂っている。ルウェリンは、実存的な恐怖を伝えようとする意図はないと否定する。「フレーズがもつ雰囲気は、音楽と合っていなければならない」と彼は説明する。「楽器パートがレイヤーであるように、フレーズもレイヤーであり、それぞれの特質を持っているんだ」。それはそうかもしれませんが、このような陰鬱なラインがこれほど多くなるのは、確かに音楽のムードを物語っている。
ライブでも、斬新で深い脅迫的なことをやらずにはいられない。ロンドンの「Southbank Centre」で行われた5時間ぶっ通しのライブでは、バンドの友人たちが断続的にステージに上がり、観客は自由に出入りすることができたのだ。
結果的に、大半の人が最後まで残ってくれたことは、ミュージシャンの多才な才能を証明することになった。ヒューズは「自分たちを少しばかり追い込むような、まったく違うことをしたかったんだ」と微笑みながら言う。この言葉は、carolineのこれまでの破壊的で型破りなストーリーを端的に表しており、彼らでさえ次の章を予測することができない。
Cassels / A Gut Feeling (2/4)
Cate Le Bon / Pompeii (2/4)
CTM / Babygirl (5/27)
de facto enscripture /
SARDONIC ENTROPY NEXUS (2/22)
De Facto Enscriptureは、39人のミュージシャンからなる新しいスクリーモ・コレクティブで、デビューアルバム『Sardonic Entropy Nexus』をリリースしたばかりである。このアルバムにはJeremy Bolm（Touche Amore）をはじめ、ほぼすべてのトラックで異なるボーカリストが参加している。
このアルバムは〈Middle-Man Records〉から発売中で、収益はすべて相互扶助（mutual aid）のために使われる。本作は、生のアンダーグラウンドで、90年代スタイルのスクリーモの最高峰である。
Della Zyr /
비타민과 우려
Vitamins and Apprehension (1/27)
私は長い間、毎日自殺を考えていました。このアルバムは、ここ数年で私の人生観がどのように変化したかを描いたものです。聴いていただきありがとうございました。
『Vitamins and Apprehension』は、2つのセクションで構成されています。「Vitamin」は、私が生きていて意識があることに感謝するいくつかの事柄を祝うものです。「Apprehension」は、私が自分自身のために未来を望んでいるという自覚を解釈したものであり、またこの自覚の後に生じた予想外の複雑さを認めたものでもあります。
この物語は、太陽が昇るのを見るのが好きだということを受け入れるのが難しいと感じる少年の視点から語られています。
私の寝室と大学のアパートで執筆/録音/制作/その他。
YouTubeでは、My Bloody Valentine、Parranoul、Duster、Mid-Air Thief、Slowdiveのカバーなどを披露している。
Denzel Curry /
Melt My Eyez See Your Future
(3/25)
デンゼル強い
Deserta /
Every Moment,
Everything You Need (2/25)
SlowdiveとSigur Rósの間を行き来するシューゲイザーサウンド！Saxon Shore創始者Matthew Dotyによるソロ作！ミックスはMercury RevのDave Fridmann。
Destroyer / LABYRINTHITIS (3/25)
Joe LaPorta（Sterling Sound）によるマスタリング
New Pornographersでの活動でも知られるカナダのシンガー・ソングライター、Dan Bejarによる人気バンド、Destroyer。音符の糸が不気味なほど身近でありながら親密に不可解な暗示によって織り成され、神秘的で酔わせる領域に到達。先行シングル"June"、"Tintoretto, It's for You"、”Eat the Wine, Drink the Bread”など、めまいのするような驚き、不安な難解さ、ドキドキするようなエモーショナルさを等しく放つ、内面に向かうように曲がりくねった最高の全10曲。
Dhidalah /
Sensoria 認識 (4/22)
国産スペースロックトリオ
FKA twigs /
CAPRISONGS (1/14)
foxtails / fawn (1/13)
Gábor Lázár /
Boundary Object (2/25)
Gábor Lázárの『Boundary Object』は、2020年から2022年にかけてブダペストとプラハで、自ら設計した作曲インターフェースを用いて制作した、リアルタイム録音、未編集の8曲のトラック集である。Gábor Lázárにとっては、2020年の『Source』に続く〈Planet Mu〉からリリースする2ndアルバムとなる。
タイトルは、社会学と計算の柔軟な概念として、異なる種類の背景や知識のレベルを持つ人々のグループの間でどのようにコラボレーションが起こり得るかというバウンダリー・オブジェクトの考え方に由来しています。バウンダリー・オブジェクトとは、これらのグループの間でコラボレーションを実現するために翻訳するあらゆるもののことです。バウンダリー・オブジェクトは可塑的で、コミュニティによって解釈が異なりますが、社会的な言葉や文脈を越えて共通のアイデンティティを持ち、整合性を保つことができます。これは、Gáborのアプローチと作業プロセスが、このアルバムの音楽にどのようにつながったかを要約したものです。プリズムのように柔軟で、さまざまな解釈のレベルで機能する。
『Boundary Object』では、『Source』のキラキラした表面や画一性が内側に倒れ、彼の音楽の認識できるパルスやフレームがそのまま残されている。個々のトラックは非直線的な構造を持っているが、アルバム全体としては強い物語性を持っている。トランスのように始まり、馴染みのあるパッセージは、まるでガーボルが3Dオブジェクトのように音楽を調べ、エッジを引っ張り、調べたものを壊しては再構築し、予想を裏切るかのように、さまざまな形に歪んだり紡いだりしている。『Boundary Object』は強烈で、フルスペクトルであり、とても楽しい。
正弦波は音楽の血となり肉となるものであり、そのことを最もよく知るのはエレクトロニクス作曲家たちである。1970年代のパイオニアたちは、引き算によってこのジャンルを築き上げた。彼らはさまざまなアナログツールを使って、波形から波を取り除き、不気味で画期的なサウンドを作り出しました。それから50年後、ハンガリーのプロデューサー、Gábor Lázárは、その逆をやってのけた。彼は波形を重ね、未知の音色を作り出し、過酷で蛇のような、先鋭的なレコードの核となる。
Lázárはこの加算合成という手法の創始者ではない。例えば、数千年前のパイプオルガンがそうであったように、彼もまた、加算合成という手法の創始者ではない。しかし、最新作『Boundary Object』では、32歳のプロデューサーがデジタル楽器を悪魔のように複雑に操り、リズムよりも音色により多くの注意を払い、まるで風船をさまざまな形にねじる手品師のようにそれぞれのパッチを歪めている。このアルバムは、精密さと臨床的なものとの間の微妙なラインを歩んでいるが、最終的には独自のボキャブラリーを私たちに教えてくれる。34分という時間の中で、この用語集は一つの言語のような可能性を持っているように思える。
『Boundary Object』は、技術的な面でもその他の面でも、ラザールのスタイルに変化をもたらしている。このプロデューサーは、2018年の『Unfold』と2020年の『Source』という過去2枚のアルバムを、ブダペストのクラブに出入りする若いビートの達人として歯を磨いた、どこにでもあるソフトウェア、Logicを使ってプログラムしているのだ。しなやかなテクノに満ちたこれらのリリースは、深い快楽とこっけいなノスタルジーを感じさせるものだった。しかし、ラザールはより多くのコントロールを求め、無限にカスタマイズ可能なソフトウェア・アプリケーションMaxを使って最新作を制作した。このアルバムは、音の可塑性に富み、彼が初期のキャリアから試みたことのない、まじめな技術的没入を提供している。新しいファンにとっては推進力のあるグルーヴが恋しいかもしれないが、『Boundary Object』はLázárの長所の多くを生かしつつ、別の種類の身体的な動きを指し示している。このLPのギクシャクしたテンポと狂おしいほどのバスドラムは、夜遊びのサウンドトラックというよりも、モダンなダンスの伴奏のように思える。
これは、2018年にCompany Wayne McGregorのために作品を作曲したJlinを思い起こさせるかもしれない。しかし、インディアナ州を拠点とする著名人（あるいは同じく〈Planet Mu〉のレーベルメイトであるRP Boo）とは異なり、Lázárのローエンドにはリキッドの可鍛性やダブのゆらぎがなく、ボーカルサンプルもない。『Boundary Object』と名付けられた8曲のトラックは、どれもミックスの中に自分自身の足場を見つけることを求めている。冒頭の2分音符のキックドラムは、まるでアンカーのように感じられるが、私たちがその音に合わせて動く方法を学ぶ前に、Lázárはビートをよどませ、ハンドクラップを導入して曲の流れを台無しにする。2曲目では、中音域が澱んでファジーになり、ベースは机を神経質に叩いているような音になる。しかし、Lázárのパーカッションは常にタイムキーパーから解放されており、私たちはほとんどメロディックなノイズにしがみついているようなものだ。
構造的には、『Boundary Object』は対称性によってまとまっている。オープニングのハンドクラップは「Boundary Object V」でキャッチーに再現され、Lázárはフレーズを導入したり反転させたりしながら、圧力をかけては解放するような感覚でドラムサウンドを刻んでいく。このアルバムは、その不可解さが、終盤になるにつれて、より大きな利点となる。Lázárの熱狂的なキックドラムは、他の要素と直接会話をしながら、グリッサンドを思わせるような意図的で瞬間的な変化をパッチに与えている。『Boundary Object』に入ると、その語彙に戸惑うが、音の一つ一つの音素を冷静に解析することができる。LPの終わりには、別世界の慣用句をいくつか覚えていることだろう。
Lázárにとって、このような不透明な言語は生まれつきのものである。彼は各トラックをリアルタイムで演奏し、その録音を未編集でリリースした。彼の表現手段としてのコンピューター・プログラムの使用は、エレクトロニクス領域における「自然さ」についての一般的な会話と相反する。このような言葉は通常、心拍のように鼓動する4オン・ザ・フロアリズムや、音響的に感じられるデジタル音色のことを指している。しかし、自然さとは何だろう。音楽は波の集まりであり、周期的に動いているのに、どうして不自然になり得るのだろう。Lázárの音は、彼の仲間たちよりもコンセプトが生々しく、ほとんどのプロデューサーが決して挑戦しないような、印象的な方法で操作されている。しかし、彼を真に際立たせているのは、普遍的な魅力と有機的な精神である。彼は、自分自身であるために、その芸術をあらゆる形で利用しているのだ。Score: 7.6
HAAi /
Baby, We’re Ascending (5/27)
Hinako Omori (大森日向子)
/ a journey... (3/25)
英ロンドンを拠点に活動し、Georgia、Jaakko Eino Kalevi、Kate Tempestらのコラボレーターとしても知られるシンセサイザー奏者 / コンポーザー・大森日向子（Hinako Omori）が、初のフル・アルバム『a journey...』をKatie Gately、Special Requestらを擁する「Fabric」傘下の「Houndstooth」からリリース。国内流通仕様CDも3月18日（金）に発売されます。
近年はEd O’Brien（RADIOHEAD）のライヴ・メンバーとしても活躍する大森。2019年のデビューEP『Auraelia』に続く『a journey...』は、フィールド・レコーディング音源とDave Smith Instruments『prophet ’08』、Moog『Matriarch』、そして自身のヴォイスを使用し、サウンド・エンジニアリングを学んだ大森ならでは手腕で制作された作品。マスタリングは名匠・Matt Colton（Metropolis Studios）が担当しています。カヴァー・アートは、カナダ・トロントのグラフィックデザイナー・高橋恵美によるもの。
Iceboy Violet /
The Vanity Project (1/25)
Iceboy Violetがデビュー・ミックステープ『The Vanity Project』をリリースした。マンチェスターで最もエキサイティングな新進気鋭のアーティストが〈2 B REAL〉より7曲のボーカルトラックを披露している。
Space Afrika、Emily Glass、Jennifer Walton、Slikback & Nick Leon、Mun Sing、Blackhaine、Daemon & Orlandor、Exploited Body、ayaなど、ダンスとエレクトロニカの最先端を行く、北部のクリエイティブ集団が勢ぞろいしている。
Iceboy Violetはムーディーさと崇高の間で揺れ動き、クラブMCの形式と豊かで夢のようなリリックのセンスの伝統を引き出している。Space Afrikaとの「Urban Ambience」での目を奪われるようなグルーヴ、Jennifer Waltonとの「Vanity」でのパニックを起こしそうなシンプルさ、Mun Sing、Blackhaine、Daemon & Orlandorとの「Lilith」の緻密で擦り切れた恐怖など、ミックステープの20分という短い時間の中でたくさんの光を放つ瞬間が存在する。Iceboy Violet自身は各トラックに一貫して存在し、その生々しく正直な独白と、6ペンスでトーンを切り替えて流す能力は、レコードが止まった後も長く余韻を残す、唯一無二の存在である。
また、ayaの『im hole』、Loraine Jamesの『Reflection』、96 Backの『Love Letters』、Nine Through SixとBlackhaineの『Armour』にゲスト参加するなど、過去2年間に批評家から絶賛されたボーカル・フィーチャリングも行っている。
このミックステープは、Iceboyのサウンドを深く、陰鬱で幅広いものにまとめ上げ、マンチェスターの最先端がそうであるように、今と昔の両方を感じさせるトラックの数々で彼ら自身のサウンド・パレットを構築している。
IDK / Simple. (5/6)
prod. by Kaytranada
j.doursou /
Choreographies of Decay (2/25)
白いボディペイントを施したダンサーが丹念な動きをする日本のダンスフォーム「舞踏」は、第二次世界大戦後に始まった。土方巽（ひじかたたつみ）の舞踏は、日本人の苦悩する身体の経験を探求し、1970年代半ばには、土方がダンサーにスケッチやメモを渡し、舞踏の理解に向けて後押しするようになったのだ。Aix-en-Provenceのプロデューサー、J.Doursou [J.D]の新作『Choreographies of Decay』は、世界の終わりを踊るための一連の音響的指示を伝えるのと、ほぼ同じような機能を果たしている。
MY.HEAD名義では、長編の『Catharsis』からいくつかのシングル、アルバム、EPをリリースしてきたが、『Choreographies of Decay』はDoursou名義でリリースされる最初のアルバムだ。Doursouはグラフィックデザイナーとして、さまざまなビジュアルメディアで仕事をしており、非視覚的領域と視覚的領域の間の変換方法について深い理解を持っている。そのため、このアルバムがダンス作品であることは納得がいく。しかし、rousayのフィールドレコーディングが、共有された瞬間の星座をつなぐような親密さをもっているのに対し、Doursouのフィールドレコーディングは、無の世界に耳を傾けるようなものである。彼のアルバムは、ディストピア的な未来や超自然的な出来事を想像させるテキスト（「Nier Automata」や「The Last of Us」などのビデオゲーム、映画『サスペリア』）、そして実存主義からポスト構造主義までの幅広い哲学から引用されている。このアルバムは、COVID-19のパンデミックに巻き込まれた危機から掘り起こされた「今を生きるサウンドトラック」を提供することを目的としている。
その結果、アコースティックとエレクトロニックの幅広い要素が統合された、ダークで濃密な作品となった。オープニング曲の「building will become their tombstones」では、ダイヤル音や日常生活を思わせるミュートされた音が前面に出ている。一方、「weeping idols」では、繰り返されるシンセサイザーのモチーフと遠くのクワイアが混ざり合い、サイレンやコンピューターノイズの歪のようなものが感じられるだろう。「Jonas」は、このアルバムの縮図とも言える作品で、偶発的なものと記憶されるものが混在している。ゆっくりとした、湿ったピアノのリフに、擦り切れたシンセの音と幽霊のようなコーラスの暗示が挟まれます。この音楽は、リスナーがDoursouのゲームの登場人物、彼のダンスのダンサーの集まりに過ぎないことを示唆するほど没入感を与えてくれれ。「foliage, filling voids」のシンセサイザーのうねりとハイオクターブでのパチパチという電流は、救いのないように見える状況の中で続ける理由を見つけることの難しさを示唆している。前者が小惑星を見た後の曲だとすれば、最後から2番目の曲「enclanded by silence」と「cultural data」は、声とギター、そして足音がちらほらと聞こえる、小惑星を見つめるための曲である。このような瞬間にあなたは何をするだろうか。Doursouは、観察的か能動的か、慎重か決断的か、という2つの可能性を示唆している。聴くのもよし、踊るのもよし。
Jake Xerxes Fussell /
Good and Green Again (1/21)
Jameszoo / Blind (3/11)
Matt Coltonによるマスタリング。EP『Guanyin Psittacines』の10インチレコードが欲しい。
エレクトロニック・ ミュージックとジャズをブレンドして注目を集める異能ジェイムスズーが最新作をリリース！！
フライング・ロータスと同じくRBMA卒業生で、オランダ出身の異能ミシェル・ファン・ディンサー＝ジェイムスズー。ジャイルス・ピーターソンより“John Peel Play More Jazz”賞を授与されたデビュー作『Fools』(2016年)以来、6年ぶりとなる待望の最新作『Blind』を〈Brainfeeder〉よりリリース！
本作には、長年の作曲パートナーでキーボードの名手ニールス・ブルース（Niels Broos）、スウェーデン人ベーシストのペッター・エルド（Petter Eldh）、ドラマーのリチャード・スぺイヴン（Richard Spaven）とジュリアン・サルトリウス（Julian Sartorius）ら、前作の参加メンバーが再び参加。更に、ピアニスト/オルガニストのキム・ダウンス（Kit Downes）〈ECM〉、トランペッターのピーター・エヴァンス（Peter Evans）、ヨーロッパのフリージャズ・ムーブメントの中心人物である先駆的なイギリスのサックス奏者エヴァン・パーカー（Evan Parker）、レーベルメイトのドリアン・コンセプトことオリヴァー・ジョンソン（Oliver Johnson）他、多数のゲストが参加している。
作品はこれまで同様、ジャズとエレクトロニック・ミュージックの境界線においてさらなる探求を行っている。冒険心と実験精神に溢れたこの作品は、ヴィンテージ・シンセサイザーのコレクションを持つオランダはデン・ボスのスタジオ、“Willem Twee Studios”でのセッションによって形作られた。
「どの作曲家が、どのソリストが、どの演奏家が、そしてそれらの間の重点の移動が、私たちが聴くものを色付けている。これを回避するようなものを作ることは可能だろうか?能動的に、客観的なリスニング体験を強いるようなプロジェクトはできないだろうか?」という問いから始まった本作では、自動演奏ピアノを使用、人間の手では弾くことのできないフレーズを正確に演奏しており、既存の音楽からの脱却を図っている。
また、本作のアートワークは彼の親しい友人でもあるオランダ人アーティスト、フィリップ・アッカーマンによるものとなっており、スリーブに点字エンボスのディテールを施したブラック・ヴァイナル仕様のLPでリリースされる予定となっている。
Jana Horn / Optimism (1/21)
Jeanines /
Don’t Wait for a Sign (4/22)
Jenny Hval /
Classic Objects (3/11)
ジェニー・ヴァル（Jenny Hval）の新しいアルバムは毎回、「今までで最もポップなジェニー・ヴァルのアルバム」と謳われているような気がする。2019年の『The Practice Of Love』は確かにそうであった。「Ashes to Ashes」のようなバンガーと、あらゆる種類の青々とした銀色のシンセのおかげで、ダンスミュージックとの比較も引き出された。しかし、ヴァルの最新アルバムであり〈4AD〉からのデビュー作である『Classic Objects』では、再びそのような物語が展開される。しかし、そのストーリーはもっと複雑だ。
ヴァルはキャリアを通じて、ポップな形式とメインストリームのアイデアを操ってきた。それは『Classic Objects』でも続いている。このアルバムは、そう、彼女にとって最も親しみやすいもののひとつであり、おそらく『The Practice Of Love』よりもさらに親しみやすいものとなっている。しかし、だからといって『Classic Objects』が実行もテーマもストレートなわけではなく、このアルバムがまだあなたの期待を裏切ることができないというわけでもない。『The Practice Of Love』から、おそらくヴァルの旅はさらに直接的で感染力のある方向へと続いていくことが想像できただろう。しかし、『Classic Objects』は、ヴァルの独特な視点を通して、ラウンジやニューエイジのような温かみを表現しており、メローなキーボードと驚くほどの量のボンゴに支えられたゴージャスなメロディーの数々を聴くことができるのだ。
よりオーガニックで人間的なサウンドは、『Classic Objects』の成り立ちを考えれば納得がいく。多くのアーティストがそうであるように、ヴァルもロックダウン期間、家にいることを余儀なくされ、パフォーマーとしての人生を無期限に保留されるという奇妙な状態に陥った。そのため、彼女は「自分だけ」について考えるようになり、「ジェニー・ヴァルだけ」とはどういうことなのか、考えを巡らせた。「このことがきっかけで、シンプルな物語を書きたくなった」と、アルバム発表時にヴァルは説明しています。彼女は、芸術家としてのアイデンティティや「価値」を奪われた人生の瞬間を振り返り、直接的な回想を書いた。しかし、そこから記憶や個人的な体験が変異し、他のイメージと融合し、奇妙なものになっていったのだ。「結局、歌は言葉だけでなく、メロディがある。メロディがあるのは、暗闇に足を踏み入れ、崖から飛び降りるため」だと彼女は言った。
このプロセスは、曲そのものにそのまま平行して聞こえてきそうです。簡潔で夢のような「Freedom」を除けば、このアルバムの全ての曲は目の前で生まれてくるのだ。最初は静かで水のように漂い、新しい要素が入ってくる。飛び跳ねるようなギターとオルガンの「Year of Love」、パーカッションがグルーヴィーな「American Coffee」、そしてエレメンタルの「Year of Sky」、天空のシンセとシンバルがクラッシュする「Jupiter」などだ。曲の物語が複雑化し、ねじれるにつれて、構造はどんどん構築され、時には爆発的で別世界のようなものに到達した後、再び崩壊し、噴出し、それらを運んだのと同じ流れに乗ってゆっくりと漂い出す。
『Classic Objects』が「ジェニー・ヴァル版ポップ・アルバム」と謳われた具体的な方法のひとつは、楽曲がこれまで以上に伝統的なヴァース／コーラス構造を堅持しているという考え方であった。そして、それはある意味真実です。しかし、これらの曲の出現の仕方から、あなたは、ヴァルがこれらの構造を中心に、それらを流出させたり、独特な方法でアレンジしたりするのを聞いているような気がする。まるで、彼女が書いたポップソングを見せる前に、ポップソングを書くというアイデアを検討しているようだ。だから、しばしば彼女は冒頭で歌い、数分間物語を結晶化させ、突然完全に魅惑的なコーラスに突入させるのだ。「Jupiter」のストレートで美しいコーラス、「Cemetery Of Splendour」の天空のメロディーは、捨てられたもの（タバコの吸殻やキャンディの包み紙などの残骸）の音列によって穿たれ、最後のリフレインはエンディング・トラックの「The Revolution Will Not Be Owned」のもので、この見返りは大きい。
『Classic Objects』は、人生の重要な瞬間を選び出し、それを平凡なイメージと自由に混ぜ合わせ、あるいはその重要な人生の瞬間にも内在する平凡さを分解してしまう、不思議な方法を持っているのだ。「Year of Love」はその最も顕著な例のひとつで、ヴァルは家父長制の構造を考慮しつつ、法的形式を主張しながら結婚書類にサインしたことを回想してする。「Year of Love」のようなトラックは、ヴァルの昔のエッセイベースの曲と同様にコンセプト的に洗練されているが、『Classic Objects』の衝撃的な点は、ヴァルの言葉が、いかに完全な形でメロディーに隠されているか、初めて聴く人はほとんど見落としてしまうことだ。「ノームコア・インスティテューション」という言葉をきれいな脇役に隠していることに気付いたとき、あなたは自分自身でこっそり笑いかけたくなることだろう。
『Classic Objects』を通して、そのような話は、ヴァル自身の言葉を借りれば、音楽を掘り下げれば掘り下げるほど、不条理に変わっていくのである。時には、曲が人を奇妙な記憶の穴へと運ぶこともある。たとえば、「American Coffee」では、持続するリズムによって、ヴァルは母親や故郷の古いイメージから、家を出なければどうなっていたか、他の国に住んでからどうなったかという疑問へと飛び移れるのだ。「Jupiter」がリリースされたとき、ヴァルは、マーファのアートインスタレーション“プラダ”から始まり、砂漠を「価値、ジャンル、表現、関係が崩壊していく場所」として使用する「ポスト黙示録的ロードトリップ」になっていると言った。
『Classic Objects』の多くは、その崩壊を表している。その名前からして、ポップな構成とヴァル自身の記憶を示唆している。曲中では、ヴァルがこれまで書いたものの中で最も臆することのない美しさに魅了される。そして、彼女はいつもベストを尽くしている。彼女自身の物語を好きなように奇妙な経路をたどることで、彼女は断片化した回想録とゆらめく夢幻のアルバムを作り上げ、あなた自身の記憶も異なる光の中で何度も何度もめくることができるようにしたのだ。『The Practice Of Love』が複雑なアイデアと格闘しながらも平和なサウンドを提案したように、『Classic Objects』は人生の断絶したスナップショットを取り上げ、それを超越的なものに感じさせてくれる。『Classic Objects』の音楽は、波打つ瞬間であれ、舞い上がる瞬間であれ、彼女が暗闇の中を歩き、崖から飛び降りるのを追いかけたくなるような魅力に溢れている。
Josephine Foster
/ Godmother (1/28)
Kaho Nakamura（中村佳穂）
/ NIA (3/23)
Kendrick Lamar /
Mr. Morale & The Big Steppers
(5/13)
Kevin Morby /
This Is A Photograph (5/13)
Kit Downes, Petter Eldh, James Maddren / Vermillion (2/11)
ステファノ・アメリオによる録音
『Vermillion』では、構築と解体が互いに調和して存在し、2つの極端な部分が互いに引き合うことで有機的な形状を生み出し、その過程で優雅でメロディアスなテーマが生み出されている。キットとペッターはそれぞれ5つの作品を制作し、最後の11番目の作品はジミ・ヘンドリックスの「Castles Made Of Sand」を抽象的にアレンジしたもので、トリオはこの曲の個々の要素を注意深く解きほぐしていくように演奏。2021年5月と6月にルガーノのAuditorio Stelio Moloで録音された『Vermillion』は、マンフレート・アイヒャーがプロデュースを担当した、21世紀のECMが生み出した最新型ピアノ・トリオの名盤の誕生だ。
LNDFK / Kuni (2/10)
現代ジャズ × 久石譲
Manuel Linhares
/ Suspenso (1/20)
Mdou Moctar /
Afrique Refait (4/19)
Metronomy /
Small World (2/18)
「ロックダウンアルバムではない」ロックダウンアルバムの最新作は、メトロノミーの中心人物、ジョセフ・マウント（Joseph Mount）の手によるものだ。ふさわしく、本作はメトロノミーにとって久々に牧歌的なレコードであり、そのキャップがよく似合う。2019年の蛇行した『Metronomy Forever』とは対照的に、おそらくヌードリング・シンセのインタールードが多すぎるソリッドなバンガーのセットである『Small World』は、無駄をそぎ落とした作品である。「Life and Death」は控えめなオープニングで、大きなテーマと小さな喜びを、独特の楽観主義と遊び心で、うっすらとしたレイドバックのピアノにのせて表現している。「Right on Time」は、パンチの効いたストリングス、ラウンジのような雰囲気、緊密なハーモニーでスティーリー・ダン（Steely Dan）を想起させ、同じく00年代のウォンキー・ポップスの生き残り、フィールド・ミュージックを思い起こさせる。また、Badly Drawn Boyを思わせる「Things Will Be Fine」は、センチメンタルとスラスラの間のラインを巧みに表現している。ポリッジ・レディオ（Porridge Radio）のダナ・マーゴリン（Dana Margolin）は「Hold Me Tonight」で最高のRobert Smithを披露しているが、もちろんこれは素晴らしいことだ。ジョセフのナイーブなヴォーカルと、ちょっとはにかんでいるような癖のある印象は、彼の職人技の器用さと研究されたシンプルさを裏付けている。また、「It's Good To Be Back」の泡立つようなシンセサイザーとキレのある808が示すように、素晴らしいポップ・フックも失ってはいない。確かにそうだ。
Metronomyにとって7thアルバムとなる『Small World』の制作には、この2年間が大きな役割を果たした。このアルバムの制作について、チーフソングライターでフロントマンのジョセフ・マウントは「もう少しアイディアにルーズになって、リラックスして臨むことができた」と述べている。このように、家にいる時間が長ければ長いほど、Metronomyのクリエイティビティに多くの道が開けることは明らかである。マウントはこのアルバムで、世界の静寂、悲しみ、そして奇妙な性質をその基盤に組み込もうとした。「人生と愛する人々について」
『Small World』の核となるのは、この24ヶ月の渦中で多くの人々を結びつけた人間関係とつながりについての記録である。愛という普遍的なテーマもさることながら、昨今ではより身近に感じられるようになった。「Things Will Be Fine」やキャッチーな「Right on Time」など、彼らの特徴であるアップビートでありながら一貫してオフビートなグルーヴは健在だが、『Small World』ではより深く、より内省的なサウンドを聴かせ、ハードな感情、損失、希望について、これまでで最もシンプルなアルバムという視線から考察を深めていくことになる。
アルバムのオープニングを飾る「Life and Death」は、かつて大切だったものが時間の経過と共に簡単に失われてしまうことをマウントが嘆く、陰鬱な物語を提供しています。「このシンプルな歌詞のテーマは、マウントが2020年に直面することになった正直な気持ちを表している。多くの人が「パンデミックアルバム」と呼ぶかもしれないものを作ることを意識しながらも、このプロジェクトのタイトルは、私たちの世界が急速に縮小し、私たちがいかに自分の内なる考えや感情に向き合わざるを得なくなったかを反映しています。このような題材のように暗い気持ちにさせられるかもしれないが、『Small World』は、閉鎖的な生活という異常な時代が遠い過去のものとなったその先にあるものを見据えている。
「It's Good To Be Back」は、希望に満ちたインストゥルメンタルだ。マウントが「この2年間で人々が口にする最もつまらない決まり文句は何だろう」と考えた時にひらめいた。この曲は、その陽気な雰囲気とは裏腹に、悲痛な心の傷に満ちている。“it feels so good to be back / but our love is gone”
グランジ風のベースラインでクルーズする「Loneliness on the Run」は、ニルヴァーナ（Nirvana）がエレクトロニカで実験しているようなサウンドだ。『Doolittle』時代のピクシーズ（Pixies）を思わせるマイナーなリフが、ダウンビートなメロディック・ヴォーカルに寄り添っている。このアルバムで最も魅力的な曲である「Loneliness on the Run」は、Metronomyの方向性を垣間見せてくれる。シンセを多用したミドルエイトから、シンプルなパーカッションパターンで締めくくられるこの曲は、型にはまらないクリエイティビティの好例であり、さらなる探求が望まれるところだ。
『Small World』が体現している“less is more”のアプローチは「I Lost My Mind」で最もよく示されている。このミニマルな楽器編成の端正なトラックは、Mountの切なくユニークなソングライティングを開花させる余地を与えている。一方、ブリットポップ調の「Things Will Be Fine」は、アコースティックギターと活発なドラムパターンに依存し、リリックはこのアルバムの主要テーマの一つである内省という考えを表現している。
振り返り、回想、反芻は、『Small World』が心地よいゾーンに身を置く場所である。時折、予想通りの展開に思えることもあるが、これはMetronomyが目指したアルバムにふさわしい。2011年に発表された実験的でポップな『English Riviera』のような作品はもうない。バンドの寿命と創造性の両方において、Metronomyは成長し、一見冷静さを取り戻したように見える。
メインストリームの外側で常に狡猾に活動するMetronomyは、今も魅力的な音楽を生み出す努力をしており、『Small World』は、10年目に突入したバンドのこれからを予感させる、よくできたテイストの作品だ。
Moonchild / Starfruit (01/05)
結成10年の集大成として完成した5thアルバム。甘くとろけるメロディーと豊潤なハーモニーが生み出す完熟のメロウ・グルーヴ。（国内盤CD帯より）
Ockham’s Blazer /
Ockham’s Blazer (4/29)
Ockham's Blazerは、ShrapKnelのラッパーPremRockを中心とした7人組の新グループで、今週金曜日（4/29）に〈Fake Four Inc〉からリリースされるセルフタイトルのデビューアルバム（プレオーダー）だ。PremRockの参加により、このアルバムはラップアルバムとして認定されているが、彼らは一度も伝統的なヒップホップビートに頼ることはない。Ockham's Blazerのインストゥルメンタリストは、ジャズとサイケデリアの旅にあなたを誘い、PremRockのアルトラップ・スタイルは、その刺激的な背景と完璧にマッチしているのである。Bandcampの説明では、Four Tet、E.A.B.S.、Shabaka Hutchings、Shabazz Palaces、Snarky Puppy、Armand Hammer、Khruangbinのリスナー向けに書かれているが、これは非常に正確である。ゲストとしてUKのラッパー、Dizraeliが参加し、「Dirtbell」で素晴らしいバースを披露しているが、それ以外はNYC、トロント、ウィーンのメンバーからなる7人組のラインナップで、全員が一体となり、素晴らしい化学反応を起こしている。
Oren Ambarchi, Johan Berthling, Andreas Werliin / Ghosted (4/15)
2019年初頭、いや、2018年11月のことだ。オーレン・アンバーチ、ヨハン・ベルトリング、アンドレアス・ウェルリンの3人が、ストックホルム郊外の静かできれいな地区にあるスタジオ・リムデンに集まり、『Ghosted』となる音楽を制作していた。彼らはこの曲がいつ作られたかを正確に覚えていない。なぜなら、その時間、つまりいつ、どこで録音されたかということは、もう本当に重要ではないからだ。今、Ghostedの音楽は、ベース、ギター、ドラムの小さなディテールの安定した流れによって、最小限の枠組みの中でリズムの柔軟性を顕著に示しながら、明確に区切られた時間、演奏の瞬間を共有する意図の中に存在している。
OrenとJohanは2003年以来、ステージ上でもオフでも何度も顔を合わせ、いくつかのデュオのレコーディングを行い、さらにMats GustafssonとドラマーのAndreas WerliinとのグループFire!でも会っている。しばらく前、オーレンとヨハンは、アンバーチ／バートリングのコラボレーション第2弾、2015年の『Tongue Tied』で行き着いた思考回路をさらに深めるために、スタジオに再集結することにしたのである。アンドレアスがそのセッションのミキシングを担当していたので、彼がキットに参加するのは正しいことだと感じた--彼はすでにこのプロセスに深く関わっていたのだ。
彼らが全員で演奏する「ファイヤー！」の音楽は、大げさに言えばラウドなものである。このセッションで、彼らは異なるダイナミクスを探求する機会を得たと感じた。スタジオRymdenはビルの上階にあり、この日は窓から差し込む光が心地よかった。（Orenが今まで聴いた中で一番音の良いLeslieスピーカーを含む）アンプを選び、セッティングを開始した。
『Ghosted』を構成する4つのトラックは、Johanのアコースティック（時にはエレクトリック）ベースの豊かな音色と反復する図形に根ざし、39分の間にクラウトロックジャムの簡潔な流れで連続的に展開され、テーマに対するバリエーションとして機能する。綿密に観察したパーカッシブのリフと反復は、前進しながら微妙な変化を伴い、細かい部分がステレオスペクトル全体に広がりを持って飛んだり離れたりして連続的に構築されている。Orenのギターはしばしばオルガンのような音色で、JohanとAndreasのリズムのパーコレーションとパーミュテーションの上に炎とガラスの音が漂うように聞こえる。彼らは長い間演奏しているので、特に言葉を使わなくても、短期的、長期的な目標を持ってインプロビゼーションを形成している。
この日の演奏は、5分近いものから16分近いものまで。さらに発展させるために、スウェーデンの伝説的なリードプレーヤー、クリステル・ボテンを招いた。クリスターは1曲目でドンソ・ンゴニを演奏しているが、彼のパートはまるで時計の歯車のように同期し、オーレン、ヨハン、アンドレアスと滑らかに連携しながら回転している。
ベルリンの「Good Mixture」でJoe Taliaがミックスとマスタリングを担当した『Ghosted』は、プレイヤー間の親密な対話と、プレイヤー間の空間を注意深く管理することに重点を置いています。誰もが常に演奏している音楽において、静寂について考えることは稀であるが、この作品を聴くとそう思う。
それが終わると、Pål Dybwikが描いた霧のかかった夜ののバスケットボール・コートの映像が、このアルバムの精神を体現しているようであり、また誰も想像しなかった方向へと舵を切った。今、それはあなたの空気の中にある。考えるのをやめてはいけない。ただ聴くだけでいい...。
Racine / Amitiés (1/21)
Racineの『Amitiés』の音には、生活感がある。フランス語の「友情」にちなんで名付けられたこのモントリオールを拠点とするケベックのアーティストは、屋内で過ごす長い時間を追って、孤立して自分の体の中にいること、そして同時につながっていることの意味を考えている。このアルバムは、2020年2月にリリースされた『Quelque chose tombe』（『Something Falls』）に続く作品であり、これから起こる危機に対する偶然の予言のようなものであった。
アミティエスは目の前で崩壊していく。ラシーヌが親のハルモニウムを演奏している様子をiPhoneで荒々しく録音したもので始まる「Mon amour je ne guéris jamais」の軋んだ音響は、恐ろしく有機的な美しさのデジタルシミュレーションへとゆっくりと劣化していく。この曲とLPの他の曲は、廃墟のような感じを与える。時間の知恵でほこりまみれになった、擦り切れた土のような感覚だ。しかし、この曲はほぼ全てシミュレーションで作られている。「Arête coincée dans une amygdale」では、Native Instrumentsのヴァイオリンのパッチが、軋んだ雰囲気を際立たせている。「Grosso」の孤独な銅鑼と鐘は、シンセサイザーで作られたアンビエントの突風の中で共鳴している。ヴォーカル・プラグインやYouTubeで録音された声がスピードアップ、グリッチ、ピッチ、スクランブルされ、解読不可能な状態になる。これらのヴォーカルの幻影は、まるで人と人が接触したときの幽霊のように、音のエーテルに浮かんでは消える。大胆で表情豊か、深い憂いを帯びながらも、喜びや人生の美しさを認識する可能性に満ちている。
『Amitiés』の音色と雰囲気は、この社会的相互作用の欠如、つまり、あまりに孤独なことによる頭脳的な精神病にある。内的なカオスと疎外感から無感覚になるためのスコアであるこのアルバムの鋭い苦痛の感覚は、小さな共同制作者と影響を受けた人たちのネットワークによってのみ和らげられるのである。「Mon amour je ne guéris jamais」では、Justin Leduc-Frenette (aka Keru Not Ever)がドラム・プログラミングを担当している。また、ドイツのデュオ、Arigtoによる「Sans titre」は、Racineの煤けたポストクラシカル・サウンドスケープの重みと音色にマッチしている。
結局のところ、『Amitiés』は非人間的な環境に対する非常に人間的な反応なのである。友人への親密なオマージュであり、距離がもたらす不思議な効果であり、同時に苦難の中に癒しを見出すものでもある。
Raum / Daughter (2/5)
リズ・ハリス（Liz Harris）は不思議な動きを続けている。彼女は、愛されているプロジェクト、Grouperの発案者である。つい数カ月前、彼女は3年ぶりにGrouperの新作『Shade』をリリースした。しかし、ハリスはさまざまな方法で、時にはコラボレーターと一緒に音楽を作ることもある。今日、何の前触れもなく、リズ・ハリスの別のプロジェクトが約10年ぶりのアルバムをリリースした。
数年前、リズ・ハリスは、レーベルRoot Strataを主宰し、ポストロックバンドTarantelを代表とする多くのプロジェクトに参加している多作な実験音楽家、ジェフレ・キャンツ・リデスマ（Jefre Cantu-Ledesma）とチームを組んだ。ラリスとキャンツ・リデスマはRaumというデュオを結成し、2013年に『The Event Of Your Leaving』というソフトドローンのようなアルバムをリリースしている。今日、彼らはそのアルバムに続き、『Daughter』という別のアルバムを発表している。
一聴して、『Daughter』はぼんやりとした情緒的な作品である。完全にインストゥルメンタルで、霧に包まれたような没個性的なムードが漂っているようだ。Grouperの「Bandcamp」のページでは、このアルバムをこのように説明している：
『Daughter』は砂漠で過ごした奇妙な時間をとらえ、一緒にそこにいた友人を失ったのち、後に付け加え、編集し、ようやく意味をなすようになった。そこには始まりの断片と深い喪失感がある。
鎮魂歌、子守唄、別れ。
このアルバムは、1つの長い作品として機能している。各曲は間髪入れずに次のトラックへ移行する。
ダウンロードする際は、ギャップレス再生に設定し、MP3以外のメディアでダウンロードすると、オリジナルのタイミングで聴くことができる。
Raury /
Strawberry Moon (6/14)
ヒップホップ・アルバムでケンドリック・ラマー並みに楽しみにしていた新譜
Rob Collier /
Driftwood and Other Found Objects (2/3)
カシオの「CZ-1 Phase Distortion Synthesizer」（+ Electric Bass on Tracks 1 + 3）を使って制作されたアルバム。5年以上前に録音されたアルバムだが、とても懐かしく感じさせる。冨田勲、ウェンディ・カルロス、ヴァンゲリスなど、電子音楽のパイオニアたちとうまく並んでいる。Music for Interiors
ROSALÍA / MOTOMAMI (3/18)
Sabrina Claudio /
Based on a Feeling (5/6)
Sam Gendel, Antonia Cytrynowicz /
LIVE A LITTLE (5/13)
やっぱサム・ゲンデルすごい
Sélène Saint-Aimé
/ Potomitan (3/25)
デビューアルバム『Mare Undarum』では、月の影響を詩的に音楽に転写したセレーヌ・サンタイメだが、この2作目では、カリブ海の文化遺産をトランスミッションしている。
アンティル地方では、Potomitanとは、ハイチのブードゥー教寺院における構造的・精神的な木製の支柱のことだが、同時に家族の親和を支える母親の意味もある。パンデミックに見舞われたマルティニークで何カ月も過ごしたセレーネにとって、このタイトルは当然の選択だった。
父方の祖母との長い会話から、家族の歴史、人生、子供時代の思い出、カリブ女性の強さなど、すべてがこのレコードの執筆と録音に「注入」されている。
アルバムは表題曲を中心に象徴的に展開され、前作から参加したタンブイの巨匠ソニー・トルーペ（Kaドラム、グアドループ）とボリス・レーヌ・アデレイド（Bèlèドラム、マルチニーク）を加えたトリオによる解釈も相まって、ひとつのアナロジーとして機能している。コントラバス、セレーヌの声、そしてこれらのドラムの相互作用がこのアルバムの中心にある。
1曲目の「Arawak Uhuru」（スワヒリ語で自由）は、少なくとも1世紀以降にマルティニークに存在した多くのアメリカ先住民を称える、1小節に3拍子の壮大なベールである。アラワク語は厳密な意味での民族ではなく、むしろ言語的なファミリーを指す。
テナーサックスのアーヴィン・アカオ（Irving Acao）も、マルティニークのベリヤ（Martinican Béliya）の伝統的なテーマをベースに、キューバの音とリズムで肉付けしたヴォーカル・トランスに参加している。
トランペット奏者のハーモン・メハリ（Hermon Méhari）は、ほとんどの曲でアーヴィングとブラスセクションを組み、彼と同じくカンザスシティ出身のチャーリー・パーカーの「The Bird」を独自に演奏している。
もうひとつのジャケットは、シベリウス作曲の管弦楽組曲「ペレアスとメリザンド」のテーマをセレーヌがアレンジしたもの。マティアス・レヴィ（Mathias Lévy）のヴァイオリンとギヨーム・ラティル（Guillaume Latil）のチェロを前面に押し出し、弦楽トリオとヴォーカルのためのバージョンになっている。この曲は、ちょうど100年前に生まれたセレーヌの母方の祖母に捧げられたもので、その先にあるものとの対話のような曲だ。
全編を通して母国語で歌い続ける彼女だが、アルバムは、初の英語曲「White Birds, Silver Tree」で締めくくられる。セレーヌはこの曲を、叔父のバナナ畑にある、サギが巣を作るためにやってくる場所で書いた。ロサパルドが描いたスリーヴには、マルティニークの北のどこかにある川辺を飾る銀色に輝く枯れ木の近くに、その姿が描かれている。
レコーディングは、繰り返しのない、（ほとんど）楽譜のない、有機的なセッションで行われ、セレーネが部屋にあったピアノでメロディーをメンバーに指示した。リズムは歌われ、ドラムで再現され、集団の音を生で捉えた録音となった。
『Potomitan』は、堅苦しい焼き直しや汎カリブ海フュージョンとは一線を画し、アフロ子孫文化の精神的、音楽的源泉を汲み、即興によって生き生きとした新しいフォークロアを創造しているのである。
The Smile /
A Light for Attracting Attention (5/13)
Soul Glo /
Diaspora Problems (3/25)
Spiritualized /
Everything Was Beautiful (4/22)
ジェイソン・ピアースを中核とし、英国の轟音サイケデリアを標榜するスピリチュアライズド、3年ぶり9作目のアルバムがリリース。
アルバムからのリード・トラック「Always Together With You」では、美しいメロディと、折り重なりドローンを形作る合唱がセカンド・サマー・オブ・ラヴの多幸感を呼び覚ますようなサウンドが実現しています！30人以上のゲストミュージシャンを招聘し、11もの異なるスタジオで録音されたという制作環境も、ロックダウンという状況にあらがうような姿勢が大いに反映されていそうですが、今までにリリースしてきた作品の中で最も「ライヴ」なサウンドに仕上がっているとのこと。
St. Paul and The Broken Bones
/ Alien Coast (1/28)
単純にカッケェ。ミックスはMatt Ross-Spang、マスタリングはMike Bozzi（Bernie Grundman Mastering）
Too Tall To Sing , Flin van Hemmen & Jozef Dumoulin / New Dance Moves (3/18)
個人的な悲劇、パンデモニウムの初期段階にある世界、そして互いの音楽活動への関心の高まり、これら全てがFlin van HemmenとJozef Dumoulinが一緒にアルバムを作ることを決意するのに必要なことだった。2020年の初め、彼らはそれぞれの故郷であるニューヨークとパリの間でサウンドファイルのやり取りを始め、その結果、現在『New Dances Moves』で聴くことができる曲の数々が生まれたのである。
一方がもう一方に音源を送り、それに反応した相手が何かを付け加えたり変形させたりして（多くの場合、かなり劇的な方法で）、塵が積もるまで何度も送り返すという、プロセスそのものは非常にシンプルであった。パーカッション、ピアノ、キーボード、エレクトロニック・プログラミング、そして何よりもサンプリングやフィールド・レコーディングなど、さまざまな楽器やサウンドが集まった。
数年前、FlinとJozefはアコースティック・ジャズ・カルテットで一緒に演奏していたが、次第に彼らの興味はより抽象的な音の探求へと向かっていった。その結果、美しく、奇妙で、静かで、夢幻的な音楽が生まれ、耳を通して目の内側に訴えかけてくる。そして、誰もが壁の間に閉じ込められていたときに、そのオーディオ的な表現においてミニマルになった地球の肖像は憂鬱になりかねないが、それは全く逆で、最も貴重で本質的な人間の生活なのである。
V.A. /
For The Birds: The Birdsong Project, Vol. I
𝒇𝒐𝒓 𝒕𝒉𝒆 𝒃𝒊𝒓𝒅𝒔 𝒇𝒐𝒓𝒆𝒗𝒆𝒓
V.A. / Spring Snow (5/27)
旅と自然の風景からインスピレーションを受ける北カリフォルニアのレーベル〈Mirae Arts〉からコンピレーションアルバム『Spring Snow』のリリースが発表。5月27日にレコードとデジタルでリリースされる。先行で、Jiyoung WiとLi Yileiの楽曲が公開されている。
『Spring Snow』は、異なる文化や音楽的背景を持つ8人のアーティストが、「ノスタルジア」という言葉について自由に解釈して楽曲を制作した。ノスタルジアという言葉は、ギリシャ語のnostos（帰郷）とalgos（苦痛）に由来する。Jiyoung WiとLi Yilei以外には、Lucy Liyou、Sawako、Gonima、Forest Management、Gaël Segalen、Evicshenが参加。
The Weeknd / Dawn FM (1/6)
Wet Leg / Wet Leg (4/8)
Whatever the Weather /
Whatever the Weather (4/8)
教育助手からUKで最も興味深いプロデューサーになったロレイン・ジェイムス（Loraine James）の出世は、彼女の音楽と同様、決して平凡なものではなかった。クラブミュージック的な感覚と荒涼としたポストレイブ的な雰囲気を組み合わせたり、不定形のエレクトロニカと生のドリルエネルギーの間に意外な中間領域を見出したりと、ジャンルに圧力をかけ、端から端まで血を流している時が彼女のベストであり、グリッチからリズム、話し言葉から地中まで、彼女の遊び場に入らないものはないのである。Whatever the Weatherのようなアンビエントを主体とした作品が、完璧に不完全な意味を持つのはそのためだ。
天候と気温の概念に基づき、ジェイムスは度数の計測をシンプルな目印として使い、彼女のプロセスを邪魔されることなく、潜在意識を自由に流れるようにする。また、リスナーとしては、各トラックに時間と場所の主観的な感覚を与えるのに役立つトランスポータブルなトーンを設定し、簡単にリードインできることを証明している。
オープニングの「25℃」はドリーミーなメロディーとソフトフォーカスで、熱波と暑い日の日陰をダンスするような曲。「0℃」はキメのあるコードに散らばるブレイクとスタティックフラッシュでエイフェックス・ツイン（Aphex Twin）の『Selected Ambient Works 85-92』に押し込んでいて、「2℃」では嵐雲が立ち込めるような断続的な脅威に少しドラマ性を出している。「17℃」は、パーカッシブなブレイクと脈打つサスペンションが調和し、構造と雰囲気の間に重要な距離を見いだしています。ヘッドフォンをつけたままバスの窓から街を眺めるようなもので、見慣れた時間と空間が異なる形で流れている。8/10
見ず知らずの人同士でも、少なくともこの島では、天気に関する会話が交わされることが多い。鈍い雲、激しい風、ちらりと見える太陽、こうした日々の繰り返しは、丁寧な会話をするための重要な装置であり、集団的な経験として定着しているのだ。
ロンドン在住のプロデューサー、ロレイン・ジェイムス（Loraine James）はこのことを理解しているようだ。彼女の新しいプロジェクトは、「Whatever The Weather」というアンビエント寄りの名義でリリースされ、いつもの歪んだクラブキックとスネアの多くを、ビートのない明るいパッドに置き換えたもので、それぞれのトラックには異なる気温を表すタイトルが付けられている。「36°」は雲ひとつない灼熱の夏の日を思わせ、「4°」は突風のようなノコギリの歯のようなシンセサイザーが印象的だ。
アンビエント・ミュージックというのは意外と難しいもので、このようなコンセプトのアルバムは、ビートのない投げやりで退屈なものになりかねない。しかし、ジェイムスは新しい名義でも創造性や幅広いプロデュース能力を失うことなく、ジャングル（「17°」）やR&B（「30°」）から90年代のIDM（「0°」）まで、あらゆるジャンルに首尾よく触れることに成功している。
珍しいことに、ジェイムスはこのプロジェクトのインスピレーションとして、マスロックとエモを挙げている。これはユニークなつながりだが、その兆候はある。数学ロックのパイオニアであるDon Caballero（ジェイムスの最近のラジオ番組で取り上げられた）は「June Is Finally Here」という曲を持っており、天候からインスピレーションを得た、同じように節くれだった、オフキルターなインストルメンタル曲である。アメリカン・フットボール（American Football）もセルフタイトルデビュー作の「The Summer Ends」で同じようなことをしており、そのみずみずしいメロディーは、この曲のソフトな瞬間とそれほどかけ離れてはいない。
ブリアル（Burial）の最新EP『Antidawn』は40分以上に渡ってハイテクな灰色を表現しているが、『Whatever The Weather』は幸いにもLoraine Jamesらしい作品であり、多様な実験による予想外の新しいステップであり、まだ顔を出していない春にぴったりの一枚である。8/10
Wilco / Cruel Country (5/27)
YĪN YĪN /
The Age of Aquarius (3/4)
yuga (優河) /
Wordless Nights (言葉のない夜に)
3/23
Honorable Mention
◉→中でも良かったアルバム
1. Aaron Burnett / Correspondence (1/7)
2. acid granny / Urban Hurling (2/11)
3. Action Bronson / Cocodrillo Turbo (4/29)
4. Adela Mede / Szabadság (2/25)
5. Afrorack / The Afrorack (5/27) ◉
6. Aldous Harding / Warm Chris (3/25)
7. Alex Cameron / Oxy Music (3/11)
8. Anadol / Felicita (3/18)
9. Andrew Bird / Inside Problems (6/3)
10. Andy Bell / Flicker (2/11)
11. Angel Olsen / Big Time (6/3)
12. Anteloper / Pink Dolphins (6/17)
13. aNTOJE / Null Data (3/11)
14. Alyssa Gengos / Mechanical Sweetness (2/25)
15. Arnaud Dolmen / Adjusting (1/28)
16. Axel Boman / Luz (4/15)
17. Baja Desejo / SIM SIM SIM (1/26)
18. Barrie / Barbara (3/25)
19. Beady Belle / Nothing but the Truth (4/29)
20. Benny the Butcher / Tana Talk 4 (3/11)
21. Biliana Voutchkova, Michael Zerang / The Emerald Figurines (3/4)
22. Black Dresses / Forget Your Own Face (2/14)
23. Black Star / No Fear of Time
24. BODEGA / Broken Equipment (3/11)
25. Bogdan Raczynski / ADDLE (3/18)
26. Boris / W (1/20)
27. Camp Cope / Running with the Hurricane (3/25)
28. Cath Roberts, Olie Brice / Conduits (3/25)
29. Chakra Efendi / I of the Err (2/17)
30. Charli XCX / Crash (3/18)
31. Charlotte Adigéry & Bolis Pupul / Topical Dancer (3/4)
32. Chris Brain / Bound to Rise (4/22)
33. Christian Lee Hutson / Quitters (4/1)
34. Cities Aviv / Man Plays the Horn (2/4) ◉
35. Cloakroom / Dissolution Wave (1/28)
36. Cola / Deep in View (5/20)
37. Colpitts / Music from the Accident (3/18)
38. Combo Chimbita / IRE (1/28)
39. Congotronics International / Where’s the One? (4/29)
40. Conway the Machine / God Don’t Make Mistakes (2/25)
41. Crystal Murray / Twisted Bases (2/11)
42. Dana Gavanski / When It Comes (4/29)
43. Daniel Rossen / You Belong There (4/8)
44. Daniel Villarreal / Panama 77 (5/25) ◉
45. deathcrash / Return (1/28) ◉
46. Delvon Lamarr Organ Trio / Cold As Weiss (2/11)
47. Deserta / Every Moment, Everything You Need (2/25)
48. Diatom Deli / Time~lapse Nature (5/13)
49. Digga D / Noughty By Nature (4/15)
50. Dion Lunadon / Beyond Everything (6/10) ◉
51. Dylan Moon / Option Explore (6/17)
52. Earl Sweatshirt / Sick! (1/14)
53. Ecko Bazz / Mmaso (3/18)
54. Emanuela / MADE IN HEAVEN
55. Empath / Visitor (2/10) ◉
56. Eric Dubois Quartet / Eric Dubois Quartet ◉
57. Ethel Cain / Preacher’s Daughter (5/12)
58. EXEK / Advertise Here (2/4)
59. exociety / deception falls (3/11) ◉
60. Father John Misty / Chloë and the Next 20th Century (4/8) ◉
61. FKJ / ＶＩＮＣＥＮＴ (6/10) ◉
62. Florence + the Machine / Dance Fever (5/13)
63. Fontaines D.C. / Skinty Fia (4/22)
64. Gerald Clayton / Bells on Sand (4/1)
65. Girlpool / Forgiveness (4/29)
66. Good Looks / Bummer Year (4/8)
67. Grace Ives / Janky Star (6/10)
68. Hannah Peel, Paraorchestra / The Unfolding
69. Harry Styles / Harry’s House (5/20) ◉
70. Honeyglaze / Honeyglaze (4/29)
71. Horsegirl / Versions of Modern Performance (6/3) ◉
72. Huerco S. / Plonk (2/25)
73. Ibeyi / Spell 31 (5/6) ◉
74. Immanuel Wilkins / The 7th Hand (1/28)
75. Infant Finches / Sci-Fi Immune (6/3)
76. James Blake / Wind Down (5/23)
77. Jana Rush / Dark Humor (3/25)
78. Jeff Mills / Mind Power, Mind Control
79. Joel Ross / The Parable of the Poet (4/15)
80. John Scofield / John Scofield (5/6)
81. Just Mustard / Heart Under (5/27)
82. Kaitlyn Aureila Smith, Emile Mosseri - I Could Be Your Dog / I Could Be Your Moon (5/27)
83. Kaja Draksler / In Otherness Oneself (4/16)
84. Kathryn Joseph / for you who are the wronged (4/22)
85. Kaycyy / Get Used To It (Mixtape) 6/2
86. Kee Avil / Crease (3/11) ◉
87. Kehlani / Blue Water Road (4/29)
88. Kelly Lee Owens / LP.8 (4/29)
89. Kikagaku Moyo (幾何学模様) / Kumoyo Island (クモヨ島) ◉
90. Kilo Kish / AMERICAN GURL (3/25)
91. King Gizzard & The Lizard Wizard / Omnium Gatherum (4/22)
92. King Hannah / I’m Not Sorry, I Was Just Being Me (2/25)
93. Kim Petras / Slut Pop (2/10)
94. Knucks / ALPHA PLACE (5/6)
95. Kumo 99 / Body N. Will (5/2)
96. KYLE / It’s Not So Bad (1/28)
97. LANNDS / lotus deluxe (2/11)
98. Loop / Sonancy (3/25)
99. Lorca / Saudade (4/11)
100. Lucky Daye / Candydrip (3/18)
101. Luna Li / Duality (3/4)
102. Mamas Gun / Cure the Jones (4/1)
103. Maridalen / Bortenfor (3/25)
104. Masayo Koketsu / FUKIYA (5/20)
105. Masked Pickle / 7 (4/8)
106. Melts / Maelstrom (6/17)
107. Mitski / Laurel Hell (2/4)
108. MJ Lenderman / Boat Songs (4/29)
109. model home / Saturn in the Basement (5/20)
110. Molly Nilsson / Extreme (1/14)
111. Mona Evie / Chó Ngồi Đáy Giếng (3/5)
112. More Eaze & Claire Rousay / Never Stop Texting Me (2/10)
113. MOTHERMARY / I Am Your God (1/28)
114. Nduduzo Makhathini: In The Spirit of Ntu (5/27)
115. No Monster Club / Deadbeat Effеrvescent (2/11)
116. Nilüfer Yanya / PAINLESS (3/4) ◉
117. Obongjayar / Some Nights I Dream of Doors (5/13)
118. Octavian / Alpha (5/6) ◉
119. OK:KO / Liesu (4/15)
120. Onlybino! / luv2hat3 (5/27) ◉
121. Organ Tapes / 唱着那无人问津的歌谣 (4/29)
122. oso oso / sore thumb (3/18)
123. Peach Pit / From 2 to 3 (3/4) ◉
124. Petter Eldh, Koma Saxo, Sofia Jernberg / Koma West (3/18)
125. Perfume Genius / Ugly Season (6/17) ◉
126. Phelimuncasi / Ama Gogela (5/13)
127. plaaaato / Даа (6/3)
128. A Place to Bury Strangers / See Through You (2/4)
129. Plastikman, Chilly Gonzales / Consumed in Key (4/1)
130. Porridge Radio / Waterslide, Diving Board, Ladder To The Sky (5/20)
131. Predawn (清水美和子) / The Gaze (4/13)
132. PUTOCHINOMARICÓN & Chenta Tsai / JÁJÁ ÉQÚÍSDÉ (Distopía Aburrida) (4/22)
133. Ravyn Lenae / Hypnos (5/20)
134. Real Lies / Lad Ash (4/22) ◉
135. RealYungPhil / Dr. Philvinci (2/13)
136. redveil / learn 2 swim (4/20)
137. Rema / Rave & Roses (3/25)
138. Rojuu / KOR KOR LAKE (2/4)
139. S. Carey / Break Me Open (4/22)
140. Saba / Few Good Things (2/4)
141. Salamanda / ashbalkum (6/10)
142. SASAMI / Squeeze (2/25)
143. Seb Wildblood / do you feel it too? (5/18) Electronica
144. SERVICE / Drag Me (5/6)
145. Shamir / Heterosexuality (2/11) ◉
146. Shintaro Sakamoto (坂本慎太郎) / Like a Fable (物語のように) 6/3
147. Signe Emmeluth, Knedal Andersen, Skavhaug Nergaard / The A-Z of Microwave Cookery (3/4)
148. Silvana Estrada / Marchita (1/21) ◉
149. Sinead O’Brien / Time Bend and Break The Bower (6/10)
150. Slaters / Everything All At Once Again (2/25)
151. Soccer Mommy / Sometimes, Forever (6/24)
152. Smith Komma John / Music for Humans (4/1)
153. Swamp Dogg / I Need a Job... So I Can Buy More Auto-Tune (2/25)
154. Takuma Matsunaga (松永拓馬) / ちがうなにか (3/22)
155. Tim Bernandes / Mil Coisas Invisíveis (6/14)
156. tofubeats / REFLECTION (5/18)
157. Tomas Fujiwara’s Triple Double / March (3/4)
158. Tomberlin / i don’t know who needs to hear this... (4/29)
159. Toro y Moi / MAHAL ◉
160. Valeria Almeida / Secrets (4/11)
161. V.A. / Black Lives - from Generation to Generation (3/25)
162. V.A. / Geometry of Trees (5/20)
163. V.A. / Kribo Records - Sounds of Lecak Vol. 1 (6/1)
164. V.A. / Weavings (2/24)
165. Vox Populi / Psyko Tropix (4/8)
166. Wah Together / Let's Wah Together (3/4)
167. War Paint / Radiate Like This (5/6)
168. Warm Graves / Ease (2/25)
169. WESTSIDE BOOGIE / MORE BLACK SUPERHEROES (6/17) ◉
170. Whethan / MIDNIGHT (4/29)
171. Whozyerman? / Blink (2/4) ◉
172. WiFiGawd / Chain of Command (2/23)
173. Wilma Vritra / Grotto (5/6)
174. Xênia França / Em Nome da Estrela (6/3) ◉
175. Yank! / Stupa (1/26)
176. YankaNoi / Alma (4/20)
177. Yaya Bey / Remember Your North Star
178. Ye Vagabonds / Nine Waves (5/13)
179. Your Old Droog / Yod Stewart (5/27)
180. Yves Jarvis / The Zug (5/13)
181. Zelooperz / Get WeT.Radio (3/18)
182. Zola Jesus / Arkhon (6/24)
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