ラジオ生活：ベストオブクラシック チャイコフスキー「ピアノ協奏曲 第1番 作品23」

聞き逃しサービス 2024/01/25 放送
ベストオブクラシック
オーストラリアのオーケストラ(4)
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「ピアノ協奏曲 第1番 変ロ短調 作品23」
作曲： チャイコフスキー
ルカーシュ・ヴォンドラーチェク(ピアノ)
西オーストラリア交響楽団(管弦楽)
アッシャー・フィッシュ(指揮)
（34分51秒）
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開始より21分32秒頃 (終了より１時間18分28秒前頃)
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配信終了 2024/02/01 21:10

　（すでに配信終了してます）

番組情報

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チャイコフスキー「ピアノ協奏曲 第1番 作品23」
wikipedia 日本版> https://ja.m.wikipedia.org/wiki/ピアノ協奏曲第1番_(チャイコフスキー)

ピアノ協奏曲第1番 (チャイコフスキー) - Wikipedia

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　ピアノ協奏曲第1番 変ロ短調 作品23 は、ピョートル・チャイコフスキーが、友人のモスクワ音楽院院長のニコライ・ルビンシテインに刺激を受け、初めて作曲したピアノ協奏曲である。
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〜［上記wikipediaより抜粋］

チャイコフスキー「ピアノ協奏曲 第1番 作品23」
Piano Concerto No. 1 (Tchaikovsky)
wikipedia EN (英語版)> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Piano_Concerto_No._1_(Tchaikovsky)

Piano Concerto No. 1 (Tchaikovsky) - Wikipedia

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　The Piano Concerto No. 1 in B♭ minor, Op. 23, was composed by Pyotr Ilyich Tchaikovsky between November 1874 and February 1875. It was revised in 1879 and in 1888. It was first performed on October 25, 1875, in Boston by Hans von Bülow after Tchaikovsky's desired pianist, Nikolai Rubinstein, criticised the piece. Rubinstein later withdrew his criticism and became a fervent champion of the work. It is one of the most popular of Tchaikovsky's compositions and among the best known of all piano concerti.
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【Structure】
　The concerto follows the traditional form of three movements:
　I. Allegro non troppo e molto maestoso – Allegro con spirito (B♭ minor – B♭ major)
　II. Andantino semplice – Prestissimo – Tempo I (D♭ major)
　III. Allegro con fuoco – Molto meno mosso – Allegro vivo (B♭ minor – B♭ major)
　A standard performance lasts between 30 and 36 minutes, the majority of which is taken up by the first movement.
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《 I. Allegro non troppo e molto maestoso – Allegro con spirito》
　The first movement starts with a short horn theme in B♭ minor, accompanied by orchestral chords that quickly modulate to the lyrical and passionate theme in D♭ major. This subsidiary theme is heard three times, the last of which is preceded by a piano cadenza, and never appears again throughout the movement. The introduction ends in a subdued manner. The exposition proper then begins in the concerto's tonic minor key, with a Ukrainian folk theme based on a melody that Tchaikovsky heard performed by blind lirnyks at a market in Kamianka (near Kyiv). A short transitional passage is a call and response section on the tutti and the piano, alternating between high and low registers. The second subject group consists of two alternating themes, the first of which features some of the melodic contours from the introduction. This is answered by a smoother and more consoling second theme, played by the strings and set in the subtonic key (A♭ major) over a pedal point, before a more turbulent reappearance of the woodwind theme, this time reinforced by driving piano arpeggios, gradually builds to a stormy climax in C minor that ends in a perfect cadence on the piano. After a short pause, a closing section, based on a variation of the consoling theme, closes the exposition in A♭ major.
　The development section transforms this theme into an ominously building sequence, punctuated with snatches of the first subject material. After a flurry of piano octaves, fragments of the "plaintive" theme are revisited for the first time in E♭ major, then for the second time in G minor. Then the piano and the strings take turns playing the theme for the third time in E major while the timpani furtively plays a tremolo on a low B until the first subject's fragments are continued.
　The recapitulation features an abridged version of the first subject, working around to C minor for the transition section. In the second subject group, the consoling second theme is omitted; instead the first theme repeats, with a reappearance of the stormy climactic build previously heard in the exposition, but this time in B♭ major. The excitement is cut short by a deceptive cadence. A brief closing section comprises G-flat major chords played by the whole orchestra and the piano. Then a piano cadenza appears, the second half of which contains subdued snatches of the second subject group's first theme in the work's original minor key. B♭ major is restored in the coda, when the orchestra reenters with the second subject group's second theme; the tension then gradually builds, leading to a triumphant conclusion, ending with a plagal cadence.
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《 II. Andantino semplice – Prestissimo – Tempo I 》
　The second movement, in D♭ major, is in 6
8 time. The tempo marking, "andantino semplice", lends itself to a range of interpretations; the World War II-era recording by Vladimir Horowitz and Arturo Toscanini completed the movement in under six minutes, while toward the other extreme, Lang Lang recorded the movement with the Chicago Symphony Orchestra conducted by Daniel Barenboim in eight minutes.
・Measures 1–58: Andantino semplice
・Measures 59–145: Prestissimo
・Measures 146–170: Tempo I
　After a brief pizzicato introduction, the flute carries the first statement of the theme. The flute's opening four notes are A♭–E♭–F–A♭, while each other statement of this motif in the remainder of the movement substitutes the F for a (higher) B♭. The British pianist Stephen Hough suggests this may be an error in the published score, and that the flute should play a B♭. After the flute's opening statement of the melody, the piano continues and modulates to F major. After a bridge section, two cellos return with the theme in D♭ major and the oboe continues it. The A section ends with the piano holding a high F major chord, pianissimo. The movement's B section is in D minor (the relative minor of F major) and marked "allegro vivace assai" or "prestissimo", depending on the edition. It commences with a virtuosic piano introduction before the piano assumes an accompanying role and the strings commence a new melody in D major. The B section ends with another virtuosic solo piano passage, leading into the return of the A section. In the return, the piano makes the first, now ornamented, statement of the theme. The oboe continues the theme, this time resolving it to the tonic (D♭ major) and setting up a brief coda which finishes ppp on another plagal cadence.
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《 III. Allegro con fuoco – Molto meno mosso – Allegro vivo 》
　The final movement, in rondo form, starts with a very brief introduction. The A theme, in B♭ minor, is march-like and upbeat. This melody is played by the piano until the orchestra plays a variation of it ff. The B theme, in D♭ major, is more lyrical and the melody is first played by the violins, and by the piano second. A set of descending scales leads to the abridged version of the A theme.
　The C theme is heard afterward, modulating through various keys, containing dotted rhythm, and a piano solo leads to:
　The later measures of the A section are heard, and then the B appears, this time in E♭ major. Another set of descending scales leads to the A once more. This time, it ends with a half cadence on a secondary dominant, in which the coda starts. An urgent buildup leads to a sudden crash with F major octaves as a transition point to the last B♭ major melody played along with the orchestra, and it fuses into a dramatic and extended climactic episode, gradually building to a dominant prolongation. Then the melodies from the B theme are heard in B♭ major. After that, the final part of the coda, marked allegro vivo, draws the work to a conclusion on a perfect authentic cadence.
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〜［Excerpted from above wikipedia］

〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
　ピアノ協奏曲第1番変ロ短調作品23は、ピョートル・イリイチ・チャイコフスキーが1874年11月から1875年2月にかけて作曲した。1875年10月25日、チャイコフスキーの憧れのピアニストであったニコライ・ルービンシュタインがこの曲を批判した後、ハンス・フォン・ビューローによってボストンで初演された。ルービンシュタインは後に批判を撤回し、この作品の熱烈な支持者となった。チャイコフスキーの作品の中でも最も人気が高く、ピアノ協奏曲の中でも最もよく知られた曲のひとつである。
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【構造】
　この協奏曲は、3楽章からなる伝統的な形式に従っている：
　I.アレグロ・ノン・トロッポ・エ・モルト・マエストーソ～アレグロ・コン・スピリット（変ロ短調～変ロ長調） II.
　II.アンダンティーノ・センプリーチェ～プレッシッシモ～テンポⅠ（変ニ長調）
　III.アレグロ・コン・フオーコ～モルト・メノ・モッソ～アレグロ・ヴィーヴォ（変ロ短調～変ロ長調）
　標準的な演奏時間は30分から36分で、その大半を第1楽章が占める。
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《 I. Allegro non troppo e molto maestoso - Allegro con spirito 》
　第1楽章は変ロ短調の短いホルン主題で始まり、オーケストラの和音を伴ってすぐに変ニ長調の叙情的で情熱的な主題に転調する。この副次主題は、ピアノのカデンツァに先立って3回聴かれ、楽章を通して再び現れることはない。序奏は控えめに終わる。その後、協奏曲のトニック・マイナー調で、チャイコフスキーがカミアンカ（キエフ近郊）の市場で盲目のリルニクが演奏するのを耳にした旋律に基づくウクライナ民謡の主題で、本来の序奏が始まる。短い経過部は、トゥッティとピアノによるコール・アンド・レスポンスで、高音域と低音域が交互に繰り返される。第2主題群は2つの主題が交互に現れる。木管楽器の主題が再び現れると、今度はピアノのアルペジオによって強化され、徐々にハ短調の嵐のようなクライマックスへと盛り上がり、ピアノの完璧なカデンツで終わる。短い休止の後、慰めの主題の変奏に基づく終結部が、変イ長調で暴露部を閉じる。
　展開部では、この主題が、最初の主題の断片で区切られながら、不吉に構築されるシークエンスへと変容する。ピアノのオクターヴが飛び交った後、「平穏な」主題の断片が、変ホ長調で初めて、そしてト短調で2度目となる。その後、ピアノと弦楽器が交互にホ長調で3度目の主題を演奏し、ティンパニが低音のロでトレモロを弾く。
　再現部では第1主題の短縮版が演奏され、移行部ではハ短調に戻る。第2主題群では、慰めに満ちた第2主題が省略され、代わりに第1主題が繰り返される。この興奮は、欺瞞的なカデンツによって断ち切られる。短い終結部は、全オーケストラとピアノによる変ト長調の和音で構成される。そしてピアノのカデンツァが現れ、その後半は、第2主題群の第1主題の控えめな断片が、作品本来の短調で演奏される。コーダでは変ロ長調が復活し、オーケストラが第2主題群の第2主題で再登場する。その後、緊張は徐々に高まり、プラガルカデンツで締めくくられる勝利的な終結へと導かれる。
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《 II.Andantino semplice - Prestissimo - Tempo I 》
　第2楽章は変ニ長調で、6/8 time。アンダンティーノ・センプリチェ」というテンポ記号は、第二次世界大戦時のウラディーミル・ホロヴィッツとアルトゥーロ・トスカニーニの録音では6分弱、極端な例ではラン・ランがダニエル・バレンボイム指揮シカゴ交響楽団と録音した8分など、さまざまな解釈を可能にする。
・第1～58小節：アンダンティーノ・センプリーチェ
・第59～145小節：プレスティッシモ
・第146～170小節テンポ I
　短いピチカートの序奏の後、フルートが主題の第一声を奏でる。フルートの冒頭の4音はA♭-E♭-F-A♭だが、この楽章の残りの部分では、このモチーフの他の各音はFを（より高い）B♭に置き換えている。イギリスのピアニスト、スティーヴン・ハフは、これは出版された楽譜の誤りであり、フルートはB♭を吹くべきだと指摘している。フルートが冒頭で旋律を述べた後、ピアノは続けてヘ長調に転調する。ブリッジ・セクションの後、2つのチェロが変ニ長調の主題で戻り、オーボエがそれを続ける。Aセクションは、ピアノが高いヘ長調の和音をピアニッシモで押さえて終わる。楽章のBセクションはニ短調（ヘ長調の相対短調）で、版によって「アレグロ・ヴィヴァーチェ・アッサイ」または「プレスティッシモ」と記されている。ピアノが伴奏の役割を担い、弦楽器がニ長調の新しい旋律を始める前に、ピアノのヴィルトゥオーゾ的な序奏で始まる。Bセクションは再びヴィルトゥオーゾ的なピアノ独奏のパッセージで終わり、Aセクションに戻る。回帰部では、ピアノが主題の最初の、今度は装飾的な表現を行う。オーボエが主題を続け、今度はトニック（変ニ長調）に解決し、短いコーダを準備する。
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《 III.Allegro con fuoco - Molto meno mosso - Allegro vivo 》
　ロンド形式の最終楽章は、非常に短い序奏で始まる。A主題は変ロ短調で、行進曲のようで明るい。この旋律は、オーケストラがffの変奏曲を演奏するまでピアノによって演奏される。変ニ長調のB主題はより叙情的で、メロディはまずヴァイオリンが、次にピアノが演奏する。下降する音階が続き、A主題の短縮版につながる。
　その後、C主題がさまざまな調を転調しながら聴かれ、付点リズムを含み、ピアノ・ソロが続く：
　Aセクションの後半の小節が聴かれた後、今度は変ホ長調のBが現れる。さらに下降音階が続き、再びAへ。今度は副ドミナントによる半カデンツで終わり、コーダが始まる。切迫した盛り上がりは、ヘ長調のオクターヴを移行点として、オーケストラとともに演奏される最後の変ロ長調の旋律に突然の衝突をもたらし、それは劇的で延長されたクライマックスのエピソードへと融合し、徐々にドミナントの延長へと発展する。そしてB主題の旋律が変ロ長調で聴かれる。その後、アレグロ・ヴィーヴォと記されたコーダの最後の部分が、完璧な正統的カデンツで作品を終結へと導く。
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チャイコフスキー「ピアノ協奏曲 第1番 作品23」
Piano Concerto No. 1 (Tchaikovsky)
wikipedia RU (ロシア版)> https://ru.m.wikipedia.org/wiki/Концерт_для_фортепиано_с_оркестром_№_1_(Чайковский)

Концерт для фортепиано с оркестром № 1 (Чайковский) — Википедия

チャイコフスキー
Pyotr Ilyich Tchaikovsky
Wikipedia EN(英語版)>  https://en.m.wikipedia.org/wiki/Pyotr_Ilyich_Tchaikovsky

Pyotr Ilyich Tchaikovsky - Wikipedia

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　Pyotr Ilyich Tchaikovsky (/tʃaɪˈkɒfski/ chy-KOF-skee; 7 May 1840 – 6 November 1893) was a Russian composer of the Romantic period. He was the first Russian composer whose music would make a lasting impression internationally. Tchaikovsky wrote some of the most popular concert and theatrical music in the current classical repertoire, including the ballets Swan Lake and The Nutcracker, the 1812 Overture, his First Piano Concerto, Violin Concerto, the Romeo and Juliet Overture-Fantasy, several symphonies, and the opera Eugene Onegin.
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【Compositional style】
《Melody》
　American music critic and journalist Harold C. Schonberg wrote of Tchaikovsky's "sweet, inexhaustible, supersensuous fund of melody", a feature that has ensured his music's continued success with audiences. Tchaikovsky's complete range of melodic styles was as wide as that of his compositions. Sometimes he used Western-style melodies, sometimes original melodies written in the style of Russian folk song; sometimes he used actual folk songs. According to The New Grove, Tchaikovsky's melodic gift could also become his worst enemy in two ways.
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《Orchestration》
　Like other late Romantic composers, Tchaikovsky relied heavily on orchestration for musical effects. Tchaikovsky, however, became noted for the "sensual opulence" and "voluptuous timbrel virtuosity" of his orchestration. Like Glinka, Tchaikovsky tended toward bright primary colors and sharply delineated contrasts of texture. However, beginning with the Third Symphony, Tchaikovsky experimented with an increased range of timbres Tchaikovsky's scoring was noted and admired by some of his peers. Rimsky-Korsakov regularly referred his students at the Saint Petersburg Conservatory to it and called it "devoid of all striving after effect, [to] give a healthy, beautiful sonority". This sonority, musicologist Richard Taruskin pointed out, is essentially Germanic in effect. Tchaikovsky's expert use of having two or more instruments play a melody simultaneously (a practice called doubling) and his ear for uncanny combinations of instruments resulted in "a generalized orchestral sonority in which the individual timbres of the instruments, being thoroughly mixed, would vanish".
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《Pastiche (Passé-ism)》
　In works like the "Serenade for Strings" and the Variations on a Rococo Theme, Tchaikovsky showed he was highly gifted at writing in a style of 18th-century European pastiche. Tchaikovsky graduated from imitation to full-scale evocation in the ballet The Sleeping Beauty and the opera The Queen of Spades. This practice, which Alexandre Benois calls "passé-ism", lends an air of timelessness and immediacy, making the past seem as though it were the present. On a practical level, Tchaikovsky was drawn to past styles because he felt he might find the solution to certain structural problems within them. His Rococo pastiches also may have offered escape into a musical world purer than his own, into which he felt himself irresistibly drawn. (In this sense, Tchaikovsky operated in the opposite manner to Igor Stravinsky, who turned to Neoclassicism partly as a form of compositional self-discovery.) Tchaikovsky's attraction to ballet might have allowed a similar refuge into a fairy-tale world, where he could freely write dance music within a tradition of French elegance.
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〜［Excerpted from above wikipedia］

〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
　ピョートル・イリイチ・チャイコフスキー（/tʃaɪˈ 1840年5月7日 - 1893年11月6日）は、ロマン派時代のロシアの作曲家。チャイコフスキーは、国際的な印象を残すことになった最初のロシア人作曲家である。バレエ音楽「白鳥の湖」、「くるみ割り人形」、「1812年」序曲、ピアノ協奏曲第1番、ヴァイオリン協奏曲、「ロメオとジュリエット」序曲、交響曲、オペラ「オイゲーヌ・オネーギン」など、現在のクラシック音楽のレパートリーの中で最も人気のあるコンサート音楽や劇場音楽を作曲した。
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【作曲スタイル】
《メロディ》
　アメリカの音楽評論家でジャーナリストのハロルド・C・ションベルグは、チャイコフスキーの「甘美で、無尽蔵で、超感覚的な旋律」、これが彼の音楽が聴衆に支持され続ける理由だと書いている。チャイコフスキーの旋律スタイルの幅は、彼の作曲の幅と同じくらい広かった。西洋風のメロディーを使うこともあれば、ロシア民謡風に書かれたオリジナルのメロディーを使うこともあり、実際の民謡を使うこともあった。『ニュー・グローヴ』によれば、チャイコフスキーのメロディーの才能は、2つの意味で彼の最大の敵にもなり得たという。
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《オーケストレーション》
　他の後期ロマン派の作曲家同様、チャイコフスキーは音楽的効果のためにオーケストレーションに大きく依存していた。しかしチャイコフスキーは、そのオーケストレーションの「官能的な豪華さ」と「官能的な音色の妙技」で注目されるようになった。チャイコフスキーは、グリンカと同様、明るい原色とテクスチャーの明瞭なコントラストを好む傾向があったが、交響曲第3番から、チャイコフスキーは、より幅広い音色を試すようになった。リムスキー＝コルサコフは、サンクトペテルブルク音楽院の学生たちに定期的にチャイコフスキーを紹介し、「効果の追求を一切排除し、健康的で美しいソノリティを与えている」と評価した。音楽学者のリチャード・タールスキンは、このソノリティは本質的にゲルマン的な効果であると指摘している。チャイコフスキーは、2つ以上の楽器に同時に旋律を演奏させる（ダブリングと呼ばれる手法）ことを巧みに使いこなし、楽器の不思議な組み合わせに耳を傾けた結果、「一般化されたオーケストラのソノリティが生まれた。
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《パスティーシュ（パセイズム）》
　《弦楽セレナーデ》や《ロココの主題による変奏曲》のような作品で、チャイコフスキーは18世紀ヨーロッパのパスティーシュのようなスタイルで作曲する才能に長けていることを示した。チャイコフスキーは、バレエ《眠れる森の美女》とオペラ《スペードの女王》で、模倣から本格的な喚起へと移行した。アレクサンドル・ブノワが "パセイズム "と呼ぶこの手法は、時代を超越した即物的な雰囲気を醸し出し、過去をあたかも現在であるかのように思わせる。実際、チャイコフスキーが過去の様式に惹かれたのは、その中にある構造的な問題の解決策が見つかるかもしれないと感じたからだ。また、彼のロココ調のパスティーシュは、彼自身よりも純粋な音楽世界への逃避を提供し、その世界に抗いがたく引き込まれるのを感じたのかもしれない。(この意味で、チャイコフスキーは、作曲上の自己発見として新古典主義に傾倒したイーゴリ・ストラヴィンスキーとは正反対の道を歩んだのである）。チャイコフスキーはバレエに惹かれ、おとぎ話のような世界に逃げ込み、フランスのエレガンスの伝統の中で自由に舞曲を書くことができたのかもしれない。
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チャイコフスキー
Wikipedia RU(ロシア版)>  https://ru.m.wikipedia.org/wiki/Пётр_Ильич_Чайковский

Чайковский, Пётр Ильич — Википедия

 
 









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