なぜ現代のクラシック音楽には「音楽の調性」が存在しないのか？

はじめに

20世紀初頭を思い浮かべると、どんなイメージが浮かびますか？この時代を急速に発展し、混沌とした時代とする人も多いと思います。それは事実です。実際に、西洋諸国では急激で動揺に満ちた変化の時代でした。科学の重要な進歩が明白になり、帝国主義国家は領土を拡大し、人々は工場で働くようになりました。20世紀初頭は確かに混沌と変革の時代であり、音楽を含む芸術の世界も例外ではありませんでした。

ではなぜこれが起こったのでしょうか？なぜ作曲家たちは「混沌とした音」を奏でるようになったのでしょうか？このブログでは、クラシック音楽が「通常の音楽」から逃れ始めた軌跡を辿ります。19世紀末まで、作曲家たちは私たちが馴染みのあるハーモニーや調性音楽といった伝統的な音楽要素に従っていました。しかし、20世紀初頭には、このような確立された音楽的構造からの脱却が見られ、混沌の時代の精神を反映しています。19世紀の音楽的慣習に従うのではなく、作曲家たちは音楽の革命と革新を求めるようになりました。ここでは革新的な音楽の先駆者のいくつかの例を紹介します！

ドビュッシー

19世紀の作曲家として、最も有名なのはドイツの作曲家でした。ベートーヴェン、シューベルト、ワーグナーを含めて、ドイツは20世紀初頭までクラシック音楽の世界を支配していました。しかし、ドイツからフランスを含む他の国々への音楽的な移行が顕著でした。フランスでは、印象派が美学をリードしていたパリが芸術の最も重要な都市でした。クロード・モネを思い浮かべてみてください。彼の絵画は自然を作品に反映しています。クロード・モネに倣って、ドビュッシーは感情を表現するために豊かなハーモニーを特徴とする印象派の音楽の作曲を始めました。これはまったく新しい音楽のやり方ではありませんが、ドビュッシーの音楽は調性音楽の概念を拒絶する先駆者としての役割を果たしました。

クロード・ドビュッシーは1862年に生まれました。両親は音楽とは関係のない人々で、 父はセールスマンで母は仕立て屋でした 。10歳のときにはすでに彼の音楽的な才能は十分に成熟しており、彼はパリで最も名門の音楽大学に入学することができました。彼はそこでピアノ演奏を学び始めましたが、やがて作曲の才能が輝き始め、作曲家としての道を進み始めました。彼の「月の光」や「海」などの代表作は、この独特のスタイルを象徴しています。ドビュッシーの作品は20世紀の音楽の中で印象的な足跡を残し、ラヴェルやストラヴィンスキーなどの将来の作曲家に深い影響を与えました。

この音楽では、何か違ったものを見つけることができます。大きなものではなく、非常に微妙なニュアンスの変化が起こっています。ドビュッシーが自分のハーモニーの使い方を発明したためであり、それは神秘的で間接的であり、19世紀の調和の解決のアイデアを避けています。メロディも断片化され、曇りがちであり、これによりドビュッシー以前に支配していた構造化された音楽からの脱却を促しています。彼は音楽の慣習を打破することに情熱を注いでおり、「私は音楽を熱烈に愛しています。そして、私はそれを窒息させる貧しい伝統から解放しようと努めています」と述べています。

ストラヴィンスキー

今度はフランスからロシアに移ります！ドビュッシーとは異なり、ストラヴィンスキーはロシアの芸術的な特徴から音楽的な影響を強く受けています。

ストラヴィンスキーは音楽一家に生まれました。父はバス歌手、母はピアニストでした。しかし、ストラヴィンスキーは家族によって法律を学ぶように強制されていました。父の死後、ストラヴィンスキーは音楽の作曲を始めました。彼はロシアで音楽の道に進んだものの、スイス、そしてその後家族とともにフランスに行き、国境を超えた作曲家となりました。最終的に、1939年にアメリカに移住しアメリカ市民となりました。

彼の音楽スタイルはしばしば野蛮なものと見なされており、民族音楽の要素の使用がその理由です。そのハーモニーは不協和音で、彼の音楽を聴く際には不快な感覚を与えます。それは非感情的で重く、抽象的です。さらに重要なことに、リズムが予測不能です！不規則なリズムがストラヴィンスキーの音楽の最も特徴的な要素です。これにより、観客は「春の祭典」の初演中にパニックに陥ったと言います。この作品は暴力的で不協和音で、大きな音で響きます。さらに、この初演に使用された舞台演出は儀式的な殺人を反映しており、観客から暴動が起こりました。

シェーンベルク

フランスとロシアがそれぞれ独自の音楽性を確立する一方で、ドイツとオーストリアではどのようなことが起こっていたのでしょうか？この時期、ヨーロッパの作曲家たちは心理分析的な視点に傾倒する傾向にありました。最も代表的なのは、作曲家たちが音楽におけるヒステリーと悪夢のアイデアに取り憑かれていたことです。この運動は表現主義と呼ばれています。オーストリアの作曲家であるシェーンベルクはドイツ表現主義の中心的な人物でした。

シェーンベルクは1874年9月13日にウィーンで生まれました。8歳のときにバイオリンを弾き始め、それにより作曲に興味を持つようになりました。彼は新しい音楽技術やアイデアを発明することでよく知られています。「不協和音の解放」がその一つです。これは、不協和音が音楽における一時的な緊張を生み出す要素としての伝統的な役割から解放されるべきであるという考えを指します。つまり、音楽に緊張を与える不協和音の伝統的なアイデアとは異なり、解決が必要ないという意味です。不協和なハーモニーは独立して存在することができ、20世紀における究極のパラダイムを提供します。さらに、彼はこの「解決を与えない」という考えに基づいて、革命的な技法である「集列技法」を生み出しました。このシリーズ、または「十二音技法」とも呼ばれる方法は、半音階の12音を用いて作曲する方法です。これは、長調や短調の音階で構成される調性音楽という考えを拒絶します。完全に新しいシステムのジャンルを提供することで、20世紀の音楽は以前の音楽システムからの脱却の方法を探求し始めました。

ここで、シェーンベルクの代表的な無調音楽として「ピエロ・ルナール」を紹介します。これは、彼が集列技法を使い始める前に作曲されたものですが、伝統的な調性の中心やハーモニーが放棄されていることを示しています。「ピエロ・ルナール」のテキストは、ベルギー・フランスの詩人アルベール・ジローによる21の詩のコレクションに基づいています。詩は悲劇的なキャラクターであるピエロを描いており、音楽は狂気、疎外、そして超現実を反映しており、これが表現主義の核心テーマです。

おわりに

同様に、20世紀のクラシック音楽は従来の調性音楽の概念からの根本的な脱却を示していました。伝統的な調性音楽は作曲のためのある種の正統な方法を持っていますが、無調音楽は作曲家により創造的になることを許し、新しい音楽技術やアイデアを発明することができます。その結果、現代のクラシック音楽は不気味で不快で異例なものですが、それは非常に革新的で特異なものと言えるでしょう。