Hiroshi Yoshimura GREEN（Pitchfork）

Hiroshi Yoshimura: GREEN

吉村弘「Green」PitchforkレビューのDeepL翻訳

日本のアンビエントのパイオニアが、1986年にリリースされたカルト的な名作をリイシューすることで、その復活を続けています。

1967年にカナダの作曲家であり 哲学者でもあるR. マレー・シェーファーは 「耳は常に開いている」と書きました 彼は比喩的な意味ではなく 蓋をした目とは異なり、耳は不要な刺激に対して自分自身を閉じることができないため、私たちは侵入してくる音に特に敏感になってしまうのです。シェイファーの観察は、吉村弘のデビューアルバム、1982年の『Music for Nine Postcards』のライナーノーツに再び登場した。吉村のアルバムを最初にリリースしたレーベル「サウンドプロセス」の芦川聡は、シェイファーが工業化された世界の音量の増大に懸念を示したのと同じように、「現在、環境の中の音や音楽のレベルは、人間がそれらを吸収する能力を明らかに超えており、オーディオの生態系は崩壊し始めている」と書いている。音に対する「より意識的な態度」を促すために、彼は吉村の音楽を、パステルカラーの影をたどる繊細なロードスの人物たち、誰もいない広い部屋の中でゆっくりと絡み合う携帯電話のように無目的な螺旋を、一種の緩和剤として提供したのです。

2003年に癌のために亡くなった吉村は、作曲家、デザイナー、歴史家という多面的な才能を持っていました。美術館、ホテル、ランウェイショー、水族館、スポーツスタジアム、東京・神戸の地下鉄、大阪国際空港などのインスタレーションや委嘱作品など、音と建築と日常生活の重なりの中での活動がほとんどであった。その活動は、エリック・サティの「家具音楽」やブライアン・イーノのアンビエント的な調査、そして何世紀にもわたって受け継がれてきた儀式的な伝統を取り入れ、戦後の好景気にふさわしい新しいサイトスペシフィックなサウンドを生み出した、環境音楽の中心人物の一人となった。

しかし、オレゴン州ポートランドのデュオ、Visible Cloaksのスペンサー・ドーランのような人々が吉村の作品を擁護し始めたのは、この10年まで日本以外のリスナーは吉村の遺産についてほとんど知らないままだった。2017年には、DoranとMaxwell August CroyのレーベルEmpire of Signsから『Music for Nine Postcards』がリイシューされ、かつては無名だった日本のアンビエントやエレクトロニック・ミュージックの幅広いリバイバルを後押しした。また、Light in Atticの2019年コンピレーション『観極音楽：1980-1990年日本のアンビエント、環境、ニューエイジミュージック』のキュレーションも担当している。1986年に上原和夫のAIR Recordsからリリースされた『GREEN』は、その回顧的なカタログに加えられただけではなく、カルト的な名盤として高い評価を得ている（このアルバムのYouTubeへのアップロードは、わずか4年で200万回以上再生されている）が、多くの欧米人が理解し始めたばかりのミュージシャンの肖像を詳細に描く上で重要な意味を持っている。

吉村の初期の作品の多くは、リスナーが周囲の空間を知覚するためにデザインされたサウンドスケープである。原美術館の明るいインテリアを意識して書かれた『Nine Postcards』の音楽は、作曲家の窓から垣間見た風景からインスピレーションを得ています。1983年の『Pier & Loft』のノートには、東京湾の倉庫で開催されたファッションショーのサウンドトラックとして、崩壊していく街のノスタルジックな風景が斜めに書かれています。化粧品メーカーの資生堂からは1984年の「かろうじてあるA・I・R（Air in Resort）」がフレグランスのサウンドトラックとして、また1986年の「Soundscape 1: Surround」はプレハブ住宅のサウンドトラックとして配布された。

これらの録音はすべて、特定の音の特徴を共有しています。それは、柔らかく、控えめで、瞑想的で、舌の上で砂糖のように溶けていくような音になりがちです。しかし、GREENは違っています。最初のトラック "CREEK "では、マレットのようなアルペジオが、竹を叩いたような鼓動から立ち上ってくる。これまでの吉村の作品よりも手の込んだ感じがして、より音楽的な感じがして、和声的な驚きが強調されている。

この躍動感はアルバム全体に波及しているが、その中心は静かなままだ。SLEEP」、「GREEN」、「FEET」、「STREET」と続く曲は、「Music for Nine Postcards」の抽象化されたムードを再現しており、「FEET」と「STREET」が本質的にテーマのバリエーションであるという事実によって、その印象は強化されている。しかし、GREENは最も落ち着いた状態でも、音色とテクスチャーの魅力的な配列を誇っています。ある曲では、オーバードリブンのロードスキーボードの優しい響きが前面に飛び出し、別の曲では、FMベースがかすかに響いている。ペンタトニックな音階を好み、長音部や短音部の3分の1を避ける傾向にある吉村は、自分の感情を投影するためのフレームのように感じることが多い。嬉しい、悲しい、青い、動揺している。それはすべての来訪者を歓迎し、必要なときには穏やかな高揚を約束し、不必要な極端なものを取り除くために提供しています。

不思議なことに、GREENの曲のタイトルはすべてアソン音のイー音が共通している。タイトルはオリジナル・スリーブに英語で書かれており、譜面の五線譜を降りてくる暗号的なアクロスティックとともに、"Garden River Echo Empty Nostalgia/Ground Rain Earth Environment Nature "と書かれています。"Garden River Echo Empty Nostalgia/Ground Rain Earth Environment Nature"。オリジナル・リリースのライナー・ノートでは、吉村は「GREENは特に色のことを指しているわけではありません。私はこの言葉の音韻の良さが好きで、曲名も言語的な特徴が似ているということで選びました。GREENという自然の循環の心地良い風景が伝わる曲になればいいなと思っています」とコメントしている。緑」を音素として扱うことで、単なる記号化を超えた言語の音楽性に触れている。吉村は、この音楽を誰が聴いても、自分の作品が「ee」のキーに属していることを明確に信じ、その音への心象イメージに呼応した共感覚的な世界を展開していた。

芦川聡が吉村の作品を、現代社会の根強く悪化する騒音への必要な修正と見なしていたとすれば、今こそ日本の作曲家の作品と再会する好機なのかもしれない。パンデミックの間、世界がどのようにして静まり返ったのか、多くの報道がなされている。道路を走る車が減り、地震学者はより遠くから地震を感知することができるようになり、最も忙しい都市でも鳥のさえずりが再び聞こえるようになった。この間をおいて、吉村の音楽がその目的を果たすための空間が開かれたのである。

GREENがアメリカのニューエイジ・レーベルSona Gaiaにライセンスされ、CDとカセットでリリースされた時には、アメリカ市場でのセールスポイントとして、流水と小鳥のさえずりの音が追加されていました。Light in the Atticのリイシューはオリジナル版を復元したもので、Doranによれば、吉村が好んだ版だという。Light in the Atticはこの夏、オリジナル版と並行して「SFXバージョン」をストリーミング・プラットフォームでリイシューする予定です。長い間、私が知っているのはSona Gaiaバージョンだけでした。ここ数ヶ月は、自然の音が入っていない『Light in the Attic』のリイシューを、外のポーチに座って聴いていました。これらの音は、吉村の音楽を完璧に補完するものであり、その次元を切り開いていく。耳は常に開かれていて、世界はすべてステージなのです。