Another Green World: How Japanese ambient music found a new audience（factmag.com）
FACT Magazine 日本の環境音楽に関する記事のDeepL翻訳
Photo by: Norio Sato
ここ数年、吉村弘の『Green』や高田みどりの『Through The Looking Glass』など、日本のアンビエント・クラシックの名盤が人気を博している。ルイス・ゴードンは、この現象について、アメリカ、イギリス、日本のレコード・コレクターやベンダーに話を聞きながら調査しています。
1980年代の日本では、あるアーティストグループが、2018年にはアンビエント音楽やニューエイジ音楽として認識されるようなものを静かに生み出していました。鯨の鳴き声や波の打ち寄せる音、あるいはヒーリング・ミュージックのエアブラシをかけた土着のインストゥルメンテーションなど、安易にリスキーで横行する商業化されたレコードから、あなたの考えを遠ざけてください。吉村弘、高田みどり、芦川聡、そして彼らの仲間たちは、完璧なポーズでミニマルなランドマークを作っていた。イエロー・マジック・オーケストラの坂本龍一や細野晴臣は、日本以外の国で成功を収めていたが、彼らはそうではなかった。彼らの作品は、80年代から90年代にかけて少数の熱心なファンを獲得したものの、それ以外はほとんど成功しませんでした。空前の経済成長を背景に、この時期に日本で生まれた音楽は、豊かさの恩恵を受けながらも、その結果に反発していくことになる。
これらのアーティストの相対的な無名性は今、流動的なものとなっている。Palto Flatsからリイシューされる前にYouTubeで何百万回も再生された高田緑の1983年のアルバム『Through The Looking Glass』は、コレクター・キュリオからアルゴリズミック時代の新たなクラシックへと変貌を遂げた。Light in the Atticは現在、80年代の日本のニューエイジとアンビエント音楽に特化したアンソロジーを含む、日本の音楽のアーカイブシリーズを展開しています。キュレーションを担当したのはVisible CloaksのSpencer Doranで、彼はRoot Strataで絶賛された一連のミックスを通して、日本のアンビエント音楽の聴衆を拡大するために多くのことを行ってきた。この度、DoranはRoot StrataのMaxwell August Croyと手を組み、吉村弘のファーストレコード『Music For Nine Post Cards』を皮切りに、吉村弘の作品を彼らのレーベル、Empire of Signsからリイシューすることになった。
1986年にエアレコードからリリースされた吉村の画期的なビートレス・アルバム『Green』は、80年代の日本のアンビエント・ミュージックと最近の復活の両方の中心に位置しています。高田の『Through The Looking Glass』と同様に、YouTubeでCD版のリッピングが公開されたことで人気が復活している。急速に変化していく東京の喧騒の中で録音されたこのレコードの原始的な静けさは、当時の都市の自然のサウンドスケープを支配していたであろう大型車の騒音、空気圧ドリルの音、金属加工の音などの静けさを与えてくれました。日本のアートワークは、美しく撮影されたシュランバーゲラのハウスプラントであり、Greenのサウンドの純粋さを伝える一方で、その長期にわたる不明瞭さをより不可解なものにしている。一方で、このレコードの詩情は、東京フルクサスや即興グループ、タージ・マハル旅行団の一員として活動していた吉村の初期の作品とはかけ離れたものである。
Chee Shimizuのような人たちは、この時代からゆっくりとグリーンなどのレコードを再発見し始めた。10年ほど前の日本の不況で、グラフィックデザインの仕事をしていた清水さんは主な収入源を失ってしまった。妻の勧めもあり、オンラインレコードショップ「Organic Music」を立ち上げ、自分のDJセットを充実させつつ、小遣い稼ぎにもなりそうなレコードを探すことにした。"当時、ニューエイジやアンビエントをDJセットでプレイし始めた時は誰も興味を示さなかったが、6、7年前には状況が変わった」と清水はメールで書いている。"ヨーロッパの仲良しの友人たちもニューエイジやアンビエントに興味を持ってくれて、世界に紹介してくれたんだ」と清水はメールで書いています。清水氏によると、アムステルダムに拠点を置くRed Light RecordsとMusic From Memoryレーベルは、これらのレコードへの関心を高めるのに重要な組織だったという。
大阪を拠点とするレコードショップ「Rare Groove」のオーナーである佐藤紀夫氏は、Music From Memoryのジェイミー・ティラー氏が、興味が広まる前に直接彼にコンタクトを取ったと言う。"その後、ヨーロッパのDJやコレクターから日本のニューエイジやアンビエントミュージックの欲しいものリストが送られてきたんだけど、知らないレコードがたくさんあってね。彼らは日本の素晴らしいレコードを教えてくれたんだ」と語った。オーガニック・ミュージックの清水さんの元同僚で、現在はオンダスのレコードショップを経営するダビーさんも、6、7年前に日本のアンビエント・ミュージックへの関心が高まっていったことについて、同じような話をしています。
スペンサー・ドーランが頼りにしていたのは、清水、則夫、ダビーといった日本人がこれらのレコードを見つけてアメリカに送ってくることだった。彼が最初に聴いたヨシムラのレコードは、メイクアップ＆スキンケア会社資生堂のために制作されたアルバム「AIR」だった。そのレコードにスプレーを吹きかけて袋に入れて封をし、資生堂のフレグランスのエッセンスを取り入れた音楽が流れていた。"それは何年もの間、ちょうど古典的なドル箱レコードだった "とドーランは言います。"私は友人に『この人のレコードを見たら買い取って私に交換してね』と言ったんです。その年のうちにドランは『Green』、『Surround』、『Music For Nine Postcards』を送られてきたが、これらは吉村の80年代のクリエイティブ・アウトプットの頂点を構成するレコードだった。
70年代半ばのブライアン・イーノのビートレスな作品は、西洋の聴衆にとっては明らかに試金石となるが、これらの日本人アーティストの作品は決定的に異なる。吉村は彼の作品を「環境音楽」と呼んでいたが、これは「アンビエント」の日本語訳であるが、新しい文脈の中でそれを枠にはめたものである。イーノが『Music For Airports』で想像した環境のためのアンビエント・ミュージックを制作していたのに対し、吉村や同時代のアーティストたちは具体的で具体的な場所のための音楽を制作していたのである。
1986年のアルバム『サラウンド』は、ミサワホームの会社の福利厚生から生まれたもので、ミサワホームのモデルハウスで演奏されるようにデザインされている。一方、初のアルバム『Music For Nine Postcard』は、原美術館への対応として制作されたものである。このCDのライナーノーツで吉村は疑問に思う。"このアルバムがここで演奏されたらどう聞こえるだろうか？2003年に癌で亡くなる前に、吉村が最後に作曲したのは、別の施設、鎌倉・葉山近代美術館のためだった。イーノと同様に、吉村はエリック・サティの家具音楽のコンセプトにアプローチの根を下ろしていた。日本では1983年に発表された柴野さつきのアルバム『Erik Satie (France 1866-1925)』で、フランスの作曲家エリック・サティとのつながりを明確にしている。
柴野のレコードも吉村のファーストアルバムも、芦川聡が設立したレーベル「サウンドプロセス」からリリースされた「ウェーブ・ノーテーション」シリーズの一部である。当初は『ミュージック・フォー・ナイン・ポストカード』を出すために設立されたが、すぐにサウンドデザインのコンサルティング会社へと発展した。1982年には芦川自身のアルバム『Still Way』をリリース。芦川自身が書いたそのライナーノーツは、芦川と吉村の環境音楽のビジョンのためのマニフェストのようなものだった。カナダの音響環境学者マレー・シェイファーの著作を参考に、芦川は「『雰囲気』を作るはずのBGMは、あまりにも行き過ぎている。私たちの現状では、特定のエリアや空間では、ビジュアルデザインは十分に考慮されているが、サウンドデザインは完全に無視されているのが現状である。建築やインテリアデザイン、食べ物や空気を扱うのと同じように、音や音楽も日常的に必要とされているものとして扱う必要があるのではないでしょうか。サウンドプロセスはその後、イーノの協力者でありピアニストでもあるハロルド・バッドの本をリリースし、急成長している西洋のアンビエント音楽と日本のアンビエント音楽とのつながりをさらに強固なものにしていった。
これらのレコードは、特定の空間のためにデザインされたものでありながら、場所を深く想起させるものでもあり、イーノの作品との整合性を取り戻している。アンビエントのパイオニアであるイーノをプロファイリングしたアリーナのドキュメンタリーの中で、イーノは次のように述べています。「音楽というものは、温度や光や色がどんなものなのかを感じられるような場所になったときに、私にとって現実のものとなる」。豊かな植生と重たい水分を含んだ緑は、その感覚を見事に捉えている。クリアなシンセサイザーと美しいメロディーだけのシンプルな曲だが、壮大なイメージが伝わってくる」と語る紀夫。他のレコードにもイーノの影響が見られる。イノヤマランドの1983年のアルバム『DANZINDAN-POJIDON』は、『Music For Airports』や『The Plateaux Of Mirror』と似たような地図的なカバーアートが特徴的だが、イーノの1975年のアルバム『Another Green World』とは音の響きが似ており、重くないシンセと優しく弾かれたギターが牧歌的なイメージを醸し出している。
これらの日本のレコードの多くは、ヨーロッパのレコードとは一線を画す、要素への鋭い共感を醸し出している。吉村の『Music For Nine Postcards』は、「Clouds」などの曲で空気の可能性に触れている。キーボードとフェンダーロードスで録音されたYoshimuraは、優しく揺らめくシンセのベッドの中にゴッサムのような光のメロディーを織り込んだ。水」も彼の作品のテーマの一つであり、特にアルバム「Pier」、「Loft」、「Surround」では、水をテーマにした作品を発表している。この要素を探求しているのは彼だけではない。細野晴臣は1985年に『Mercuric Dance』を発表している。吉村のように、細野も一つの要素に満足していたわけではなく、「Mercuric Dance」では、金属が水へと変化し、最後には風と空気に包まれていく。作曲家でありパーカッショニストでもあるYas-Kazは1985年に『縄文抄』を発表し、日本のフォークロアをより強調しながらも、要素の相互作用を生き生きと表現したアルバムを発表した。
デッドボーイことアレン・ウートンは、吉村がこのアルバムの制作にヤマハのDX7を使用したことにもかかわらず、グリーンの自然界への思いを最も強く響かせている。"DX7は自然な音のインストゥルメンタルではなく、デジタルなんですよ。あの楽器を使って、自然から来たようなサウンドを作ることができるのはすごいことだよ」と彼は言います。"自然界を研究してきた人が、自然界の美学をどうにかして再現したように聞こえるんだ。" WootonはDoranとは違い、3年ほど前にSounds of the Dawnというニューエイジやアンビエントミュージックにスポットライトを当てた影響力のあるブログでこのレコードに出会いました。グリーンの発見は、アンビエントミュージックへの関心の高まりの一部であり、それがきっかけとなってWootonは、彼がDeadboyとして制作するクラブ的な作品よりも落ち着いた音楽に特化した日曜日の午後のイベント、New Atlantisを設立することになりました。
ウートンが指摘する「グリーン」の自然主義や、この時代の他のレコードの要素主義は、80年代半ばから後半にかけての「奇跡の」不動産バブルに対する反動もあって成長した。急速な開発と都市化が全国各地で起こったが、金融サービスの発達した東京はブームの多くを経験した。NECスーパータワーや東京都庁のような象徴的な建物が首都で急上昇した。スパイラルもまたこの時代のトーテムビルで、ランジェリーメーカーのワコールの依頼を受けて作られたものだが、主に公共のためのアートスペースとして設計されており、吉村自身が経験した企業のパトロンとしての役割を果たしている。"その時代の日本の音楽には、都市からの逃避という大きな流れがありました」とドーランは言う。"日本の文化は自然界との大きなつながりを持っていて、それは現代の都市生活の中では本当に失われてしまうものなんです。東京は非常にストレスが多く、閉所恐怖症で威圧的な都市です。そのような状況からの休息の必要性があり、それがこの音楽が当時存在していた理由だと思います - 現代の生活に必要なものだったからです。
日本では、政府はこのような懸念に同情的であったが、開発ブームに逆行して、大衆的な環境保護論が展開された。1960年代の産業公害危機、1970年代の2度の石油危機を経て、日本政府はこれらの問題に正面から向き合わざるを得なくなり、成功したとはいえ、1971年には環境庁が設立された。1972年には自然環境保全法が制定され、日本の自然環境の保全が推進されました。80年代のコンクリートとモルタルを背景に、自由な自然主義の産物として、吉村の『Green』が浮かび上がってくる。それはまた、1982年に森林庁の役人によって生み出された、健康のために森の中を散歩する「森林浴」に相当するものであると考えられるかもしれない。Greenは、それ以前の環境保護主義と同様に、現代の東京の埃を超えた、楽観主義に近い、ユートピアニズムにさえ近いものを提供している。
"この曲は間違いなく非常に未来的な感じがします。"それは、そのような音楽の理想化されたバージョンのようなものです。そしてそれは、正確さと優雅さを同時に実現しているんだ。ウートンにとって、このアルバムは想像された日本のイメージを強烈に描き出しています。"とてもシンプルで、無駄なものは何もない。それはただ、竹林や、見たこともない竹林の姿を想像しているだけなんだ。これは、このレコードがなぜ今、これほど多くのリスナーの心に響いているのかを説明するのに役立つかもしれません。YouTubeでこの曲を見つけたら、あなたは運ばれてしまいます。都市開発がほとんど抑制されずに続き、私たちと自然との距離が広がっていく中で、Greenは原始的な衝動と共鳴し、私たちを原始的な荒野の中に包み込むことを可能にしてくれます。
西洋の聴衆が日本のアンビエント・ミュージックをフェティシズム化したり、エキゾチックにしたりしているのではないかという疑念があるかもしれない。ウートンはグリーンを「とても平和な状態にしてくれる」と言い、ドーランは「原始的なメロディックな相互作用が起こっている。とても純粋なんだ」と語っています。しかし、これらの意見は日本の多くの人にも当てはまります。Dubbyは、少なくとも彼の耳と理解にとっては、Greenは日本の生活の特定の側面を映し出していると言います：「伝統文化は我々にとって非常に重要であり、特にWabi-Sabiの考え方とその美の考え方が重要なのです。それは、無常と儚さの美学に焦点を当てた概念です。ある人には「クラウドマン」と呼ばれる吉村の作品は、その儚い美しさを捉えているのかもしれません。"彼の音楽は雰囲気の一部です」とダビーは締めくくっています。緑は私に癒しと平和と無限の可能性を与えてくれる」という言葉を最もよく表しているのはノリオかもしれません。
Lewis Gordon is a freelance writer. Find him on Twitter.
この記事が気に入ったらサポートをしてみませんか？