リアルイラスト描き方メモ
描く前の準備
まず最初に、描く前の準備について説明していきます。
写真を用意する
写真みたいな絵を描くには、描きたいモチーフの写真を撮ってそれを見ながらそのまま模写するのが一番簡単です。
そういった意味では、実物を見ながら描くデッサンなどよりも難易度は低いと言えます。（時間と根気は必要ですが・・・）
最初はモノクロ（白黒）がおすすめ
絵を描くことに慣れていない人や絵の勉強をし始めたばかり初心者は、モノクロ（白黒）写真を模写することをおすすめします。
理由は、誤解を恐れずに言ってしまえば無彩色だけで描く方がシンプルで簡単だからです。
カラー写真を模写するとなると、彩度や色相など、観察しなくてはならない要素が増えてしまいます。
iPadやPCなどのデジタルで描くのであれば乾き待ちはないので、少し有利ですね。
もちろん、画材の取り扱いに慣れていて、基本的なことが十分に理解できているのであればカラーでもモノクロでもどちらでも普通に描くことができます。しかし、初心者の場合は写真をそのまま写すだけという単純作業だとしても、観察する要素が増えると余計なことに惑わされて大事なところを見逃してしまいがちです。
写真を撮る
キャベツは撮影後、カレーの材料にしました。
まず、模写する写真を用意するところから始めます。今回はキャベツを描くので、近所のスーパーで形の良いキャベツを選んで撮影してみることにしました。
スマホなどで撮っても良いですが、できれば一眼レフや高級コンパクトデジカメなどのセンサーサイズの大きなカメラで撮影した方が、きれいでかっこいい写真が撮れるのでおすすめです。ちゃんとしたカメラの方が断然絵になりやすいですからね。
キャベツに当てる光もなるべくこだわって、かっこいい光が当たるように調整しています。もしも風景の写真だったならば自分で操作することはできませんが、自宅でキャベツみたいなものを撮る場合は光が良い方が描きやすいのでこだわった方が良いです。キャベツの角度や構図なども調整しつつ、10枚くらい撮り直した中から選びました。
また、もしもキャベツだけを描きたいのであれば、白い紙などの上に置いて撮影した方が、主役のキャベツだけに集中できるので良かったかもしれません。
今回はステンレス製のシンクの質感も描いてみたかったので、あまり深く考えずに自宅の台所で撮影してみました。
インターネットで見つけた写真を利用するのはあり？
自分で写真を撮るのが苦手な人は、インターネット上で見つけた写真で気に入ったものがあれば（条件付きだけど）写真模写に使っても良いかもしれません。絵の練習ということで、個人的に利用する分には大丈夫なのではないでしょうか。例えば、__絵の練習でネットや雑誌などで見つけた素敵な写真を描いて、描いたものを自宅に飾っておくだけとかなら問題ないと思います。
しかし、それを自分の表現活動の素材として利用するのはおすすめしません。例えば、他人の撮影した写真の模写をウェブ上に「自分の作品です」ということで描いたものをアップしたりするのは著作権的に問題ありますし、トラブルになる可能性が高いです。
じゃあフリー素材なら大丈夫なのか？と言うと、フリー素材も著作権そのものは放棄していない場合も多いので、配布元のサイトの規約をよく確認して利用するようにしたほうが良いです。それに、フリー素材サイトの写真は見る人が見れば、すぐにフリー素材だとバレてしまうので、個人的にはそういう意味でもあまりおすすめしたくありません。
まあ、よっぽど描きたい写真があるとかでなければ、自分で描きたいものの写真を撮影して使用するのが勉強にもなりますし、一番だと思います。
画像補正＆モノクロ加工
デジカメで撮影した写真はPCに取り込んでからモノクロに加工します。僕の場合はMacを使っているので、iMacに標準で搭載されている写真アプリでモノクロに加工しました。もちろんスマホしかないという人はスマホの画像加工アプリなどでも良いです。
デジカメの設定で撮影時にモノクロで撮ることもできるので、そちらの方が楽という方はそのやり方で良いと思います。個人的にはMacに取り込んでからいろいろ微調整したいと思ってしまうので、撮影時は普通にカラーで撮影しています。
また、写真が暗かったり構図が悪かったりしたら明るさ補正やトリミングをします。写真をそのまま絵にするわけなので、絵として見栄えする写真にしておいた方が良いです。
描く紙の比率に加工する
微妙にトリミングしました。
写真をそのまま描き写して絵にするわけなので、描く紙と全く同じ比率に写真を加工しておいたほうが後々の作業がスムーズです。全く同じ比率の写真の方が描き写すときも形を合わせやすいでしょう。
今回はB4サイズの紙に描くので、B4サイズの比率（257mm：364mm）になるように微妙に構図をトリミングしました。
紙のサイズについては非常に悩ましい問題なのですが、自分の技術と、一枚の絵にかけられる時間などと相談して使用する紙のサイズを決めるしかないのかなと思いました。
画材を用意する
デジタルで描くのであればPCとペンタブレット、もしくはタブレットとスタイラスペンなどを揃えれば描くことができます。
描くための考え方
ここからは描くための考え方について説明していきます。
もちろん写真をそのまま写すだけのことなので、ただ漠然と作業をしても、いつかは写真とそっくりなリアルな絵を描くことができます。
しかし、モチーフを見て、それとそっくりに絵を描くための基本的なアプローチの仕方をわかっているのといないのでは、描き方が全く違ってくるはずです。
また、もしも絵を描く訓練をするために写真模写をするのであれば、基本を理解してそれを意識しながら描くほうが断然勉強になります。そういう意味では、デッサンや絵の勉強をしている人だったら、限界まで写真を模写してみるというのも良い練習になるので一度くらいはやってみるのも悪くないと思います。
デッサンと写真模写の違い
まず一つ理解しておいてほしいのが、デッサンと写真模写は厳密に言うと別物であるということです。似て非なるものです。
写真をそのまま写すのと違って、デッサンは実物のモチーフを見ながら描きます。モチーフの持っている雰囲気や量感、光と影、空間、質感などの特徴を捉えて、それを画用紙に描いていくことがデッサンの目的です。どちらかと言うと、描くことよりも見て理解することの方が大事というわけですね。
なので、写真でそのモチーフを撮影したとしても絶対にデッサンで描いたのと同じにはなりません。必ず写真では写すことのできない部分が描いてあるからです。
なのでデッサンは写真を見てそのまま写すよりも、ずっと難しいです。以前「自分の目」の絵を描いたことがあるのですが、あれは鏡を見ながら描いたのでデッサンに近いものです。故に、難易度的には今回のキャベツ写真の絵よりも目の方が難しかったです。
ある意味では写真よりもデッサンのほうが「リアリティ」という意味で強い力を感じる作品を生み出しやすいです。言い方を変えると作者の見た印象がそのまま絵画になって表現されるというわけですね。
それと比べて、写真をそのままそっくりに描き写すという場合、その写真以上のものを描くことはできません。当然ですね。
むしろデッサンを描くときみたいにいろいろ考えすぎない方が、写真っぽさは出しやすいかもしれませんね。
しかし、表面的には写真にしか見えないくらいに緻密に描きこまれているので、デッサンよりもわかりやすいので凄い！と感じる人は多いかもしれません。
デッサンと違って画材の扱いのこだわりと、描写密度も必要です。なのでどちらかと言うと、見て理解することよりも描くことそのものが目的なのが写真模写であると言えるでしょう。
以上がデッサンと写真模写の大きな違いなのではないかと思います。
カラーと白黒の違い
基本的には有彩色を使用したカラーの絵と無彩色だけのモノクロの絵は考え方としては全く同じです。写真を見ながらよく観察しながらそれとそっくりに描き写していくだけです。
しかし、先程も少し書いたのですが、有彩色が絡んでくるとそれだけで要素が増えて複雑になってしまいます。特に陰影の色を上手に表現するのが難しいので、よく観察することが重要です。
普通に生活して漠然とものを見ていると、影の色味ってただ単に「黒でしょ？」くらいにしか思わないかもしれません。しかし、よくよく見てみると「黒」だけで表現できるものは少ないということがわかってきます。
キャベツの左下部分の拡大 よく見ると複雑な色が組み合わさっているのがわかる
床も細かく見ていくと青っぽいグレーだったり赤っぽいグレーだったりする。
上の画像のように、カラー写真の陰影の部分を拡大するとわかりやすいですね。影の部分はよく観察すると、青っぽいグレーだったり赤っぽい濃いめのグレーだったりします。これは、光源の色が影響していたりとか、もしくは周囲の反射の影響を受けたりとか・・・複雑に光源や周囲の影響を受けて色味が決定されます。
なので、有彩色を使用した絵を描くときは、陰影にどのような色を使用すべきかよく吟味してから色を塗るべきなのです。安易に絵の具の黒色は使わないで、混色によって適切な色を作り出すことが必要というわけですね。暗い色だからと言って仮に絵の具の黒を適当に使ってしまうと、途端に濁ったような色の絵になってしまいます。
しかし、微細な色の変化を見極めるのはかなり慣れていないと難しいです。なので、最初は鉛筆などを使って無彩色だけで描く方が簡単で、余計なものに惑わされずに描くことができます。特に絵の勉強をしている人にとっては、デッサン的な考え方を身に着けてからの方が絵の具を使用した絵も上達が早いです。
趣味で写真みたいな絵を描きたいという人はどちらでも良いですが、そんなわけなので、もしも絵の勉強のために写真模写をするのであれば最初はやはりモノクロ写真を模写することをおすすめします。
トレース
意外と難しいのが、写真に写っているものの形を合わせることです。キャベツなどのシンプルっぽい形のものでも、きっちり形を合わせないとそれっぽく描くことはできません。
ここができていないと、この後の作業が台無しになってしまうので、ある意味で最も大事な工程であるとも言えますね。
モチーフとそっくりに描くために形を合わせるための方法については以前書いた記事が参考になるかと思います。
しかし、自力で完璧にモチーフの印象を合わせるには、かなりの訓練を積まないと難しいです。
そんなときはトレースをしてしまうのも一つの方法だと思います。
ちなみに今回のキャベツの写真も、動画撮影の都合上机に水平に置いて描かなくてはならなかったために形を合わせにくかったので、大まかな部分は少しだけトレースをして形を合わせています。
大きく見る
デッサンでも同じなのですが、写真と自分の描いている絵を見比べるときは、細かい部分にとらわれ過ぎないで、できるだけ大きい見方をしましょう。特に作業の序盤は 写真全体の大まかなイメージに合わせるように描くと効率的です。
例えば、光と影はどんな状況なのか？写真の中はどんな空間なのか？写真に写っているものはどんな質感なのか？写真模写に限らず、絵を描くときは描こうとするものの全体的な構成を常に意識しながら描くことは非常に大事です。これらはデッサン的な考え方なのですが、写真模写をする際にも使える考え方です。
慣れていないと、ついつい細かい部分だけを見てしまいがちですが、本当にリアルな絵を目指すのであれば写真の全体感を理解してから描き始めると非常にスムーズです。大きなところでの関係性が崩れていると、いくら丁寧に描いてもリアリティーのある絵を描くことはできません。
写真をそのまま描き写せば良いだけなので、デッサンよりもそういうことを意識することは必要ないかもしれません。しかし、最初からある程度の全体感を理解をしてから描き始めた方が完成を早めることもできるし、リアリティーも出すことができます。
光と影
光と影をざっくり分けるとこうなる
まず、光源がどこにあって、どのように影が落ちているのかということを描き始める前に理解しておくことは必要でしょう。なぜなら、写真に写っているものは光と影があることで立体感、空間、モチーフの質感など生まれるからです。
例えば、光源が自分から見て右上にあたりにあるとしたら、キャベツの左下に影が落ちます。そして、キャベツは球体に近い形状なので光の当たっていない箇所は暗くなります。そして、もう少し詳細に暗い箇所を観察すると、床や周囲からの反射で少しだけ明るくなっている箇所もあるはずです。
また、複数の光源が存在している場合は、それらが複雑に影響しあって写真に写っているものに影響を与えているはずです。
具象的なモチーフの絵を描くときは複雑に絡み合った光と影を大雑把に整理しながら表現することが基本です。それによって、立体感や空間を表現したりすることが可能になるのです。それを理解するために、デッサンの勉強を初めてやるときなどは立方体のブロックや球体などのシンプルな形状のものを描かされるのですよね。
それは写真模写の場合でも基本は全く同じです。
以上のような感じで、撮影したときの状況を思い出しながら写真をよく見て、光と影とモチーフの関係性を理解しながら描くと良いでしょう。
前後の関係（空間）
写真にはモチーフと床と背景など、いくつかの要素が写っています。これらの要素ごとの空間の中での前後の関係を把握しておくのも大事なことです。
キャベツの写真を例として見てみます。
まず、床にキャベツが置いてあって、床はキャベツよりももう少し手前から奥まで続いています。床の一番奥側はステンレス製の垂直の壁があって、そこに水平の出っ張りがあったりして反射で光っています・・・とまあ、大雑把にこの写真の空間を表現するとしたらそんな感じですね。
作業の序盤はこのくらいの理解でOKです。作業後半に行けば行くほど、この空間の前後感の理解を細かくしていきます。
例えば、キャベツを中心にもう少し細かく見ていくと・・・
キャベツの中心付近の葉が大きくめくれ上がっていてそこが1番手前で、その葉から影が落ちているあたりが2番目くらいに手前で、そこから徐々にカメラからの距離が遠くなっていきます。また、キャベツのアウトラインのあたりに目を向けてみると、床との接地面部分はキャベツの真ん中から少し手前くらいです。それに対してキャベツの上部のアウトラインはキャベツの真ん中よりも少し奥側に位置しているように見えます・・・というような感じで写真に写っている空間を理解しておきます。
写真を見て上記のような空間が理解できるということは、写真そっくりに描くためには、そこに写し出されている空間も表現しなくてはならないということです。
空間を頭の中で理解しながら描くのと、理解しないで描くのでは大きな差があります。リアルさというのは表面的なことだけではなくて、空間表現の正しさも関係しているということですね。
質感
写真みたいな絵を描くとしたら、やはり質感の表現は大きな課題なのではないかと思います。
植物
布
紙
皮膚
金属
木材
毛
例として思いつくままにいろいろ挙げてみましたが、モチーフの材質が違うと質感も変わります。金属や木材などであれば、例えばピカピカしていたりザラザラしていたりサラサラしていたりと言うような表面の研磨の具合でも差が出てきますね。
そして質感が変われば、当然描き方も変えなくてはならなくなります。
具体的にどうやって質感を表現すると良いかというと、写真をよく観察して質感を感じる原因となっている箇所を見極めることが必要ですね。
水滴やハイライトを描くことで質感を表現する。
このキャベツは買ってきたばかりで新鮮なので表面がツルツルしているような感じもあります。それはキャベツ上部で光を反射している箇所がハイライトになっていて質感表現の要となっています。しかし、ツルツルしているだけという認識ではまだ弱いです。もう少し具体的なイメージが持てないと、下手すると金属と同じに見た目になってしまいます。
もう少しじっくり見ていきましょう。
キャベツは野菜なので、みずみずしく柔らかそうな感じもありますよね。特にキャベツの側面あたりはわかりやすいです。金属と違って激しい明暗の差がつかずにしっとりとした印象があります。また、キャベツについている水滴などもしっかり描いてやると新鮮な野菜的な質感を表現しやすいかもしれません。
キャベツの映り込みをしっかり描くことでステンレスの質感を表現することができる。
キャベツ以外に目を向けてみると、床と背景はステンレスでできているので、キャベツが写り込んでいたり、光源からの激しい反射が特徴となっています。
このように質感の差と、質感を感じさせている原因を考えながら描き始めると、質感表現が豊かで、より写真っぽい絵を描くことが可能になります。
明暗の差を理解する
鉛筆だけで描く場合でも絵の具で色をつけて描く場合でも同じなのですが、明暗の差が画面の中でどのような関係性になっているのかということを理解することも大事です。
基本的な考え方として、厳密に言うと同じ明るさの場所は画面上で一つも存在しません。写真は、白や黒が潰れている場合もあるから一概には言えませんが、デッサン的な考え方では空間や光の当たり方が違えば色調も異なるはずです。
明るい場所と暗い場所、少し明るい場所と少し暗い場所、極端に明度の差があるわかりやすい場所もあるけど、よく見ないとわからないくらいの微妙な差しかない場所などもあります。これらをよく見比べて、最初は大雑把に明暗の順番を決めてから描き始めると効率が良いです。
僕は描き始める前に、上の図のように一番明るい場所と暗い場所を先に見つけておくようにしています。
一番明るいところは紙の白色をそのまま残すので、そこは最後まで鉛筆を入れずにとっておくので、最初は最も暗い場所を中心に強めに鉛筆をいれていきます。そうすれば、最も暗い部分を基準に他の部分の明るさを設定しながら描くので、作業を進めやすくなります。
ある程度まで作業が進んだら、もう少し細かく明暗関係を観察していきます。
このように、部分ごとに見比べると少しずつの明るさの差があるということがわかるはずです。特に近い明るさのところ同士を見比べて、その差を見つけることができればできるほどリアルで繊細で色調豊かな絵になっていきます。
写真模写の基本は、観察する範囲を大きなところから徐々に細かいところに絞っていって、写真と見比べながら微調整を繰り返す作業を続けることだと思います。それと同時に細かいテクスチャーや質感も表現しなくてはならないわけですから、写真そっくりなるまで描くためにはものすごい根気が必要なんですよね。
この微妙な差を見つけて、それを実際に描いて表現するというのはかなり難しいです。特に作業の後半になると、部分ごとの複雑な明るさの序列を、ひたすらパズルを組み合わせるかのように調整していかなくてはなりません。明暗関係に矛盾がないように描くのは慣れが必要だと思います。
そんなわけなので、夢中になって描くだけではなくて、作業の後半になったら、むしろ写真と自分が描いているものを見比べる時間を多めにしたほうが完成度が高いものができるかもしれません。
詳細に描写すべき場所を見極める
当然ですが、写真はカメラで撮影したものですからピントが合っている場所とそうでない場所が存在します。いわゆるボケ味というやつですね。
そのボケ味も表現することで、より一層写真に近い絵を描くことができます。
このキャベツの写真で大雑把に言うと、キャベツはくっきりしていて背景はボケていますね。
もうちょっと詳しく見ていくと、キャベツの手前はくっきりしているけどアウトライン付近は徐々にボケていて、床は手前が一番はっきりしているけど奥に行くに従って徐々にボケて、奥のほうがものすごくボケてます。そして、一番奥にある背景の壁が最もボケが激しい場所です。
写真模写の場合は、絵の主役になる場所と脇役になる場所が、ボケ味の差のおかげでわかりやすいです。
少し余談ですが、デッサンなどでも絵作りのために詳細に描写する場所とそうではない場所を見極めて、描写する量に差をつけたりします。主役と脇役を設定することで、絵画として見やすいように操作するわけなのですが、写真の場合その写真撮影したカメラマンがどこにピントを合わせるかで絵作りをするわけですね。
描く分量も主役と脇役で配分を変えると、見やすい絵が描けるだけでなく、時間の節約にもなります。
ただし、デッサンの場合は実際に写真みたいに背景がボケた感じにふわっとした感じに描く場合は少なくて、空気遠近法みたいな手法で手前と奥の差を表現することが多いです。それが、デッサンと写真模写の大きな違いの一つだったりもします。
できるだけ全体的に作業するほうが良い
一言で写真模写と言っても、実際に描くときに意識しなくちゃならないことはたくさんあります。
特に大事なのは全体的な印象をモチーフに近づけることです。今回の場合はキャベツの写真ですね。全体感が写真に近づいていないと、写実的な雰囲気はなかなか出てこないのです。
そんな理由から、作業の手順として部分的に描いていくのではなく、全体的に作業していくことをおすすめします。
例えば、キャベツの暗くなっている部分を描いたら床に落ちた影を描いてその後背景の壁を描いてキャベツの光が当たって明るくなっている部分を少し描いてまたキャベツの暗い部分を調整して・・・みたいな感じです。
画面上のいろんな箇所に鉛筆を入れて、バランスを取りながら作業を進行するようなイメージですね。
部分的に端っこから仕上げるのは無理
しかし、世の中にはすごい人ってのがいて、Youtubeなどで写真みたいな絵を描く動画を探して観てみると、ものすごい部分的に描いていく人もいます。コピー機みたいに端っこから鉛筆を入れていって、一気に仕上げちゃう人ですね。
これって、作業工程の動画として観ていくと見栄えも良くてかっこいいのですが、正直なところ、これは普通の人には無理な芸当です。
なぜなら普通の人が部分的に端っこから仕上げていくと、全体感がめちゃくちゃになってしまうからです。これができるのは、よっぽど写真模写の訓練を積んだ人か、天才だけです。
端っこから作業して最小限の手数で仕上がっていくわけだから、部分的に描いていく方がひょっとしたら作業効率は良いのかもしれません。しかし、ちょっと絵が上手いくらいの人では、全体感をまとめることができなくてうまくいかないでしょう。少なくとも僕は無理です。
それに、もしも絵の勉強のために写真模写をするのであれば、全体的なバランスを見ながら仕上げていくほうが勉強にもなります。写真模写以外の絵はコピー機みたいな描き方はできないし、やらないですからね。
以上のような理由から、部分的に端っこから仕上げていくような描き方はあまりおすすめしません。
とにかく写真をよく見る
ここまでのところまでで描くための基本的な考え方についていろいろ説明してきましたが、最初からこれらを全部を意識しながら描くことはなかなかできないかと思います。
そんなとき一番頼りになるのが、目の前にある写真です。デッサンと違って平面的に印刷された写真が正解そのものなのだから、自分の描いている絵とよく見比べて少しずつ修正しながら描いていけば間違いありません。根気さえあればなんとかなります。
形がおかしいところはないか？空間が不自然なところはないか？明暗関係が崩れているところはないか？空間は適切に描かれているか？遠くに離れて見てみると様々なことがわかってきます。写真と絵の違いが把握できたら手順を考えて実行します。その繰り返しですね。
コツは冷静に観察することです。
ずっと見ていてよくわからなくなってきたり熱くなっていて冷静になれないのであれば、一晩寝て次の日になると、目が新鮮になって見えてくるものがあったりもします。
写真と見間違えるくらいまで描き切るには相当な集中力が必要ですが、正解が目の前にある分、普通にものを見て絵を描くよりも簡単であるとも言えます。そういう意味では（頑張りきることができれば）誰でもそれっぽい絵を描くことができるというのが、写真そっくりな絵を描くことのおもしろいところなのではないかなと思うわけです。
とにかく丁寧に描く
写真そっくりに描くためには、とにかく丁寧に描くことがものすごく大事です。
実際にやってみてものすごく実感したのですが、序盤の方で雑にやってしまったタッチが作業後半になっても、なんとなく残ってしまったりしていました。これが、写真っぽさを出すという意味ではものすごく邪魔になります。
特に、なるべく少ない手数で写真っぽさを表現するような効率の良さが必要な絵の場合、最初から最後まで鉛筆のタッチには気を使って作業をするべきでしょう。
タッチの方向
また、最終的にタッチが見えないくらい細かく描く、写真模写をする場合も、タッチの方向にはある程度気を使った方が良いです。
タッチの方向だけでも立体感を感じさせることができる。
鉛筆画（特にデッサン）のタッチの入れ方の基本は、描いているモチーフの形に沿って入れていきます。人間の目というのは不思議なもので、上の図のように網目のような線が入っているだけでも立体を認識できます。
例えば、垂直な面を表現するときに垂直な線で描くのは良いのですが、水平な床を描くときに垂直な線を使うと水平な雰囲気を表現しににくなってしまいます。
そんな感じで、タッチの入れ方一つでも立体感を感じさせることができたりするのが、デッサンなど、鉛筆で描く絵のおもしろいところだったりもするのですね。
しかし、今回の場合は写真そっくりに描くことが目的なので、立体感はそこまで重要ではありません。したがって、そこまでシビアにタッチの方向を意識する必要もないかもしれません。デッサンの場合、タッチの方向で立体感を感じさせないとどうしようもない部分がありますが、最終的にタッチすら見えなくなってしまうくらいに描き込むのであればそこまで大きな問題ではないかもしれませんね。
と言っても、ある程度は意識しつつ、一つずつ丁寧にタッチを重ねる方が作業効率は良いし、リアリティーも感じさせやすいとは思います。
こういうタイプの絵はどの時点を完成とするのか？というのがものすごく難しいです。なぜなら、描こうと思えばいくらでも細かく描きこむことができるからです。厳密に言えば、終わりなんてないのかもしれません。
今回の16時間という制作時間が短いか長いかと言うのは、人によって感じ方が違うと思います。少なくとも、ネットで話題になるようなくらい完成度が高くて描き込みの量がすごい作品は、数倍〜数十倍くらいの時間をかけて描かれているんだろうなあと、描きながらそんなことを思いました。
個人的にはただ単に頑張って写真みたいな絵を描いたというだけではアートであるということは難しいと思っています。なぜならこのタイプの絵は頑張れば誰でも描けるからです。
判断が難しいところなのですが、写真みたいに描くのとプラスアルファで、「何か」がないとアートとしてはおもしろくないとは思います。（ネットで話題になる絵の中でも、その「何か」が感じられるものと感じられないものがあると思います。）
とまあアートとして考えるとすると、いろいろと難しいところのある写真みたいな絵ですが、美術の勉強や絵を描く訓練としては非常に役立ちます。
写真を見ながらそのまま描き写すだけの単純作業ではありますが、その過程で観察力も鍛えられますし、画面の中での明暗の幅の描き分けをする訓練にもなります。また、丁寧に効率よく手を入れていかないとリアルな雰囲気が出てこないので、画材を扱う技術を高めることもできます。
なので、絵を勉強する人は、一度くらいは写真を見ながら写真みたいに見えるくらいまで本気で模写するのも良いのではないかなと思いました。