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ラジオ生活：クラシックの庭 プーランク「チェロ・ソナタ」

200im

聞き逃しサービス 2024/05/16 放送
クラシックの庭
特集「ワタシノイチオシ」佐藤晴真(チェロ)を迎えて
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「チェロ・ソナタ」
( Cello Sonata )
[ Sonate pour violoncelle et piano, FP 143 ]
作曲： プーランク ( Francis Poulenc )
山崎伸子(チェロ)
野平一郎(ピアノ)
[2010年Live録音版]
（22分45秒)
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開始より55分52秒頃 (終了より54分08秒前頃)
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配信終了2024/05/23 15:50



番組情報




Google検索 URL>
https://www.google.co.jp/search?tbm=vid&hl=ja&source=hp&biw=&bih=&q=Poulenc+Cello_Sonata




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チェロ・ソナタ (プーランク)
Wikipedia JA(日本版) URL> https://ja.wikipedia.org/wiki/チェロソナタ_(プーランク)

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　チェロとピアノのためのソナタ（Sonate pour violoncelle et piano） FP 143は、フランシス・プーランクが1948年に作曲したチェロソナタ。スケッチが行われたのは1940年であった。曲は、この楽器の扱いに不慣れであった作曲者をチェロ・パートの技術的観点で手助けしたフランスのチェリスト、ピエール・フルニエへと献呈された。楽譜はパリのウジェルから出版された。
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【楽曲構成】
　4つの楽章から構成される。
　第1楽章 Allegro - Tempo di Marcia
　第2楽章 Cavatine
　第3楽章 Ballabile
　第4楽章 Finale

　全ての楽章が三部形式となっており、対照的な中間部を備えている。
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〜［上記wikipediaより抜粋］


チェロ・ソナタ (プーランク)
Sinfonietta_(Janáček)
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Cello_Sonata_(Poulenc)

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　Francis Poulenc completed his Sonate pour violoncelle et piano (Cello Sonata), FP 143, in 1948. He first sketched it in 1940. It was dedicated to the French cellist Pierre Fournier, who had helped with the technical aspects of the cello part, as the composer was unfamiliar with the instrument. The work was published by Heugel in Paris.
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【Structure】
　The sonata is in four movements:
　I. Allegro – Tempo di Marcia
　II. Cavatine
　III. Ballabile
　IV. Finale

　Each movement is in ternary form, having a contrasting middle section. The piece makes much use of Neo-Baroque and Neo-Classical styles.
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〜［Excerpt from above Wikipedia.］
〜［上記Wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
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　フランシス・プーランクは1948年に《チェロ・ソナタ》（FP143）を完成させた。 彼がこの曲を最初にスケッチしたのは1940年のことだった。 この作品はフランスのチェリスト、ピエール・フルニエに捧げられたもので、彼は作曲者がチェロという楽器に不慣れだったため、チェロ・パートの技術的な面を助けてくれた。 この作品はパリのホイゲル社から出版された。
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【構成】
　ソナタは4楽章からなる。
　I. アレグロ～マルシアのテンポ
　II. カヴァティーネ
　III. バラビーレ
　IV. フィナーレ

　各楽章は三部形式で、対照的な中間部を持つ。 ネオ・バロック様式と新古典主義様式を多用した作品。
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フランシス・プーランク
Wikipedia JA(日本版) URL>  https://ja.m.wikipedia.org/wiki/フランシス・プーランク

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　フランシス・ジャン・マルセル・プーランク（プランク、Francis Jean Marcel Poulenc フランス語: [fʁɑ̃sis ʒɑ̃ maʁsɛl pulɛ̃k] 発音例,1899年1月7日 - 1963年1月30日）は、フランスの作曲家、ピアニスト。歌曲、ピアノ曲、室内楽曲、合唱曲、オペラ、バレエ、管弦楽曲に作品を残した。とりわけ、ピアノ組曲『3つの無窮動』（1919年）、バレエ『牝鹿』（1923年）、チェンバロ協奏曲『田園のコンセール』（1928年）、『オルガン協奏曲』（1938年）、オペラ『カルメル会修道女の対話』（1957年）、ソプラノ、合唱と管弦楽のための『グローリア』が知られている。その作風の広さは「修道僧と悪童が同居している」と形容される。
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〜［上記Wikipediaより抜粋。］


フランシス・プーランク
Francis Poulenc
Wikipedia EN(英語版) URL>  https://en.m.wikipedia.org/wiki/Francis_Poulenc

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　Francis Jean Marcel Poulenc (French: [fʁɑ̃sis ʒɑ̃ maʁsɛl pulɛ̃k]; 7 January 1899 – 30 January 1963) was a French composer and pianist. His compositions include songs, solo piano works, chamber music, choral pieces, operas, ballets, and orchestral concert music. Among the best-known are the piano suite Trois mouvements perpétuels (1919), the ballet Les biches (1923), the Concert champêtre (1928) for harpsichord and orchestra, the Organ Concerto (1938), the opera Dialogues des Carmélites (1957), and the Gloria (1959) for soprano, choir, and orchestra.

　As the only son of a prosperous manufacturer, Poulenc was expected to follow his father into the family firm, and he was not allowed to enrol at a music college. He studied with the pianist Ricardo Viñes, who became his mentor after the composer's parents died. Poulenc also made the acquaintance of Erik Satie, under whose tutelage he became one of a group of young composers known collectively as Les Six. In his early works Poulenc became known for his high spirits and irreverence. During the 1930s a much more serious side to his nature emerged, particularly in the religious music he composed from 1936 onwards, which he alternated with his more light-hearted works.

　In addition to his work as a composer, Poulenc was an accomplished pianist. He was particularly celebrated for his performing partnerships with the baritone Pierre Bernac (who also advised him in vocal writing) and the soprano Denise Duval. He toured in Europe and America with both of them, and made a number of recordings as a pianist. He was among the first composers to see the importance of the gramophone, and he recorded extensively from 1928 onwards.

　In his later years, and for decades after his death, Poulenc had a reputation, particularly in his native country, as a humorous, lightweight composer, and his religious music was often overlooked. In the 21st century, more attention has been given to his serious works, with many new productions of Dialogues des Carmélites and La voix humaine worldwide, and numerous live and recorded performances of his songs and choral music.
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【Music】
　Poulenc's music is essentially diatonic. In Henri Hell's view, this is because the main feature of Poulenc's musical art is his melodic gift. In the words of Roger Nichols in the Grove dictionary, "For [Poulenc] the most important element of all was melody and he found his way to a vast treasury of undiscovered tunes within an area that had, according to the most up-to-date musical maps, been surveyed, worked and exhausted." The commentator George Keck writes, "His melodies are simple, pleasing, easily remembered, and most often emotionally expressive."

　Poulenc said that he was not inventive in his harmonic language. The composer Lennox Berkeley wrote of him, "All through his life, he was content to use conventional harmony, but his use of it was so individual, so immediately recognizable as his own, that it gave his music freshness and validity." Keck considers Poulenc's harmonic language "as beautiful, interesting and personal as his melodic writing ... clear, simple harmonies moving in obviously defined tonal areas with chromaticism that is rarely more than passing". Poulenc had no time for musical theories; in one of his many radio interviews he called for "a truce to composing by theory, doctrine, rule!" He was dismissive of what he saw as the dogmatism of latter-day adherents to dodecaphony, led by René Leibowitz, and greatly regretted that the adoption of a theoretical approach had affected the music of Olivier Messiaen, of whom he had earlier had high hopes. To Hell, almost all Poulenc's music is "directly or indirectly inspired by the purely melodic associations of the human voice". Poulenc was a painstaking craftsman, though a myth grew up – "la légende de facilité" – that his music came easily to him; he commented, "The myth is excusable, since I do everything to conceal my efforts."

　The pianist Pascal Rogé commented in 1999 that both sides of Poulenc's musical nature were equally important: "You must accept him as a whole. If you take away either part, the serious or the non-serious, you destroy him. If one part is erased you get only a pale photocopy of what he really is." Poulenc recognised the dichotomy, but in all his works he wanted music that was "healthy, clear and robust – music as frankly French as Stravinsky's is Slav".
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《》Orchestral and concertante
　Poulenc's principal works for large orchestra comprise two ballets, a Sinfonietta and four keyboard concertos. The first of the ballets, Les biches, was first performed in 1924 and remains one of his best-known works. Nichols writes in Grove that the clear and tuneful score has no deep, or even shallow, symbolism, a fact "accentuated by a tiny passage of mock-Wagnerian brass, complete with emotive minor 9ths". The first two of the four concertos are in Poulenc's light-hearted vein. The Concert champêtre for harpsichord and orchestra (1927–28), evokes the countryside seen from a Parisian point of view: Nichols comments that the fanfares in the last movement bring to mind the bugles in the barracks of Vincennes in the Paris suburbs. The Concerto for two pianos and orchestra (1932) is similarly a work intended purely to entertain. It draws on a variety of stylistic sources: the first movement ends in a manner reminiscent of Balinese gamelan, and the slow movement begins in a Mozartian style, which Poulenc gradually fills out with his own characteristic personal touches. The Organ Concerto (1938) is in a much more serious vein. Poulenc said that it was "on the outskirts" of his religious music, and there are passages that draw on the church music of Bach, though there are also interludes in breezy popular style. The second ballet score, Les Animaux modèles (1941), has never equalled the popularity of Les biches, though both Auric and Honegger praised the composer's harmonic flair and resourceful orchestration. Honegger wrote, "The influences that have worked on him, Chabrier, Satie, Stravinsky, are now completely assimilated. Listening to his music you think – it's Poulenc." The Sinfonietta (1947) is a reversion to Poulenc's pre-war frivolity. He came to feel, "I dressed too young for my age ... [it] is a new version of Les biches but young girls [biches] that are forty-eight years old – that's horrible!" The Concerto for piano and orchestra (1949) initially caused some disappointment: many felt that it was not an advance on Poulenc's pre-war music, a view he came to share. The piece has been re-evaluated in more recent years, and in 1996 the writer Claire Delamarche rated it as the composer's finest concertante work.
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《》Piano
　Poulenc, a highly accomplished pianist, usually composed at the piano and wrote many pieces for the instrument throughout his career. In Henri Hell's view, Poulenc's piano writing can be divided into the percussive and the gentler style reminiscent of the harpsichord. Hell considers that the finest of Poulenc's music for piano is in the accompaniments to the songs, a view shared by Poulenc himself. The vast majority of the piano works are, in the view of the writer Keith W Daniel, "what might be called 'miniatures'". Looking back at his piano music in the 1950s, the composer viewed it critically: "I tolerate the Mouvements perpétuels, my old Suite en ut [in C], and the Trois pieces. I like very much my two collections of Improvisations, an Intermezzo in A flat, and certain Nocturnes. I condemn Napoli and the Soirées de Nazelles without reprieve."

　Of the pieces cited with approval by Poulenc, the fifteen Improvisations were composed at intervals between 1932 and 1959. All are brief: the longest lasts a little more than three minutes. They vary from swift and balletic to tender lyricism, old-fashioned march, perpetuum mobile, waltz and a poignant musical portrait of the singer Édith Piaf. Poulenc's favoured Intermezzo was the last of three. Numbers one and two were composed in August 1934; the A flat followed in March 1943. The commentators Marina and Victor Ledin describe the work as "the embodiment of the word 'charming'. The music seems simply to roll off the pages, each sound following another in such an honest and natural way, with eloquence and unmistakable Frenchness." The eight nocturnes were composed across nearly a decade (1929–38). Whether or not Poulenc originally conceived them as an integral set, he gave the eighth the title "To serve as Coda for the Cycle" (Pour servir de Coda au Cycle). Although they share their generic title with the nocturnes of Field, Chopin and Fauré, Poulenc's do not resemble those of the earlier composers, being "night-scenes and sound-images of public and private events" rather than romantic tone poems.

　The pieces Poulenc found merely tolerable were all early works: Trois mouvements perpétuels dates from 1919, the Suite in C from 1920 and the Trois pièces from 1928. All consist of short sections, the longest being the "Hymne", the second of the three 1928 pieces, which lasts about four minutes. Of the two works their composer singled out for censure, Napoli (1925) is a three-movement portrait of Italy, and Les Soirées de Nazelles is described by the composer Geoffrey Bush as "the French equivalent of Elgar's Enigma Variations" – miniature character sketches of his friends. Despite Poulenc's scorn for the work, Bush judges it ingenious and witty. Among the piano music not mentioned, favourably or harshly, by Poulenc, the best known pieces include the two Novelettes (1927–28), the set of six miniatures for children, Villageoises (1933), a piano version of the seven-movement Suite française (1935), and L'embarquement pour Cythère for two pianos (1953).
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《》Chamber
In Grove, Nichols divides the chamber works into three clearly differentiated periods. The first four sonatas come from the early group, all written before Poulenc was twenty-two. They are for two clarinets (1918), piano duo (1918), clarinet and bassoon (1922) and horn, trumpet and trombone (1922). They are early examples of Poulenc's many and varied influences, with echoes of rococo divertissements alongside unconventional harmonies, some influenced by jazz. All four are characterised by their brevity – less than ten minutes each – their mischievousness and their wit, which Nichols describes as acid. Other chamber works from this period are the Rapsodie nègre, FP 3, from 1917 (mainly instrumental, with brief vocal episodes) and the Trio for oboe, bassoon and piano (1926).

　The chamber works of Poulenc's middle period were written in the 1930s and 1940s. The best known is the Sextet for Piano and Wind (1932), in Poulenc's light-hearted vein, consisting of two lively outer movements and a central divertimento; this was one of several chamber works that the composer became dissatisfied with and revised extensively some years after their first performance (in this case in 1939–40). The sonatas in this group are for violin and piano (1942–43) and for cello and piano (1948). Writing for strings did not come easily to Poulenc; these sonatas were completed after two unsuccessful earlier attempts, and in 1947 he destroyed the draft of a string quartet. Both sonatas are predominantly grave in character; that for violin is dedicated to the memory of Federico García Lorca. Commentators including Hell, Schmidt and Poulenc himself have regarded it, and to some extent the cello sonata, as less effective than those for wind. The Aubade, "Concerto choréographique" for piano and 18 instruments (1930) achieves an almost orchestral effect, despite its modest number of players. The other chamber works from this period are arrangements for small ensembles of two works in Poulenc's lightest vein, the Suite française (1935) and the Trois mouvements perpétuels (1946).

　The final three sonatas are for woodwind and piano: for flute (1956–57), clarinet (1962), and oboe (1962). They have, according to Grove, become fixtures in their repertoires because of "their technical expertise and of their profound beauty". The Élégie for horn and piano (1957) was composed in memory of the horn player Dennis Brain. It contains one of Poulenc's rare excursions into dodecaphony, with the brief employment of a twelve-note tone row.
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《》Songs
　Poulenc composed songs throughout his career, and his output in the genre is extensive. In Johnson's view, most of the finest were written in the 1930s and 1940s. Though widely varied in character, the songs are dominated by Poulenc's preference for certain poets. From the outset of his career he favoured verses by Guillaume Apollinaire, and from the mid-1930s the writer whose work he set most often was Paul Éluard. Other poets whose works he frequently set included Jean Cocteau, Max Jacob, and Louise de Vilmorin. In the view of the music critic Andrew Clements, the Éluard songs include many of Poulenc's greatest settings; Johnson calls the cycle Tel Jour, Telle Nuit (1937) the composer's "watershed work", and Nichols regards it as "a masterpiece worthy to stand beside Fauré's La Bonne Chanson". Clements finds in the Éluard settings a profundity "worlds away from the brittle, facetious surfaces of Poulenc's early orchestral and instrumental music". The first of the Deux poèmes de Louis Aragon (1943), titled simply "C", is described by Johnson as "a masterpiece known the world over; it is the most unusual, and perhaps the most moving, song about the ravages of war ever composed."

　In an overview of the songs in 1973, the musical scholar Yvonne Gouverné said, "With Poulenc, the melodic line matches the text so well that it seems in some way to complete it, thanks to the gift which the music has for penetrating the very essence of a given poem; nobody has better crafted a phrase than Poulenc, highlighting the colour of the words." Among the lighter pieces, one of the composer's most popular songs is a setting of Les Chemins de l'amour for Jean Anouilh's 1940 play as a Parisian waltz; by contrast his "monologue" "La Dame de Monte Carlo", (1961) a depiction of an elderly woman addicted to gambling, shows the composer's painful understanding of the horrors of depression.
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《》Choral
　Apart from a single early work for unaccompanied choir ("Chanson à boire", 1922), Poulenc began writing choral music in 1936. In that year he produced three works for choir: Sept chansons (settings of verses by Éluard and others), Petites voix (for children's voices), and his religious work Litanies à la Vierge Noire, for female or children's voices and organ. The Mass in G major (1937) for unaccompanied choir is described by Gouverné as having something of a baroque style, with "vitality and joyful clamour on which his faith is writ large". Poulenc's new-found religious theme continued with Quatre motets pour un temps de pénitence (1938–39), but among his most important choral works is the secular cantata Figure humaine (1943). Like the Mass, it is unaccompanied, and to succeed in performance it requires singers of the highest quality. Other a cappella works include the Quatre motets pour le temps de Noël (1952), which make severe demands on choirs' rhythmic precision and intonation.

　Poulenc's major works for choir and orchestra are the Stabat Mater (1950), the Gloria (1959–60), and Sept répons des ténèbres (Seven responsories for Tenebrae, 1961–62). All these works are based on liturgical texts, originally set to Gregorian chant. In the Gloria, Poulenc's faith expresses itself in an exuberant, joyful way, with intervals of prayerful calm and mystic feeling, and an ending of serene tranquillity. Poulenc wrote to Bernac in 1962, "I have finished Les Ténèbres. I think it is beautiful. With the Gloria and the Stabat Mater, I think I have three good religious works. May they spare me a few days in Purgatory, if I narrowly avoid going to hell." Sept répons des ténèbres, which Poulenc did not live to hear performed, uses a large orchestra, but in Nichols's view it displays a new concentration of thought. To the critic Ralph Thibodeau, the work may be considered as Poulenc's own requiem and is "the most avant-garde of his sacred compositions, the most emotionally demanding, and the most interesting musically, comparable only with his magnum opus sacrum, the opera, Dialogues des Carmélites."
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《》Opera
　Poulenc turned to opera only in the latter half of his career. Having achieved fame by his early twenties, he was in his forties before attempting his first opera. He attributed this to the need for maturity before tackling the subjects he chose to set. In 1958 he told an interviewer, "When I was 24 I was able to write Les biches [but] it is obvious that unless a composer of 30 has the genius of a Mozart or the precociousness of Schubert he couldn't write The Carmelites – the problems are too profound." In Sams's view, all three of Poulenc's operas display a depth of feeling far distant from "the cynical stylist of the 1920s": Les Mamelles de Tirésias (1947), despite the riotous plot, is full of nostalgia and a sense of loss. In the two avowedly serious operas, Dialogues des Carmélites (1957) and La Voix humaine (1959), in which Poulenc depicts deep human suffering, Sams sees a reflection of the composer's own struggles with depression.

　In terms of musical technique the operas show how far Poulenc had come from his naïve and insecure beginnings. Nichols comments in Grove that Les mamelles de Tirésias, deploys "lyrical solos, patter duets, chorales, falsetto lines for tenor and bass babies and ... succeeds in being both funny and beautiful". In all three operas Poulenc drew on earlier composers, while blending their influence into music unmistakably his own. In the printed score of Dialogues des Carmélites he acknowledged his debt to Mussorgsky, Monteverdi, Debussy and Verdi. The critic Renaud Machart writes that Dialogues des Carmélites is, with Britten's Peter Grimes, one of the extremely rare operas written since the Second World War to appear on opera programmes all over the world.

　Even when he wrote for a large orchestra, Poulenc used the full forces sparingly in his operas, often scoring for woodwinds or brass or strings alone. With the invaluable input of Bernac he showed great skill in writing for the human voice, fitting the music to the tessitura of each character. By the time of the last of the operas, La Voix humaine, Poulenc felt able to give the soprano stretches of music with no orchestral accompaniment at all, though when the orchestra plays, Poulenc calls for the music to be "bathed in sensuality".
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
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　フランシス・ジャン・マルセル・プーランク（仏: [fʁ ɑ ɓ ɓ]; 1899年1月7日 - 1963年1月30日）はフランスの作曲家、ピアニスト。 歌曲、ピアノ独奏曲、室内楽曲、合唱曲、オペラ、バレエ、オーケストラ・コンサート音楽などを作曲。 代表作に、ピアノ組曲『Trois mouvements perpétuels』（1919年）、バレエ『Les biches』（1923年）、チェンバロと管弦楽のための『Concert champêtre』（1928年）、オルガン協奏曲（1938年）、オペラ『Dialogues des Carmélites』（1957年）、ソプラノと合唱と管弦楽のための『Gloria』（1959年）などがある。

　裕福な製造業者の一人息子であったプーランクは、父親に従って家業を継ぐことを期待され、音楽大学への入学を許されなかった。 ピアニストのリカルド・ヴィニェスに師事し、彼は作曲家の両親の死後、彼の師となった。 プーランクはエリック・サティとも知り合い、その指導を受け、レ・シックスと総称される若い作曲家グループの一人となった。 初期のプーランクは、その高揚感と不遜な態度で知られるようになった。 特に1936年以降に作曲した宗教曲では、軽快な作品と交互に作曲している。

　作曲家としての活動に加え、プーランクは優れたピアニストでもあった。 バリトンのピエール・ベルナック（彼は声楽の指導にもあたっていた）、ソプラノのドゥニーズ・デュヴァルとの共演は特に有名である。 プーランクはエリック・サティの指導を受け、レ・シックスと呼ばれる若い作曲家グループのひとりとなった。 蓄音機の重要性にいち早く着目した作曲家でもあり、1928年以降、盛んに録音を行った。

　晩年、そして死後何十年もの間、プーランクは、特に母国ではユーモラスで軽薄な作曲家という評価を受け、彼の宗教音楽は見過ごされがちだった。 21世紀に入り、プーランクの本格的な作品に注目が集まるようになり、《カルメル派の対話》や《人間の声》は世界各地で新演出され、歌曲や合唱曲はライブやレコーディングで数多く演奏されている。
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【音楽】
　プーランクの音楽は基本的にダイアトニックである。 アンリ・ヘルの見解では、プーランクの音楽芸術の最大の特徴はその旋律的才能にあるからである。 グローヴ辞典のロジャー・ニコルズの言葉を借りれば、「（プーランクにとって）最も重要な要素は旋律であり、彼は、最新の音楽地図によれば、調査され、作業され、使い尽くされた領域の中に、未発見の曲の膨大な宝庫への道を見出した」。 解説者のジョージ・ケックは、"彼の旋律はシンプルで、心地よく、覚えやすく、そしてほとんどの場合、感情的に表現豊かである。"と書いている。

　プーランクは、和声表現に創意工夫がなかったという。 作曲家のレノックス・バークレーは、彼についてこう書いている。"彼は生涯を通じて、ありきたりな和声を使うことに満足していたが、その和声の使い方はとても個性的で、すぐに彼自身のものだとわかるもので、それが彼の音楽に新鮮さと有効性を与えていた"。 ケックは、プーランクの和声表現を「彼の旋律的な作風と同じくらい美しく、興味深く、個人的なものである......明確で単純なハーモニーが、明らかに定義された調性領域で、半音階的な表現が通り過ぎることはほとんどない」と考えている。 プーランクには音楽理論に触れる時間はなかった。何度も受けたラジオ・インタビューのひとつで、彼は「理論、教義、規則による作曲は休戦だ！」と呼びかけた。 彼は、ルネ・ライボヴィッツに代表される後世のドデカフォニー信奉者の教条主義を否定し、理論的なアプローチの採用が、彼が以前から大きな期待を寄せていたオリヴィエ・メシアンの音楽に影響を与えたことを非常に残念に思っていた。 地獄に堕ちたプーランクの音楽はほとんどすべて、「人間の声の純粋に旋律的な連想から直接または間接的にインスパイアされた」ものなのだ。 プーランクは骨の折れる職人であったが、彼の音楽は簡単にできたという神話（"la légende de facilitateé"）が生まれた。

　ピアニストのパスカル・ロジェは1999年、プーランクの音楽的性質の両面が等しく重要であるとコメントした。 シリアスな部分とそうでない部分、どちらかを取り上げてしまえば、プーランクは壊れてしまう。 もし、ある部分を消してしまったら、彼の本当の姿の薄いコピーしか得られない」。 プーランクはこの二律背反を認識していたが、すべての作品において、彼は「健康的で、明瞭で、堅牢な音楽、つまりストラヴィンスキーがスラヴ音楽であるように、率直にフランス音楽」であることを望んでいた。
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《》管弦楽曲と協奏曲
　プーランクの大オーケストラのための主な作品には、2つのバレエ、シンフォニエッタ、4つの鍵盤協奏曲がある。 バレエの最初の作品「レ・ビッシュ」は1924年に初演され、現在でもプーランクの代表作のひとつである。 ニコルズは『グローヴ』誌で、明快で調性豊かな楽譜には深い象徴性、あるいは浅い象徴性すらなく、その事実は「情緒的な短調第9音を伴うワーグナー風の金管楽器の小さなパッセージによって強調されている」と書いている。 つの協奏曲のうち最初の2曲は、プーランクの軽快な性格を表している。 チェンバロと管弦楽のための「コンセール・シャンペートル」（1927-28年）は、パリの視点から見た田園風景を想起させる： ニコルズは、終楽章のファンファーレはパリ郊外のヴァンセンヌの兵舎のラッパを思い起こさせるとコメントしている。 2台のピアノと管弦楽のための協奏曲（1932年）も同様に、純粋に楽しませることを意図した作品である。 第1楽章はバリのガムランを彷彿とさせる形で終わり、緩徐楽章はモーツァルト風のスタイルで始まる。 オルガン協奏曲（1938年）は、よりシリアスな作品である。 プーランクは、この曲は彼の宗教音楽の「外れにある」と語っており、バッハの教会音楽を引用した箇所もあるが、さわやかなポピュラー風の間奏曲もある。 2作目のバレエ音楽『Les Animaux modèles』（1941年）は、『Les biches』の人気には及ばないが、オーリックもオネゲルも、この作曲家の和声的センスと機知に富んだオーケストレーションを称賛している。 オネゲルは「シャブリエ、サティ、ストラヴィンスキーなど、彼に作用した影響は、今や完全に同化している。 彼の音楽を聴くと、プーランクだと思うだろう。" シンフォニエッタ（1947年）は、プーランクの戦前の軽薄さに回帰した作品である。 彼は、「自分の年齢にしては若すぎる服装だ......」と感じるようになった。 [これは）レ・ビッシュの新バージョンだが、48歳の若い娘たち（ビッシュ）だ。 ピアノと管弦楽のための協奏曲」（1949年）は、当初、プーランクの戦前の音楽を前進させるものではないとの失望を招いた。 この曲は近年再評価されており、1996年には作家のクレール・デラマルシュがこの作曲家の最も優れた協奏曲と評価している。
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《》ピアノ
　非常に優れたピアニストであったプーランクは、普段はピアノで作曲し、キャリアを通じてピアノのために多くの作品を書いた。 アンリ・ヘルの見解では、プーランクのピアノ曲は、打楽器的なスタイルとチェンバロを思わせる穏やかなスタイルに分けられる。 ヘルは、プーランクのピアノのための音楽で最も素晴らしいのは歌曲の伴奏にあると考え、プーランク自身もこの見解を共有している。 ピアノ作品の大部分は、作家のキース・W・ダニエルに言わせれば「『ミニチュア』と呼ぶべきもの」である。 1950年代のピアノ曲を振り返って、作曲家は批判的に捉えている： 「私は、Mouvements perpétuels、私の古いSuite en ut [in C]、そしてTrois piecesが大好きです。 私は2つの即興曲集、変イ調のインテルメッツォ、そしてあるノクターンがとても好きだ。 私はナポリとナゼルのソワレを猶予なく非難する」。

　作家のキース・W・ダニエルによれば、ピアノ作品の大部分は「ミニチュア」とも呼ぶべきものだという。プーランクが賛意を示して引用した作品のうち、15の即興曲は1932年から1959年の間に作曲された。 どれも短く、一番長いものでも3分ちょっとしかない。 これらの曲は、迅速でバレエ的なものから、優しい叙情性、昔ながらの行進曲、永久移動曲、ワルツ、歌手エディット・ピアフの痛烈な音楽的肖像まで、さまざまなものがある。 プーランクが好んだインテルメッツォは、3曲のうちの最後の曲である。 1番と2番は1934年8月に作曲され、変イ調は1943年3月に作曲された。 解説者のマリーナ・ルダンとヴィクトル・ルダンは、この作品を「チャーミングという言葉を体現したような作品」と評している。 音楽はただページから転がり落ちていくようで、それぞれの音は、雄弁さと紛れもないフランスらしさをもって、とても素直で自然な方法で次の音へと続いていく」。 この8つのノクターンは、ほぼ10年間（1929-38年）にわたって作曲された。 プーランクは当初、この3曲を1つのセットとして考えていたかどうかは別として、8番には「チクルのコーダ（Pour servir de Coda au Cycle）」というタイトルをつけている。 フィールド、ショパン、フォーレのノクターンと総称は同じだが、プーランクのそれは、ロマンティックなトーンポエムというよりは、「公的・私的な出来事の夜景と音のイメージ」であり、それ以前の作曲家たちのノクターンとは似ていない。

　プーランクが許容範囲だと思った作品は、すべて初期のものだった： 1919年の「Trois mouvements perpétuels」、1920年の「組曲ハ調」、1928年の「Trois pièces」である。 いずれも短いセクションからなり、最も長いのは1928年の3曲のうち2番目の「讃歌」で、約4分間続く。 プーランクが非難を浴びた2曲のうち、《ナポリ》（1925年）はイタリアを描いた3楽章の作品であり、《ナゼルのソワレ》は作曲家ジェフリー・ブッシュによって「エルガーのエニグマ変奏曲に相当するフランス的作品」と評された。 ブッシュは、プーランクがこの作品を軽蔑していたにもかかわらず、独創的で機知に富んでいると評価している。 プーランクが好意的に、あるいは辛辣に言及しなかったピアノ曲の中で最もよく知られているのは、2つのノヴェレット（1927-28）、子供のための6つの小品集『ヴィラージュ』（1933）、7楽章からなるフランス組曲のピアノ版（1935）、2台ピアノのための『シテールのための抱擁』（1953）などである。
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《》室内楽
　ニコルズは『グローヴ』において、室内楽作品を3つの時期に明確に区分している。 最初の4曲は初期のソナタで、いずれもプーランクが22歳になる前に書かれた。 これらは2本のクラリネット（1918年）、ピアノ・デュオ（1918年）、クラリネットとファゴット（1922年）、ホルン、トランペットとトロンボーン（1922年）のためのものである。 これらの作品は、プーランクが多種多様な影響を受けていることを示す初期の例であり、ジャズの影響を受けたものもある型破りなハーモニーとともに、ロココのディヴェルティスマンの響きがある。 この4曲はいずれも、それぞれ10分足らずという短さ、茶目っ気、そしてニコルズが「酸」と表現するウィットに特徴づけられる。 この時期の他の室内楽作品としては、1917年のラプソディ・ネーグル（Rapsodie nègre, FP 3）（主に器楽曲で、短い声楽のエピソードがある）、オーボエ、ファゴットとピアノのための三重奏曲（1926年）がある。

　プーランクの中期の室内楽作品は1930年代と1940年代に書かれた。 最もよく知られているのはピアノと管楽器のための六重奏曲（1932年）で、プーランクの軽快な作風を受け継ぎ、2つの生き生きとした外楽章と中央のディヴェルティメントで構成されている。 このグループのソナタは、ヴァイオリンとピアノのためのもの（1942-43）とチェロとピアノのためのもの（1948）である。 弦楽四重奏曲の草稿は1947年に破棄された。 ヴァイオリンのためのソナタは、フェデリコ・ガルシア・ロルカの思い出に捧げられている。 ヘル、シュミット、そしてプーランク自身を含む論者たちは、この作品、そしてある程度はチェロ・ソナタを、管楽器のための作品よりも効果的ではないとみなしている。 ピアノと18の楽器のための「コレオグラフィック協奏曲」（1930年）のオーバードは、人数が少ないにもかかわらず、ほとんどオーケストラのような効果をあげている。 この時期の他の室内楽作品は、プーランクの最も軽快な傾向の2つの作品、フランス組曲（1935年）とペチュエル（1946年）を小編成のアンサンブル用に編曲したものである。

　最後の3曲は木管楽器とピアノのためのソナタで、フルート（1956-57年）、クラリネット（1962年）、オーボエ（1962年）のためのものである。 グローヴによれば、これらのソナタは、「その技術的な専門知識と深遠な美しさ」によって、彼らのレパートリーに定着している。 ホルンとピアノのための「エレジー」（1957年）は、ホルン奏者デニス・ブレインを偲んで作曲された。 この曲には、プーランクの珍しいドデカフォニーへの冒険のひとつが含まれており、12音列の音列が簡潔に用いられている。
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《》歌曲
　プーランクはそのキャリアを通じて歌曲を作曲しており、このジャンルの作品は多岐にわたる。 ジョンソンの見解では、最高傑作のほとんどは1930年代と1940年代に書かれたものである。 歌曲の性格は多岐にわたるが、プーランクが特定の詩人を好んだことに支配されている。 キャリアの初期から、彼はギヨーム・アポリネールの詩を好んで歌い、1930年代半ばからは、ポール・エリュアールの作品を最も多く歌った。 プーランクが頻繁に曲をつけた他の詩人には、ジャン・コクトー、マックス・ジャコブ、ルイーズ・ド・ヴィルモランなどがいる。 音楽批評家アンドリュー・クレメンツの見解では、エリュアールの歌曲にはプーランクの最高傑作の多くが含まれており、ジョンソンは《Tel Jour, Telle Nuit》（1937年）を作曲家の「分水嶺となる作品」と呼び、ニコルズはこれを「フォーレの《La Bonne Chanson》と並ぶにふさわしい傑作」と評価している。クレメンツはエリュアールの歌曲に、「プーランクの初期の管弦楽曲や器楽曲のもろくて面食らった表面からかけ離れた」深遠さを見出している。 ルイ・アラゴンの2つの詩（Deux poèmes de Louis Aragon）」（1943年）の最初の曲は、単に "C "と題され、ジョンソンによれば "世界中に知られた傑作であり、これまで作曲された中で最も珍しい、そしておそらく最も感動的な、戦争の惨禍を歌った曲である "と評されている。

　1973年、音楽学者のイヴォンヌ・グーヴェルネは、この曲の概要について次のように述べている。"プーランクの場合、旋律線はテキストによくマッチしており、ある意味でテキストを完成させているように思える。"これは、与えられた詩の本質を突き抜ける音楽の才能のおかげである。 軽い曲では、ジャン・アヌイユの1940年の戯曲『愛の道』をパリのワルツに仕立てた『愛の道』（Les Chemins de l'amour）が最も人気のある曲のひとつである。対照的に、ギャンブルに溺れる老女を描いた『モンテカルロの乙女』（La Dame de Monte Carlo, 1961）は、うつ病の恐ろしさを痛切に理解している作曲家である。
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《》合唱
　無伴奏合唱のための初期の作品（《Chanson à boire》、1922年）を除けば、プーランクが合唱曲を書き始めたのは1936年である。 この年、プーランクは合唱のための3つの作品、すなわちエリュアールなどの詩のための《9つのシャンソン》、子どもの声のための《小さな声》、そして女声または子どもの声とオルガンのための宗教曲《ヴィエルジュ・ノワールへのリタニー》を作曲した。 無伴奏合唱のためのミサ曲ト長調（1937年）は、グーヴェルネによれば、バロック様式のようなもので、「活力と歓喜に満ちた喧騒の中に、彼の信仰が大きく記されている」と評されている。 プーランクが新たに見出した宗教的なテーマは、《Quatre motets pour un temps de pénitence》（1938-39）でも続いているが、彼の最も重要な合唱作品のひとつは、世俗的なカンタータ《Figure humaine》（1943）である。 ミサ曲と同様、無伴奏であり、演奏を成功させるためには最高レベルの歌唱力が要求される。 他のアカペラ作品には、合唱のリズムの正確さとイントネーションを厳しく要求するQuatre motets pour le temps de Noël（ノエルのための4つのモテット、1952年）などがある。

　合唱と管弦楽のためのプーランクの主な作品には、《スターバト・マーテル》（1950年）、《グローリア》（1959-60年）、《テネブライのための7つの応答》（Sept répons des ténèbres、1961-62年）などがある。 これらの作品はすべて、もともとはグレゴリオ聖歌に合わせた典礼文に基づいている。 グロリアでは、プーランクの信仰が高揚した喜びのうちに表現され、祈りのような静けさと神秘的な感情の間があり、静謐な終わりを迎える。 プーランクは1962年にベルナックにこう書いている。 美しいと思います。 グローリアとスターバト・マーテルで、私は3つの良い宗教作品を手に入れたと思う。 地獄行きを辛うじて免れたとしても、煉獄での数日間を免れてくれますように"。 Sept répons des ténèbresは、プーランクが生前に演奏を聴くことができなかった曲で、大編成のオーケストラを使用しているが、ニコルズの見解では、新たな思想の集中を示している。 批評家ラルフ・ティボドーによれば、この作品はプーランク自身のレクイエムであり、「彼の聖曲の中で最も前衛的で、最も感情的に要求され、最も音楽的に興味深いものであり、彼の大作であるオペラ『カルメル派の対話』に匹敵するものである」。
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《》オペラ
　プーランクがオペラに転向したのは、キャリアの後半になってからである。 20代前半で名声を得たプーランクが、初めてオペラに挑戦したのは40代になってからだった。 彼はこの理由を、自分が選んだ主題に取り組む前に、成熟する必要があったからだとしている。 1958年、彼はインタヴュアーにこう語っている。"24歳のときには『レ・ビッシュ』を書くことができたが、30歳の作曲家がモーツァルトのような天才かシューベルトのような早熟さを持っていない限り、『カルメル会』を書くことができないのは明らかだ。 サムスの見解では、プーランクの3つのオペラはいずれも、「1920年代のシニカルな様式家」とはかけ離れた深い感情を示している： レ・マメル・ド・ティレジアス」（1947年）は、騒々しい筋書きにもかかわらず、郷愁と喪失感に満ちている。 プーランクが人間の深い苦悩を描いた『カルメル派の対話』（1957年）と『人間の声』（1959年）という2つのオペラは、シリアスであることを公言しているが、サムスには作曲家自身の鬱病との闘いの反映が見える。

　音楽的なテクニックという点では、プーランクがそのナイーブで不安定な出発点からどれほど進歩したかを示している。 ニコルズは『グローヴ』の中で、『ティレジアスの夢』は「抒情的なソロ、パタパタとした二重唱、コラール、テノールとバスの赤ん坊のためのファルセットライン、そして......滑稽さと美しさの両方に成功している」と評している。 3つのオペラすべてにおいて、プーランクは以前の作曲家たちの影響を受けつつも、紛れもなく彼自身の音楽に融合させている。 カルメリーテの対話』の印刷された楽譜の中で、彼はムソルグスキー、モンテヴェルディ、ドビュッシー、ヴェルディへの恩義を認めている。 批評家ルノー・マシャールは、《カルメル派の対話》は、ブリテンの《ピーター・グライムス》と並んで、第二次世界大戦以降に書かれたオペラの中で、世界中のオペラ・プログラムに登場する極めて稀な作品のひとつだと書いている。

　大編成のオーケストラのために書いたオペラでも、プーランクはフルオーケストラをほとんど使わず、木管楽器や金管楽器、弦楽器だけのために作曲することが多かった。 ベルナックの貴重な助言を得て、彼は人間の声のための作曲に優れた手腕を発揮し、それぞれの登場人物のテシトゥーラに合った音楽を作り上げた。 最後のオペラ『人間の声』の頃には、プーランクはソプラノにオーケストラの伴奏をまったくつけずに音楽を聴かせることができるようになっていた。
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フランシス・プーランク
Wikipedia FR(フランス版) URL> https://fr.m.wikipedia.org/wiki/Francis_Poulenc

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　Francis Poulenc (/fʁɑ̃.sis pu.lɛ̃k/) est un compositeur et pianiste français, né le 7 janvier 1899 à Paris où il est mort le 30 janvier 1963.
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
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　フランシス・プーランク（/fʁ.sis pu.lɑ/）はフランスの作曲家、ピアニストで、1899年1月7日にパリで生まれ、1963年1月30日に亡くなった。
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フランシス・プーランクの作曲リスト
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/List_of_compositions_by_Francis_Poulenc



























佐藤晴真 Universal Music Japan
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